Il y a des photographes qui capturent l’instant, et d’autres qui capturent l’âme. Sebastião Salgado fait partie de ces rares artistes capables de transcender la réalité pour en révéler l’humanité profonde. C’est ce qui ressort de son travail dans les mines d’or de Serra Pelada, au cœur des famines africaines ou encore dans les forêts vierges de l’Amazonie. À travers son objectif, il n’a cessé de témoigner, avec force et dignité, de la condition humaine et de la beauté brute du monde. Plus qu’un photographe, Salgado est un conteur visuel, un témoin engagé, un passeur de mémoire… que nous n’oublierons pas.

Cet article vous plonge dans son œuvre, sa vision, et son engagement, à la croisée de l’art et de l’humanisme qui le caractérise.

Qui est Sebastião Salgado ?

Imaginez un jeune garçon né en 1944 au cœur du Brésil, dans l’état du Minas Gerais, entouré de forêts, de terres rouges et de plaines infinies. Ce garçon s’appelle Sebastião Salgado. À la base, rien ne le prédestinait à devenir photographe. Il commence à étudier l’économie à l’Université Fédérale de Minas Gerais dans les années 1960. C’est là qu’il obtient son diplôme avant de partir poursuivre ses études à Paris, où il a obtenu un doctorat en économie à l’Université Paris XIII.

Pendant ses années d’étude, il commence à découvrir le monde à travers des voyages. Il voyage notamment en Afrique pour des missions avec la Banque mondiale… mais quelque chose ne colle pas. Le monde qu’il observe lui semble trop distant, trop froid. Un jour, dans les années 70, il emprunte l’appareil photo de sa femme Lélia. Et là, c’est la révélation. Ce n’est pas avec des chiffres qu’il veut raconter l’histoire du monde, mais bien avec la lumière, des visages, des gestes.

Il décide de tout abandonner pour se lancer dans la photographie. Il débute en collaborant avec des agences prestigieuses comme Sygma, Gamma, puis Magnum Photos, aux côtés des plus grands. Son style, en noir et blanc intense, capte l’âme humaine avec une force bouleversante : les mineurs, les réfugiés, les paysans… tous trouvent une dignité nouvelle sous son regard.

En 1994, avec Lélia, il fonde sa propre agence, Amazonas Images, pour garder le contrôle total sur ses projets et leur diffusion. Ensemble, ils bâtissent une œuvre unique, sensible et engagée. Car chez les Salgado, la photographie est plus qu’un art : c’est un acte d’amour, de mémoire et de résistance.

Témoin des souffrances du monde

Sebastião Salgado a consacré une grande partie de sa carrière à documenter les souffrances humaines à travers des crises majeures. Dont les famines dévastatrices du Sahel, le génocide Rwandais, et les exodes dramatiques un peu partout en Afrique et en ex-Yougoslavie. À travers ses photographies, il offre un témoignage visuel saisissant. Pas seulement de la violence et de la misère, mais aussi de la résilience humaine face à l’adversité. Pour Salgado, la photographie n’est pas seulement un moyen d’informer, mais avant tout un acte politique et éthique.

Chaque image, prise dans des conditions souvent extrêmes, devient un appel à la conscience collective. C’est aussi une dénonciation des injustices et un moyen de sensibiliser le monde. Il explore la brutalité de ces événements tout en mettant en lumière la dignité des individus et des communautés prises dans la tourmente. En observant ses clichés, on ne peut que réfléchir sur la nature de la violence et de la souffrance humaine. Cela tout en étant témoins du courage et de la force des êtres humains pour surmonter ces épreuves. Les photographies de Salgado nous rappellent que, malgré la cruauté du monde, il existe toujours une lumière qui réside dans la capacité de l’humanité à résister, à espérer et à se relever.

Une œuvre au service de l’humain

L’esthétique en noir et blanc : une signature visuelle

Avec son traitement noir et blanc très contrastés, Sebastião Salgado a acquis une véritable signature visuelle qui joue un rôle fondamental dans la puissance de ses photographies. Ce choix n’est pas anodin : il permet de transcender la réalité, de la purifier, d’en révéler l’essence. Les noir et blanc de Salgado amplifient fortement les contrastes, accentuent les textures et plongent le spectateur dans une émotion brute et universelle.

Cette signature visuelle repose sur une maîtrise parfaite de la lumière et de l’ombre. Salgado a un sens aigu du contraste, qu’il utilise pour accentuer la dimension dramatique de ses sujets. Les ombres profondes et les lumières frappantes soulignent la dureté de la condition humaine. Tout en révélant la beauté cachée dans des situations souvent de grande précarité. Chaque image semble sculptée, presque comme une peinture, avec une grande profondeur qui semble tout droit sortie d’un autre temps.

Approche humaniste et composition

Sa capacité à capturer des expressions humaines, des gestes, et des moments intenses dans une lumière dure, lui permet de créer des images qui parlent au cœur. Pour Salgado, le noir et blanc est un outil qui l’aide à rendre l’intemporalité de ses sujets : l’humanité, la souffrance, la dignité. Ses photographies sont sans âge, réellement intemporelles, comme des témoignages universels d’un monde en constante évolution.

Sa technique est également marquée par des compositions réfléchies et un cadrage précis. Il aime la simplicité dans la scène, avec des formes géométriques qui apportent de la rigueur et de l’harmonie à ses portraits ou ses paysages.

Ses plus grandes séries documentaires

« Workers » (ou « La Main De L’Homme », sur les travailleurs du monde entier)

La série Workers est l’une de ses œuvres les plus marquantes et poignantes. Publiée en 1993, elle rassemble une série de portraits de travailleurs du monde entier, capturant leur quotidien, leur lutte, et parfois leur dignité dans des conditions de travail extrêmement difficiles. Salgado a photographié des mineurs, des pêcheurs, des agriculteurs, des ouvriers dans des usines, des bâtisseurs de routes, et bien d’autres. Tous unis par leur statut de travailleurs, souvent dans des conditions précaires.

« Exodes » (représentant les migrations, les déplacés, les réfugiés, les nomades)

Exode est également une de ses séries emblématiques, publiée en 2000. Ce projet capture les souffrances et les luttes des réfugiés à travers le monde. Avec cette série, Salgado nous plonge dans l’univers des déplacements massifs de populations, qu’il s’agisse de réfugiés fuyant les guerres, les persécutions, ou les catastrophes naturelles. Ses photographies montrent des scènes poignantes de camps de réfugiés, de familles déracinées, et de trajets pénibles. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience humaine face à l’adversité. Exode est un appel à la compassion, une réflexion sur les enjeux humanitaires contemporains, et un témoignage bouleversant des vies brisées par des événements mondiaux. Tout en offrant une vision poétique de l’espoir et de la solidarité qui naît dans la souffrance.

« Genesis » (une ode à la planète, à la nature sauvage et intacte)

Genesis est un projet monumental de Sebastião Salgado, lancé en 2004, qui représente un retour aux racines de la nature et de l’humanité. Cette série se distingue des autres travaux de Salgado par son approche plus optimiste et respectueuse de l’environnement. À travers Genesis, Salgado a exploré des régions du monde encore préservées des perturbations humaines. Telles que les forêts vierges de l’Amazonie, les paysages glaciaires de l’Antarctique, ou les terres isolées du Sahara. Son objectif était de capturer la beauté brute et la diversité de la planète. Tout en soulignant la nécessité de la préserver face à la dégradation écologique croissante. Genesis est une réflexion sur la grandeur de la Terre, un hommage à sa beauté primitive. Mais c’est aussi un appel à la responsabilité collective pour la sauvegarde de ces espaces précieux.

Une partie de son œuvre

La meilleure manière de découvrir un photographe, c’est de regarder et analyser ses images. Alors, comme je le fais en général lorsque je présente un photographe inspirant, je vous propose une série de photos. Bien sûr, celles-ci ne sont qu’une très petite partie de l’immense œuvre de Salgado.

Photos issues de sa série « Workers »

Sélection de photos issues de sa série « Exodes »

Photos issues de sa série « Genesis »

Un tournant : la beauté comme réparation

Après avoir photographié tant de souffrances humaines et naturelles, Sebastião Salgado frôle le burn-out émotionnel. Accablé par l’intensité des crises qu’il a couvertes, il cherche un refuge et retourne sur les terres de son enfance au Brésil. Là, il découvre, avec horreur, que la déforestation a dévasté les forêts qui l’avaient marqué dans sa jeunesse. Ce choc l’amène à entreprendre, avec sa femme Lélia, un projet de reforestation ambitieux. Ils plantent des millions d’arbres, redonnant vie à un écosystème en péril. Cette initiative donne naissance à l’Instituto Terra, une organisation dédiée à la restauration de la biodiversité et à la protection de l’environnement.

Parallèlement, Salgado lance la série Genesis, que j’ai mentionné plus haut et qui est un hommage à la beauté de la planète et aux peuples indigènes qui en sont les gardiens. À travers ses images, il capture la majesté des paysages vierges et la richesse des cultures ancestrales. Tout en offrant un message d’espoir et de préservation, contrastant avec la brutalité des souffrances qu’il a documentées auparavant. Genesis devient ainsi non seulement un hommage à la Terre, mais aussi un appel à l’action pour protéger ce qui reste de sa beauté sauvage.

L’impact et l’héritage de Salgado

Si vous avez lu jusqu’ici, vous l’avez compris… Sebastião Salgado est bien plus qu’un photographe de renom. C’est un militant écologiste et humaniste profondément engagé. Son travail, qui s’étend au-delà des frontières de la photographie, a inspiré des générations de photojournalistes. Ceux-ci voient en lui un modèle d’intégrité et de passion pour les causes humaines et environnementales. Ses images ont été des témoins essentiels de l’histoire, de la souffrance et de la beauté du monde. Tout en portant un message de solidarité et de préservation.

Salgado a été récompensé par de prestigieuses distinctions internationales, dont le Prix Prince des Asturies et plusieurs honneurs de l’UNESCO, qui soulignent l’impact de son œuvre. En 2014, le film documentaire Le Sel de la Terre, filmé par son fils Juliano Ribeiro Salgado et réalisé par Wim Wenders, retrace son parcours exceptionnel. Il donne au grand public un aperçu intime de la vie et de l’engagement de ce photographe hors du commun. Ce film est un hommage visuel et humain à son travail.

Pourquoi il faut encore regarder les images de Salgado aujourd’hui ?

Il est essentiel de continuer à regarder les images de Sebastião Salgado aujourd’hui. Elles sont intemporelles et puissantes, bien au-delà de leur époque. Dans un monde saturé d’images numériques, où le côté éphémère et la superficialité dominent, ses photographies nous rappellent la force d’un regard lent et profond, capable de capter l’essence humaine et naturelle.

Chaque image de Salgado parle à notre conscience collective, nous confrontant à la réalité des souffrances humaines et des défis environnementaux. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience. Ses photographies ne se contentent pas de documenter. Elles appellent à l’action, à la compassion et à la prise de responsabilité. Elles nous poussent à réfléchir sur notre impact sur le monde. Et à agir pour préserver ce qui reste de notre planète et de son humanité. Les images de Salgado sont un héritage visuel qui nous engage à ne pas détourner le regard.

Ses plus beaux livres

« Workers – La Main de l’Homme »

« Exodes »

« Genesis »

Nous voilà arrivés au bout de cet article, j’espère vous avoir fait découvrir Sebastião Salgado. Ou au moins un ou l’autre aspect de sa vie ou de son œuvre. Bien sûr cet article n’a pas pour but de transmettre entièrement qui était Sebastião Salgado. Mais plutôt d’ouvrir une porte… D’un côté, savoir qui il était si vous ne le connaissiez pas. Et de l’autre, vous donner envie de creuser un peu plus son travail, son œuvre et qui sait son histoire et sa personnalité.

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Le photographe dont je vais vous parler dans cet article est particulièrement inspirant. Il est en effet le précurseur de pas mal d’aspects de la photographie. Dont l’utilisation de la couleur et la représentation du mouvement grâce aux vitesses d’obturation plus lentes… Mais sa vision des choses et son histoire sont également très intéressantes à découvrir. Le photographe inspirant que je vous présente aujourd’hui, c’est Ernst Haas.

Biographie

Ernst Haas est né le 2 mars 1921 à Vienne, en Autriche, dans une famille d’origine juive. Son père, Frederic Haas, était un avocat de haut rang, ce qui a permis à la famille de jouir d’un certain confort et statut social avant l’annexion de l’Autriche par l’Allemagne nazie en 1938. Cette période a marqué un tournant dramatique dans la vie de la famille, avec l’application des lois raciales nazies qui ont interdit à son père de pratiquer le droit et ont progressivement détruit la sécurité financière et sociale de sa famille.

Éducation

Il envisage initialement des études de médecine, mais les restrictions imposées par les lois nazies sur l’éducation des Juifs ont limité ses options. Il doit abandonner ses études secondaires suite à l’annexion de l’Autriche. C’est pendant cette période difficile qu’il commence à s’intéresser à la peinture, puis à la photographie, des domaines qui ne nécessitent pas de diplôme universitaire, qui sont hors de portée pour lui à cette époque. Il apprend la photographie de manière autodidacte, en lisant des livres, en visitant des expositions. Et en expérimentant avec un appareil photo Voigtländer que lui a donné son père.

Carrière et débuts professionnels

Après la Seconde Guerre mondiale, il se lance dans le photojournalisme. La photographie devient un moyen pour lui de documenter et de traiter les horreurs de la guerre et ses conséquences sur son pays natal. Ses premiers travaux représentent la vie dans la Vienne d’après-guerre et le retour des prisonniers de guerre. Ceux-ci sont remarqués par des magazines locaux et internationaux en 1947. Ce qui lui ouvre la voie à une carrière professionnelle. Et c’est en 1949, Robert Capa l’invite à rejoindre l’agence Magnum Photos, ce qui l’amena à déménager à New York en 1950.

Œuvre et style

L’innovation en couleur et techniques

Ernst Haas est l’un des premiers photographes à avoir pleinement exploré et exploité les possibilités de la photographie couleur. Cela à une époque où la majorité des photographes professionnels privilégiait encore le noir et blanc pour sa valeur artistique et documentaire. Il a vu dans la couleur un moyen d’exprimer plus vivement les émotions et de capter l’essence du temps et de l’espace de manière plus réaliste et dynamique.

Il choisit méticuleusement ses palettes de couleurs pour renforcer l’ambiance d’une scène. Haas joue souvent avec des contrastes chauds et froids pour créer une dynamique visuelle ou pour guider l’œil du spectateur à travers l’image. Un autre aspect intéressant est qu’il exploite la lumière naturelle pour améliorer les teintes et les ombres dans ses compositions. Par exemple, il utilise souvent le lever ou le coucher du soleil pour obtenir des couleurs plus chaudes, plus douces et plus nuancées.

Approche thématique

Ernst Haas ne se limite pas à un seul genre photographique. Son œuvre couvre une vaste gamme de sujets, incluant des portraits, des paysages, des scènes de rue et des compositions abstraites. Il excelle dans la capture de paysages, transformant des scènes naturelles en œuvres d’art avec des compositions réfléchies. À cela s’ajoute un usage expert de la couleur pour capturer des moments de transformation, comme le changement des saisons ou des conditions météorologiques.

La majeure partie de son œuvre est composée de photographies de grandes villes. Dont certaines pour lesquelles il a reçu de nombreux prix, dont Paris et Venise mais surtout New-York. Dans ses photographies urbaines, il capture souvent le mouvement et la vie de la ville avec une sensibilité qui transcende la simple documentation. Ses images de New York, par exemple, montrent une ville vibrante et perpétuellement en mouvement. Il utilise entre autres des techniques comme le flou de mouvement pour créer un sentiment de dynamisme.

Techniques photographiques

Pour moi, Ernst Haas est un maître du flou de mouvement qu’il utilise pour transmettre le mouvement et la sensation du temps qui passe. Cette technique, qu’il maîtrise, est particulièrement évidente dans ses photographies de sports ou de véhicules en mouvement. Photos où le flou donne une impression de vitesse et d’énergie.

Il emploie des compositions innovantes, souvent en optant pour des angles inhabituels. Ou en incorporant des éléments graphiques forts comme des lignes, des formes et des motifs répétitifs. Ces choix ne servent pas seulement à guider l’œil mais aussi à interpréter le sujet de manière plus abstraite ou émotionnelle.

Inspirations & Influences

Cinéma

Ernst Haas a été profondément influencé par le cinéma. En particulier par les courants du néo-réalisme italien et les œuvres de réalisateurs tels que Federico Fellini et Luchino Visconti. Ces films, connus pour leur approche réaliste et souvent poétique de la vie quotidienne, l’ont inspiré à adopter une approche similaire dans ses photographies. Il cherchait à capturer des moments de vie réels avec une touche de lyrisme visuel. Utilisant la couleur et la composition pour raconter des histoires et évoquer des émotions.

Peinture

La peinture a également joué un rôle crucial dans le développement de son style. Il admirait les impressionnistes pour leur utilisation de la couleur et de la lumière. Ce qui a influencé sa propre façon de voir et de représenter le monde. Les œuvres de peintres comme Claude Monet et Vincent van Gogh l’ont aidé à comprendre comment la couleur pouvait être utilisée pour transmettre non seulement la réalité visuelle, mais aussi les ambiances et les émotions.

Influences photographiques

Le fait de rejoindre l’agence Magnum a été déterminant dans sa carrière. Cette coopérative, fondée par des photographes de renom tels que Robert Capa et Henri Cartier-Bresson, a été un environnement stimulant qui valorisait la liberté créative et l’innovation. L’approche documentaire humaniste de Cartier-Bresson a particulièrement influencé Haas. Bien qu’il ait choisi de se distancer du style strictement noir et blanc et documentaire de Cartier-Bresson pour explorer plus avant les possibilités de la couleur.

Les collaborations avec d’autres photographes et artistes ont également nourri sa créativité. Haas a travaillé avec de nombreux autres membres de Magnum sur divers projets et missions. Ce qui lui a permis de développer une approche plus nuancée et diversifiée de la photographie. Ces interactions l’ont aidé à élargir sa perspective artistique et à expérimenter avec de nouvelles techniques et approches.

Sélection de photos

L’œuvre de Ernst Haas, comme celle de nombreux photographes de son calibre, est composée d’une quantité astronomique de bonnes photos. Mais certaines ont plus de sens et d’intérêt pour moi. Ce sont celles-là que je vais partager ici. Sachant que vous pouvez en trouvez beaucoup d’autres ici ou là, dans ses livres ou sur d’autres sites.

Mouvement

Venise

New York

Divers

Conclusion

La vie d’Ernst Haas a été marquée par des défis significatifs dès son plus jeune âge, avec l’avènement du nazisme qui a bouleversé sa famille et ses aspirations initiales. Son parcours vers la photographie, bien que non conventionnel et largement autodidacte, illustre sa résilience et sa capacité à transformer l’adversité en opportunité artistique. Il a non seulement survécu à une époque de profondes perturbations, mais il a également prospéré, laissant une marque indélébile dans le monde de la photographie. Son histoire personnelle ajoute une profondeur émotive à son œuvre, reflétant souvent une quête de beauté et de signification dans les vestiges du chaos et de la destruction.

Il a été un pionnier qui a non seulement embrassé la photographie couleur à une époque où elle était souvent reléguée à des fins commerciales, mais l’a aussi élevée au rang d’art. Ses techniques et son approche thématique ont enrichi la palette narrative de la photographie, faisant de lui une figure incontournable dans l’histoire de ce médium. Le travail d’Ernst Haas a eu un impact profond sur le monde de la photographie, prouvant que la couleur peut porter une charge émotionnelle et artistique comparable, voire supérieure, à celle du noir et blanc. Ses images restent étudiées et admirées pour leur audace technique et leur profonde beauté.

Ernst Haas a toujours exprimé sa volonté d’utiliser la photo comme un langage universel. Même si son œuvre en noir et blanc a été éclipsée par ses recherches sur la photographie couleur dont il fut l’un des précurseurs. Son travail a connu un immense succès et dans les années 60 et 70, il est devenu un modèle et une référence pour la communauté des photographes amateurs d’aujourd’hui.

Avis & Recommandation

J’espère que cet article vous a inspiré, que vous l’avez trouvé intéressant et qu’il vous a donné envie d’en savoir plus sur ce photographe inspirant. Et si cet article ne vous suffit pas et que vous souhaitez en savoir plus sur Ernst Haas ou découvrir plus de photos de son oeuvre, je vous conseille ses livres photo « New York in Color » ou encore « The American West« 

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J’apprécie bien évidemment ses photos reconnaissables entre mille mais aussi et surtout son côté humain et sa volonté de montrer ce qui se passe ailleurs que sous nos fenêtres. Je vous laisse le découvrir.

Biographie

Alex Webb est un photographe américain né le 5 mai 1952 à San Francisco. Il est reconnu comme l’un des maîtres de la photographie couleur. Son travail photographique est unique et évocateur, que ce soit en tant que photojournaliste ou en tant que photographe de rue. Une œuvre qui l’a élevé au rang d’icône de la photographie contemporaine. Au cours de ses nombreux voyages à travers le monde, il a su capturer des scènes de la vie quotidienne dans des compositions riches en détails et en couleurs. Des images qui nous révèlent à sa manière la complexité et la beauté du monde qui nous entoure.

Photographe engagé

A ses débuts, Alex Webb a rapidement été attiré par la diversité culturelle du monde. Il a commencé à explorer cette diversité à travers ses voyages, mettant en avant les pays et certaines parties du monde en transition ou touchés par des événements socio-politiques. Son travail s’est doucement fait remarquer au début des années 1970, alors qu’il voyageait à travers les États-Unis pour documenter la vie quotidienne dans les régions touchées par des mouvements sociaux tels que le mouvement des droits civiques. Ces premiers travaux ont jeté les bases de sa carrière de photographe engagé.

Couleurs vibrantes et éclatantes

Il est célèbre pour ses photographies couleur intenses et riches en nuances. Alex Webb utilise la couleur de manière audacieuse, c’est d’ailleurs l’une des caractéristiques les plus distinctives de son travail. Il a été l’un des premiers photographes à exploiter pleinement le potentiel expressif de la photographie couleur. En utilisant des pellicules positives et négatives pour capturer des images riches en nuances et en contrastes, créant ainsi des compositions dynamiques et saisissantes. La plupart de ses photographies révèlent l’émotion et la vie même dans les moments les plus banals grâce à leurs couleurs intenses.

Compositions riches et complexes

Ses images se distinguent également par leurs compositions complexes et intrigantes. Il a un talent pour combiner des éléments visuels variés et créer des images multicouches qui attirent l’attention du spectateur. Des lignes, des motifs et des textures s’entrelacent dans ses photographies, créant des compositions visuellement stimulantes et captivantes. Il excelle à trouver l’équilibre entre le chaos et l’harmonie, rendant ainsi chaque image à la fois visuellement saisissante et émotionnellement engageante.

Grand voyageur et explorateur

Alex Webb est un véritable photographe explorateur. Tout au long de sa carrière, il a parcouru le monde pour capturer des instants significatifs. Il est allé dans des endroits tels que le Mexique, les Caraïbes, l’Afrique, l’Inde, l’Europe et bien d’autres. Ses photographies reflètent une curiosité profonde pour les cultures et les sociétés qu’il a rencontrées lors de ses voyages. Il est particulièrement connu pour son travail au Mexique, où il a passé de nombreuses années à documenter la vie quotidienne de ce pays riche en couleurs et en traditions.

Collaborations

En plus de ses travaux en solo, il a beaucoup collaboré avec sa femme, la photographe Rebecca Norris Webb. Leurs visions artistiques complémentaires se sont mélangées dans des livres et des projets communs, créant ainsi une symbiose unique entre leurs photographies. Parmi ces livres, « Violet Isle: A Duet of Photographs from Cuba » et « Slant Rhymes« . Ils ont tous les deux reçu de bons retours pour leur capacité à raconter des histoires poétiques à travers des images. En plus de son travail de photographe, il est également co-fondateur de Magnum In Motion, une plateforme multimédia créée pour explorer de nouvelles façons de raconter des histoires à travers la photographie.

Récompenses

Au fil des années, Alex Webb a reçu de nombreuses récompenses et distinctions pour son travail remarquable. Il a notamment reçu une bourse de la Fondation Guggenheim et une bourse de la Fondation Nationale pour les Arts. Aujourd’hui, ses photographies sont exposées dans des galeries et des musées prestigieux du monde entier. Elles inspirent de nombreux photographes et amoureux de l’art visuel. Alex Webb a également publié de nombreux livres photo, dont certains en collaboration avec sa femme, comme je l’ai mentionné plus haut.

Ses photos

Voici quelques unes de ses meilleures images

Conclusion

Alex Webb est un photographe talentueux et visionnaire dont le travail a captivé le monde avec des images éclatantes et captivantes. Ses photographies, empreintes de couleurs vibrantes et de compositions complexes, reflètent sa passion pour l’exploration du monde et des cultures qui l’habitent. Son héritage artistique perdurera à travers ses œuvres, qui continueront d’inspirer et d’émerveiller les générations futures de photographes et d’amoureux de l’art visuel.

Si vous aimez découvrir les grands photographes et leur travail photographique, n’hésitez pas à jeter un œil sur mon compte Pinterest, vous y trouverez une sélection de photographes d’hier et d’aujourd’hui et quelques unes de leurs photos. Bien que ça ne remplace pas un bon livre photo d’auteur, ça peut vous donner des pistes. Et vous quel est votre photographe préféré ? Dites-le moi en commentaire ci-dessous…

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Comme je le fais en général, je commence avec un petite présentation de l’homme. Avant d’enchaîner sur son œuvre et une sélection des photos qui me parlent le plus. Allez c’est parti .

Biographie

Luigi Ghirri (1943-1992) était un photographe italien. Géomètre de formation, il a commencé à prendre des photos au début des années 70. Il a produit les premières photos couleur de paysage et d’architecture dans le milieu de l’art conceptuel. Les photographies de Ghirri sont présentées comme étant dans une impasse, un esprit souvent ironique et considérant toujours une forme d’équilibre entre les gens et leur environnement. Il travaillait en séries, photographiant parcs, plages et scènes urbaines de son Italie d’origine. Et produisant des tirages de tailles modestes mais réalisés de manière méticuleuse.

La couleur

Son utilisation de la couleur a été saluée pour sa capacité à exprimer «à la fois la prescience et la nostalgie» dans son encapsulation distincte de la première vague de photographie couleur. La curiosité de Ghirri avec l’utilisation de l’échelle et l’illusion a souvent donné à ses images une atmosphère de rêve. Francesco Zanot, grand critique de photographie a écrit à son sujet : « Il modifie la perception que nous avons du monde sans proposer un seul chemin à suivre. Il nous fournit plutôt les outils dont nous avons besoin pour trouver celui que nous recherchons« .

Carrière et réussite

Il a passé toute sa carrière dans la région d’Emilia-Romagna en Italie, où il a produit l’un des projets photographiques les plus ouverts et stratifiés de l’histoire. Bien qu’il ait exposé abondamment au cours de sa vie et qu’il était à l’apogée de sa production à sa mort en 1992, ce n’est qu’après sa mort prématurée que sa véritable réussite a commencé à être appréciée.

En 2008, la Fondation Aperture a produit le premier livre sur Ghirri en anglais. Et en 2010, Thomas Demand a organisé l’exposition acclamée « La Carte d’Après Nature » autour des photographies de Ghirri. Son travail a été présenté à la Biennale de Venise 2011. Et en 2012 l’exposition « Luigi Ghirri – Project Prints » s’est tenue au Castello di Rivoli à Turin. La plus grande exposition de l’œuvre de Ghirri a ouvert ses portes en avril 2013 au musée MAXXI de Rome. Les photographies de Ghirri ont été exposées à la Biennale de Venise en 2013.

Son travail

Essentiellement intéressé par l’analyse de l’environnement, et de ses multiples articulations (naturelles, humaines, urbaines), ses travaux sont structurés de manière ouverte, évoluant constamment du fait de leurs liens et imbrications.  Il se focalise sur les rapports entre l’homme et son environnement. Pas au sens strictement sociologique, mais surtout comme une recherche identitaire dans une réalité souvent tragiquement absurde. Dans ses cruels et brutaux faux-semblants et succédanés qui apparaissent dans le présent, mais qui n’oublient pas le passé.

C’est ainsi qu’il alimente différentes séries dont celles ci-dessous.

– Paysages de carton (Paesaggi di cartone)

L’image mythe, archétype d’aujourd’hui, et la fascination substitutive pour une réalité qui a délégué à la représentation d’elle-même la manière de se faire connaître à l’homme.

– Déjeuner sur l’herbe (Collazione sull’erba)

Le paysage naturel à la périphérie de la ville, revisité de manière ironique et anxiogène, mais profondément participative, dans laquelle il est possible de lire l’écho d’une relation qui n’est plus renouvelable.

– ∞ (infinito)

En 1975, il développe une série sur le ciel, ciel qu’il photographie durant 365 jours, une année entière. Certaines images produites sont visibles dans le livre Kodachrome.

– Expositions

Après avoir exposé une première fois en 1973 à Modène, il exposera un peu partout dans le monde, Milan, Paris, Rome, Tokyo, New York de manière individuelle ou collective. Son œuvre continue d’être exposée plusieurs années après sa mort.

Il crée en 1977 à Modène sa propre maison d’édition « Punto e Virgola« . Elle prétend documenter les travaux d’auteurs singuliers, les recherches, les études, les perspectives les plus diverses, tant sur le plan formel que thématique, produites aujourd’hui par la photographie. Son intention est de pourvoir une documentation, de manière à créer les imbrications uniques nécessaires à élaboration d’un cadre général utile à la compréhension du rôle dévolu de la photographie à notre époque.

Sa vision

Son travail naît de la nécessité et du désir d’interpréter et de traduire le signe et le sens de cette somme de hiéroglyphes. En ce sens, non seulement la réalité facilement identifiable lourdement symbolique, mais aussi la pensée, la mémoire, l’imagination, le contenu fantastique ou étrange. La photographie est extrêmement importante pour l’objectif qu’il s’est fixé, du fait de caractéristiques particulières qu’il tente d’expliquer ici (ci-dessous).

– L’espace autour du cadre

L’effacement de l’espace autour de la partie encadrée est pour lui aussi importante que la partie représenté et la photographie assume un sens devenant mesurable du fait même de cet effacement. Dans le même temps, l’image continue dans le visible de cet effacement. Et nous invite à voir le reste du réel non représenté. Ce double aspect de représentation et d’effacement ne tente non seulement pas d’évoquer l’absence de limites, excluant toute idée de complétude ou de finitude, mais il indique quelque chose qui ne peut être délimité, c’est-à-dire le réel.

– Le rapport à la réalité

Il ajoute que la possibilité de voir et de pénétrer l’univers de la réalité passe au contraire par toutes les représentations et les modèles culturels connus. Et qui nous sont donnés comme définitifs et décisif, et notre rapport à la réalité et à la vie est la même que celui de l’image du satellite à la Terre elle-même. La photographie, dans son indétermination, devient ainsi un moyen privilégié pour parvenir à s’extraire de la symbolique des représentations définies. Et à laquelle est attribué une valeur de vérité.

– Le non délimitable

Il dit également que la possibilité d’analyse dans le temps et dans l’espace des signes formant la réalité, dont la totalité nous a toujours échappé, autorise alors la photographie, grâce à son caractère fragmentaire, à être plus proche du non délimitable, c’est-à-dire l’existence physique. C’est pour cela que les images et les moments décisifs, l’étude ou l’analyse de leur langage comme une fin en soi, l’esthétique, le concept ou l’idée totale, l’émotion du poète, la citation éclairée, la recherche d’un nouveau credo esthétique, l’usage d’un style, ne l’intéressent pas.

– Toutes les fonctions possibles

Son engagement est de voir avec clarté, c’est pourquoi il s’intéresse à toutes les fonctions possibles. Sans en écarter aucune, mais en les assumant d’une manière totale pour être en mesure, tour à tour, de voir et de rendre reconnaissable les hiéroglyphes rencontrés.

Ses clichés

Il est toujours difficile de sélectionner un nombre limité de photos d’un grand photographe. J’ai donc choisi une dizaine d’images qui me plaisent et qui, à mon sens, représentent bien son travail ou plutôt une partie de son œuvre. Quelques-unes de ces photos sont prises en bord de mer, d’autres mettent en évidence des jeux de miroirs. Toutes sont graphiques ou d’une étonnante simplicité. Je vous laisse découvrir ces quelques images.

Si vous voulez voir plus de photos de Luigi Ghirri, je vous renvoie vers ma galerie Pinterest dédiée au photographe qui propose une autre partie de son travail.

Son livre Kodachrome

Je me suis basé sur son excellent livre imagé Kodachrome (1978) pour vous présenter au mieux Luigi Ghirri dans cet article. Ce livre résume bien le personnage, sa vie et une grosse partie de son œuvre. Il comprend un texte de l’artiste concernant à la fois le médium et sa variété de sources d’inspiration: « Le sens que j’essaie de donner à travers mon travail est une vérification de la façon dont il est encore possible de désirer et de faire face à un chemin de connaissance, pour pouvoir enfin distinguer l’identité précise de l’homme, de l’image de l’homme, des choses et de la vie.« 

J’espère que cet article vous a plu et vous a donné envie de découvrir ce photographe. N’hésitez pas à me dire si vous appréciez ce genre d’article inspiration.

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C’était en 2011 qu’à été diffusée sur la chaîne Arte cette émission en cinq épisodes sur le thème de la photographie. Comme pour la Star Académie à une autre époque ou The Voice plus récemment, le concept de cette émission était de permettre à six jeunes talents d’être coachés pendant une semaine par un grand nom de la photo. Il s’agissait ici d’un photographe qui a souvent fait parlé de lui lors des campagnes publicitaires choc de Benetton, Monsieur Oliviero Toscani. Chaque jour les élèves avaient un défi à relever, le travail était ensuite analysé et commenté pour leur permettre d’apprendre et d’évoluer vers le métier de photographe.

Qui est Toscani

« Aucun détail n’est petit »

Oliviero Toscani est un photographe italien, né en 1942. Il est connu (et reconnu) pour ses photos « choc » ayant servi à différentes campagnes publicitaires de la marque de vêtement Benetton dans les années 90.

Vous devez regarder cette émission

Si vous en avez l’occasion, je vous recommande cette émission. Pas pour le côté téléréalité mais tout simplement parce qu’il y a de nombreuses astuces et la vision de Toscani est parfois percutante. Je pense que la photographie ne se limite pas au fait de posséder un appareil performant, maîtriser une technique ou avoir un œil artistique.

Il y a bien plus, comme amener sa touche personnelle, exprimer sa propre vision du monde. Il me semble que chaque photographe pourra y trouver des éléments intéressants, qui le feront avancer et se remettre en question dans sa pratique de la photographie, quel que soit son niveau.

De mon côté, j’y ai trouvé quelques pépites et réflexions personnelles que je détaillerai plus loin. J’ai entre autre pris quelques coups de pieds aux fesses concernant ma recherche d’identité photographique ou le fait de se faire confiance, de suivre son ressenti et surtout d’oser. Mais je vous explique tout cela plus bas dans l’article.

Pour vous donner une idée, à la question Peut-on tout photographier ? Oliviero Toscani répond : « Voir, ça dérange… c’est d’ailleurs là que le photographe devient intéressant ». Mais aussi « c’est la condition humaine » et « La vie, la mort, l’amour, les grandes questions de l’existence » pour appuyer son idée que le but final de l’art, c’est la condition humaine.

Déroulement

Chaque jour, les participants ont reçu des instructions pour un nouveau challenge. Après une courte discussion et quelques conseils de Oliviero Toscani, ils devaient réaliser une série de photos en un temps assez court. Si les résultats étaient atteints, celles-ci étaient publiées. Je vous mets les liens vers les vidéos à la fin de l’article si vous souhaitez voir ces 5 épisodes de 40 minutes.

1. Le nu

« Ce sont les idiots qui disent que le beau est beau »

Après un rapide tour de table des portfolios de chacun des participants, Oliviero Toscani leur a concocté une première épreuve plutôt conséquente sans expérience : une séance portrait de nu. Le but était de voir de quoi ils étaient capables avec peu de matériel et temps. D’après Toscani, le nu fait partie de la condition humaine, il appartient à tout le monde. Il existe une infinité de façons de regarder, voir un corps humain. Une première épreuve intéressante.

2. Le reportage

« Tout portrait est un auto-portrait« 

Dans le deuxième épisode, les jeunes talents doivent réaliser une reportage photo pour le grand magazine allemand « View ». Ils tirent au sort un professionnel pour lequel ils doivent représenter le métier en images. Toscani mentionne entre autre August Sanders, un photographe de portrait des années 20 pour montrer le fait de refléter sa personnalité à travers ses images. Et chacun des participants ont effectivement leur touche personnelle.

3. Le portrait de mode

« En art, il n’y a pas de démocratie »

Le troisième jour est dédié à la photo de mode. Un couturier, des modèles et un lieu pour représenter « la Parisienne » pour l’affiche du magazine d’Arte. Dans cet épisode on voit également Peter Knapp, grand photographe de mode et directeur artistique du magazine Elle dans les années 60, qui a aidé Toscani à ses débuts. Pour ces deux photographes, il faut imposer son style sans faire de concessions, on ne peut pas plaire à tout le monde. Le photographe a une marge de manœuvre totale, il peut choisir le mannequin, la pose et le décors.

4. La publicité

« Un artiste qui ne choque pas, n’est pas un artiste »

La quatrième épreuve se concentre sur la photographie de publicité, la spécialité de Toscani. Il pose d’ailleurs une grande question dans cet épisode : Quelle est la différence entre la photo de pub, de reportage, de mode,… ? Je vous laisse aller découvrir sa réponse dans la vidéo . Il présente la campagne sur l’anorexie qu’il avait réalisé dans le but de faire passer un message clair : la maigreur n’a rien de glamour contrairement à ce que laissent croire certains magazines féminins.

Pour leur part, les jeunes photographes devront réaliser une série de photos pour une campagne de prévention pour aider les familles d’ados malades psychiquement. Une fois encore, il y a des leçons à tirer de leurs travaux.

5. Une série de photo sur le thème « la beauté »

« Une photo artistique est une photo qui ne sert à rien »

Pour leur dernière mission, les jeunes talents devront réaliser une série de photos sur le thème de la beauté. Ces photos seront exposées dans une galerie d’art parisienne. Le message que Toscani veut à nouveau faire passer lors de cette dernière journée est que toute photo reflète la personnalité du photographe. La première chose est savoir ce qu’est la beauté pour soi et de la représenter en images.

« La beauté peut émerger de choses douloureuses ou difficiles à regarder » c’est ce qu’il appelle la condition humaine. Ce sont des photos qui sont belles et esthétiques mais qui racontent quelque chose. Il termine cette partie par la conclusion que la beauté ça se respire, ça se flaire, elle est partout autour de nous. Un photo est une composition de lignes et volumes qui sont mis ensemble pour faire une image.

Ce que cette émission m’a apporté

Je n’était pas particulièrement attiré par le travail de Toscani à la base. Mais le découvrir plus intimement à travers de cette émission, m’a totalement fait changer d’avis sur lui et sur son travail. C’est quelqu’un d’humain et de généreux. Il a une vision de l’image qui est très professionnelle et il est d’une sensibilité énorme.

Par ailleurs, il y a un grand nombre de petits éléments pratiques et techniques donnés au compte goute tout au long des épisodes. Pour moi, cela permet à tout un chacun qui regarde cette série de prendre les choses dont il a besoin pour avancer et faire évoluer sa pratique et sa vision. Mais le mieux est de s’en rendre compte par soi-même.

J’ai aussi beaucoup aimé la réflexion de Toscani sur le fait d’être soi-même. C’est la seule grande valeur de chacun dit-il. En étant soi-même, on est sûr qu’il n’y a personne comme nous, vu que chacun est unique. Il ajoute qu’il est plus intéressant de voir quelqu’un qui est lui-même plutôt que quelqu’un qui est une bonne copie de quelqu’un d’autre.

Les vidéos

Si comme moi, vous n’avez pas eu la chance de voir cette émission et que ça vous intéresse, je vous propose de voir chacun des 5 épisodes sur Viméo via les liens suivants.

1. Photo For Life – Épisode 1
2. Photo For Life – Épisode 2
3. Photo For Life – Épisode 3
4. Photo For Life – Épisode 4
5. Photo For Life – Épisode 5

Quelques phrases pertinentes du « maître »

« Tout art qui était important a fait scandale »

« Le seul but final de l’art, c’est la condition humaine »

« On écoute le marketing et on fait exactement le contraire »

« La photographie… clac une image et on a tout dit »

« Tu dois faire les photos que tu sens que tu dois faire, tu es responsable de ce que tu fais »

« As-tu vraiment quelque chose à dire ? »

« La caméra n’est pas une machine à traduire les choses »

« Chaque détail d’une photo, un visage, une main,… doit être voulu et calculé »

« Il faut du courage, faire ce que les gens ne veulent pas, c’est ça le sang du photographe.
Tel Che Guevara pendant la révolution »

« Pour raconter une histoire en tant que photographe il faut plus,
il faut raconter une histoire qui est différente des autres histoires »

« Quand on peut regarder avec les yeux, ça signifie qu’on peut photographier, pas besoin d’autres lumières »

« Pas besoin de psy pour savoir qui vous êtes. Regardez la photo d’identité de votre passeport »

« Ce que vous n’aimez pas là dedans c’est justement ce que vous êtes »

Pour conclure, vous l’aurez compris, dans cet article je n’ai pas simplement fait un résumé de cette série télévisée. C’est avant tout un partage de ressenti sur les éléments qui m’ont touchés et fait réagir. Comme je le dit souvent, la photo, c’est un art et la pratique de tout art est en constante évolution. Mais cette évolution n’est pas que technique ou artistique, elle est aussi émotionnelle et personnelle.

J’espère que cet article un peu particulier vous aura plût et qu’il vous aura pousser dans vos retranchements comme je l’ai vécu en regardant l’émission Photo for Life.

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Créatif et original, il fait de ses photos de mariage et de couple des véritables œuvres, uniques pour la plupart. A tel point qu’elles ne sont quasiment pas reproductibles et que son travail se reconnait entre mille. Il utilise des techniques qu’il a inventé et développé comme le prisming ou le lens schimping très présentes dans ses photos.

Qui est Sam Hurd

Sam Hurd est un photographe américain basé à Washington D.C. Il est connu pour ses idées et ses photos inspirantes. C’est un photographe unique qui utilise de nombreuses techniques bien à lui qui font briller ses images. Principalement actif en reportage de mariage et en séance de couple, il a également réalisé des portraits de personnalités comme George Clooney, Denzel Washington, Alec Baldwin, and Michael Phelps. Il a commencé à faire de la photo en 2003 lorsqu’il était à l’université.

Sa carrière professionnelle démarre en 2008. Il fait ses débuts en tant que photojournaliste indépendant lors d’évènements politiques et de conférences de presse à D.C. Il lui aura fallu trois ans pour se sentir à l’aise avec la photographie de mariage. Depuis, il couvre en moyenne une cinquantaine de mariages par an. Son style se défini par trois mots : Coloré, Géométrique et Naturel. Comme tout artiste créatif, Sam dit que son style continue de se développer avec sa pratique.

Ses reportages

Lorsqu’il rencontre ses clients, c’est avant tout pour faire leur connaissance et plus encore pour leur faire comprendre son approche et sa sensibilité. Il ne met aucune pression, il n’y a aucune obligation de le choisir dans la précipitation ou de prendre des options que les futurs mariés ne souhaiteraient pas ou n’auraient pas besoin. En général, il rencontre les gens pendant une heure autour d’un café. Quand on lui demande comment il équilibre ses envies créatives avec la confiance de ses clients, il répond que les besoins de ses clients a toujours priorité, « point final ».

Cependant, dans son approche, il apprécie lors de chaque mariage de pouvoir intercaler quelques portraits dans des scénarios improvisés et plusieurs courts moments capturés tout au long de la journée. Cela dans le but de créer des photos uniques pour son portfolio. Pour la plupart de ses reportages de mariage, il prend environ 4500 photos pour en éditer et en remettre entre 700 et 1000 à ses clients. Son apprentissage du business de photographe de mariage s’est fait par essais-erreurs. Il travaillait comme photographe salarié quand il s’est lancé dans l’aventure du reportage de mariage. Il ne fait aucune publicité active, tout s’est fait naturellement par la force des partages sur internet et le bouche à oreille.

Un peu plus sur Sam

Sa vision créative vient en grande partie de ses influences cinématographiques et des autres photographes de mariage. Ses images favorites sont les « movie poster moments » qu’il crée sur base de vraies affiches de films.

Pour illustrer les services créatifs qu’il propose, il montre volontairement que ce qu’il veut photographier. Et c’est un point intéressant pour tout un chacun. Car on en montre toujours trop. Mais cibler ce que l’on veut faire, attire ce type de clients.

Ses photos

J’ai fait une mini sélection parce qu’il y a vraiment beaucoup de très bonnes photos sur sa page Facebook. Comme vous allez pouvoir vous en apercevoir, Sam joue énormément avec la lumière et ses effets, les reflets, et bien sûr tout ce qui peut rendre ses photos totalement uniques. Et ça marche !

Pour en voir plus et suivre son actualité, je vous invite à vous rendre sur son compte Instagram Au-delà de la technique et des images, j’aime la façon de procéder avec ses clients et je le rejoins totalement. Je pense que les futurs mariés ne savent pas toujours vers qui s’engager et c’est normal. Dès lors, le rôle du photographe de mariage est de les mettre à l’aise et leur expliquer au mieux sa façon de travailler. Seule la confiance qui s’instaure durant la première rencontre peut faire la différence. Tout est une question de feeling.

Cet article est publié en préambule d’un article sur le prisming. Connaissiez-vous Sam Hurd ? Vous avez aimé ? Dites-moi ce que vous en pensez en commentaire ci-dessous.

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Face à ses photos au traitement singulier et qui dégagent une émotion sans pareil, on ne peut rester indifférent ! Donal James Boyd est un photographe américain déjà très populaire sur Instagram avec plus de 225 milles followers. Il fait surtout des photos de paysages et de nature en Islande. Mais il a également réalisé plusieurs photos de safari en Afrique. Je trouve que sa façon de présenter les choses est très intéressante et à mon sens « novatrice ». Des clichés dans un style reportage tout en ayant un côté très artistique. La meilleure façon de vous faire une idée, c’est de regarder ses photos. Je vous en présente quelques-unes plus bas dans cet article.

Biographie

La biographie que je vous propose est ma traduction de sa page A PROPOS. Les images et les légendes de Donal poussent son audience à réfléchir plus intensément à notre monde et à considérer les connections que nous partageons tous. D’ailleurs la conservation de la vie sauvage le passionne profondément . Promouvoir les projets impliqués dans la protection des écosystèmes fragiles tout autour du monde constitue une bonne partie de son travail. Donal est né et a grandi à Boston aux USA. Mais depuis 2015, il est installé dans le Sud de l’Islande. Actuellement, il réparti son temps entre le vagabondage à bord de son Land Rover Defender pour profiter des paysages Sub-Arctic de l’Islande et l’exploration d’autres régions arctiques. Il voyage également à travers l’Afrique Sub-saharienne pour contribuer aux initiatives de conservation de la région.

Au début de 2016, Donal quitte son emploi d’Ingénieur chimiste à Boston et déménage en Islande pour poursuivre sa passion de la photographie à plein-temps. Auparavant, il a pratiquer la photographie professionnellement sur le côté mais n’était pas prêt à se lancer à temps-complet jusqu’à sa première visite en Islande en 2015. Lors de ce premier voyage, Donal fût totalement subjugué par l’intensité des paysages et le climat changeant perpétuellement. Il senti un telle connexion avec la nature qu’il se senti dévoré par elle et de cette première aventure décida qu’il ne pouvait vivre ailleurs dans le monde.

Son travail (ou sa passion)

Depuis qu’il est établi en Islande, il a passé de nombreuses heures à explorer le pays dans son Land Rover avec des amis. Il se sent en vie comme jamais quand il traverse les zones rocailleuses de l’intérieur de l’île. Ses activités favorites sont les traversées de rivières à bord de son tout-terrain, l’exploration des glaciers avec son drone et manger de la soupe d’agneau. Aujourd’hui, le travail photographique de Donal a dépassé les frontières de l’Islande. Il se concentre principalement sur la vie sauvage et la conservation de la nature à travers le monde.

Donal travaille aussi en collaboration avec plusieurs compagnies Islandaises, fournissant des médias photo et vidéo utilisés sur divers  plateformes publicitaires. Il a entre autres travaillé avec Geysir Car Rental, Volcano Huts, WOW Air, DJI, Erindi Private Game Reserve, Jeep,… Une des organisations qu’il soutient est Mission Blue, qui a pour but de protéger 20% des océans d’ici 2020. A l’heure actuelle, seulement 4% d’entre eux sont protégés. Supporter ce programme aujourd’hui est plus crucial qu’il ne l’a jamais été ! Pour plus d’info sur Donal, sa façon de travailler, son matériel,… je vous recommande l’interview du site Rucksackmag (en anglais)

Ses clichés

Comme je l’ai dit plus haut, ses photos valent vraiment le détour. Vu le nombre d’images à couper le souffle qu’il a fait, j’ai choisi une sélection de vingt clichés qui me parlent et que je trouve plus représentatif de son travail. J’ai noté que lorsqu’il y a un sujet, un animal dans sa photo, en général il est plutôt centré dans l’image. On a parfois l’impression que ce sont des portraits. Comme si les animaux avaient pris la pause ou regardaient l’objectif. Ce qui revient également dans son travail, ce sont les photos aériennes de paysage, donnant l’aspect d’une peinture abstraite. Les textures uniques dessinées par les reliefs et la multitude de matières. La roche volcanique, l’eau, la glace et la végétation formant une harmonie de formes et de couleurs. Je vous laisse voir par vous-mêmes .

Si vous avez aimé l’article ainsi que la petite sélection de photos et que votre curiosité vous incite à en voir plus… Je vous invite alors à aller voir toutes ses autres magnifiques photos sur son compte Instagram.

J’espère que cet article vous a plu, Likez, partagez, commentez (ci-dessous).

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Je vais vous présenter Manolo Chrétien, un artiste dans l’âme. Le plus étonnant pour moi dans tout ça, c’est que étant moi-même passionné d’aviation, je n’avais jamais entendu parlé de lui. Mais quelle surprise lorsque mes yeux se sont posés sur une de ses photos, puis un de ses livres. Le mieux est de vous montrer une sélection de ses photos, mais avant ça, voyons qui il est.

Biographie

Manolo Chrétien est un photographe mais aussi et surtout un grand artiste. Français, il est né sur une base militaire à Orange en 1966. Aujourd’hui, il vit et travaille près de Paris avec sa femme. Il est fasciné par le monde industriel et plus particulièrement l’aéronautique. Fils de l’astronaute français Jean-Loup Chrétien, Manolo a grandi dans un univers fait de tôles d’aluminium, de tarmac chaud et d’odeurs de Kérosène. Univers qui reste très présent dans son travail artistique et de photographe. En effet, il est essentiel pour lui de retranscrire l’innocence de sa vision d’enfant et de révéler l’émerveillement qu’il a ressenti alors.

Déterminé à garder une cohérence entre le sujet et les matériaux, il utilise une technique d’impression « Fine Art » sur de l’aluminium brossé, le métal utilisé pour les fuselages d’avion. Il les appelle d’ailleurs « Aluminations », un terme qu’il a créé à mi-chemin entre illuminations, hallucinations et aluminium. Dans sa série « Nouveaux-Nez », l’artiste représente ses interactions en face à face avec les avions qu’il a vu décoller et atterrir de Paris à Tucson depuis sa plus tendre enfance.

Plus récemment, sa série « Anémorphoses », mot qui est issu du mot grec « Anemos » qui signifie Vent et « Anamorphose ». Manolo Chrétien a trouvé une représentation de ce néologisme avec la surface de la mer. Sa surface froide et métallique légèrement réfléchissante, sa réflexion sans fin du ciel sont les deux choses qui ont attiré son attention. Appliquant ce concept à sa passion pour les avions de légende, il s’est concentré sur les effets du vent sur leurs fuselages, qui a redessiné après de nombreuses heures de vol leurs tôles rivetées comme les rides sur le visage d’un vieil homme. Cette série, « Air » représente des parties de fuselage d’avions anciens, pris dans le plus grand cimetière d’avion du monde pour la plupart. Un savoureux mélange de tôles rivetées, de corrosion et de reflets pour des œuvres d’art uniques.

Son travail

Manolo Chrétien est connu dans l’art et l’aviation pour ses photos de nez d’avion issue de sa série « Nouveaux-Nez ». Ci-dessous, un exemple dont le nom « SMILE » est assez représentatif.

Il a également réalisé toute une série de photos aux cadrages serrés sur des parties d’avions anciens. Ces œuvres d’art mettent en avant la structure usée de ceux-ci. Les couleurs et les reflets des tôles donnant presque l’illusion d’une peinture métallique.

Encore des reflets ! Il a aussi réalisé une série de photos de reflets dans les rues de New York. Au delà des reflets, on peut une nouvelle fois y voir son intérêt pour les tôles et les rivets. La majorité des photos de Manolo que je connais ont pour but d’être des photos artistiques pouvant être utilisées comme des tableaux ou des peintures.

Voici une photo issue de sa série « Anémorphose »

Rencontre

En février 2018, j’ai eu la chance de rencontrer Manolo Chrétien lors d’une exposition d’art Lille Art Up. Comme je suis moi-même passionné d’aviation et de photographie, ses œuvres ne pouvaient que me parler. La première chose qui m’a interpelé chez cet artiste photographe, c’est sa proximité et sa disponibilité. Il nous a parlé un long moment de ses œuvres et il a expliqué une des techniques qu’il emploie. Il part de sa prise de vue qu’il imprime sur une tôle d’aluminium. L’œuvre en elle-même prend vie lorsqu’il remplace certaines parties de l’image par des éléments physiques. Des rivets ou des trous donnent alors un aspect réel et vivant au cliché. Une renaissance !

Mon avis

Comme vous l’avez certainement compris en lisant cet article, Manolo Chrétien n’est pas uniquement un photographe. Je souhaitais cependant le présenter sur le blog initationphoto car je trouve sa pratique de la photographie intéressante et plutôt efficace. De plus, elle est à la base de la plupart de ses œuvres. J’aime son approche, le lien qu’il arrive à créer avec les matériaux et les clichés originaux qu’il réussi à faire avec de simples reflets de scènes de la vie quotidienne. Au-delà d’apprécier le travail de Manolo Chrétien, je trouve qu’il est intéressant et inspirant de voir que la photographie peut être un outil artistique à part entière.

La photographie artistique est un domaine à part entière dont on parle très peu je trouve. Et je voulais partager cette belle découverte avec vous !  

Avez-vous aimé cet article ? Connaissiez-vous Manolo Chrétien ? Aimez-vous ce qu’il fait ? Laissez-moi votre avis et vos réponses en commentaire ci-dessous.

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Mais qui est-il ? Découvrons le ensemble…

Biographie

Robert Doisneau est l’un des photographes français d’après-guerre les plus populaires et l’un des principaux représentants de la photographie humaniste française. Né dans le Val-de-Marne le 14 avril 1912, il étudie les arts graphiques et sort de l’école en 1929 avec un diplôme de graveur et lithographe. Il commencera sa carrière en tant que photographe publicitaire pour l’Atelier Ullmann en 1930. Un an plus tard, il rencontre sa future femme, Pierrette Chaumaison. C’est en 1932, qu’il vend son premier reportage, diffusé dans l’Excelsior.

Il devient ensuite le photographe industriel du constructeur automobile Renault en 1934, d’où il se fait renvoyer après cinq ans à cause de son manque de ponctualité. Sans emploi, il tente de se lancer comme photographe illustrateur indépendant. Il rencontre le fondateur de l’agence Rapho, Charles Rado, juste avant la déclaration de la Seconde Guerre mondiale. C’est grâce à cette rencontre, qu’il devient officiellement photographe indépendant en 1946 lorsqu’il intègre l’agence Rapho. Il commence alors à couvrir des reportages dans divers domaines et régions du monde. Ceux-ci seront publiés dans de nombreux magazines dont Paris Match, Point de vue, Réalités , Life et bien d’autres. Il rencontre Robert Giraud qui deviendra un ami et son meilleur collaborateur.

Récompenses

Robert Doisneau obtiendra de multiples récompenses dont le prix Kodak (1947) et le prix Niepce (1956). Il est l’invité d’honneur du festival des Rencontres d’Arles en 1975 pendant lequel une exposition lui a été consacrée. Mais encore le prix du livre des Rencontres d’Arles deux années consécutives (1979 et 1980) et enfin le Grand Prix national de la photographie (1983) et le prix Balzac (1986). La dernière exposition rétrospective de ses œuvres organisée de son vivant, s’est tenue au Modern Art Oxford en Angleterre en 1993 avant sa mort le 1^er avril 1994.

Son travail

Sa photo la plus connue est « Le Baiser de l’Hôtel de Ville« . Elle fait partie des photos qui l’ont fait connaître à l’international. Mais la plupart de ses photos d’après-guerre en noir et blanc prises dans Paris et sa banlieue ont fait de lui l’un des photographes français les plus connus dans le monde. C’est un photographe patient, qui garde ses distances par rapport à ses sujets. C’est plutôt les anecdotes ou les petites histoires que peuvent raconter ses photos qu’il recherche. Elle transmettent souvent une note de tendresse, d’humour ou d’ironie mais sont également parfois empreintes de nostalgie. Ses sujets préférés sont Paris, ses faubourgs et ses habitants. Il aime retranscrire chaque moment de leur vie, les gamins des rues, les artisans ou les bistrots et les amoureux. Au total, des milliers de portraits du tout Paris emmagasinés sur près de cinquante années de reportage.

D’ailleurs reparlons de cette photo d’amoureux : « Le Baiser de l’Hôtel de Ville »

Cette photo, tout le monde (ou presque) la connait ou l’a au moins vue une fois dans sa vie. Contrairement à l’impression de spontanéité et de photo volée qu’elle donne, cette photo est une mise en scène demandée par Doisneau. Il avait rencontré le couple d’amoureux et lui a demandé de jouer le jeu pour une séance improvisée dans les rues de Paris. Et quel résultat ! Cette photo est juste magnifique… on peut difficilement décoller notre regard et être indifférent à cette image. Elle a d’ailleurs été vendue plus de 410000 fois lors d’une vente de tirages au format affiche (1986). Cette photo a beaucoup fait parler d’elle.

Quelques autres photos de l’artiste

Pour terminer, cette photo de Jacques Prévert avec son chien. Elle a été prise par Doisneau à Paris en 1955 

Exposition

Comme je le disais dans l’introduction, j’ai eu la chance de voir une des expositions sur l’œuvre de Doisneau qui se tenait au Musée d’Ixelles (Bruxelles) en 2017. Je vais vous en donner un petit aperçu avec une ou l’autre des photos exposées qui ont retenu mon attention ainsi que mes impressions sur l’expo en général.

Les deux prochaines photos me font pensez à la photo de rue d’aujourd’hui. Une scène particulière, une environnement adéquat et le moment idéal ! Ces photos sont uniques et magiques… la magie de la photo de rue dont Doisneau avait le don.

Robert Doisneau a également réalisé de nombreux reportages aux États-Unis à partir de 1960. Il s’est rendu en Californie et plus particulièrement à Palm Springs. Voici trois photos de cette période que j’ai choisi de mettre dans ma sélection de ses photos. La première a une atmosphère unique qui nous donne l’impression d’être sur place. On pourrait presque ressentir la chaleur. La deuxième est une des plus publiées de cette série. Là aussi,l’ambiance du lieu est bien représentée.

Et vous laquelle de ces photos préférez-vous ? Avez-vous aimé cet article sur Robert Doisneau ? Laissez vos réponses et impressions ci-dessous en commentaire.

A très bientôt pour un nouvel article photo.

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Elliott Erwitt est l’un des photographes les plus acclamés du XXe siècle. Il a su capturer la diversité de la condition humaine avec une sensibilité, un humour et une ironie inégalés. Connu pour ses images intemporelles et ses moments décisifs, Erwitt a laissé une empreinte indélébile sur la photographie contemporaine. Cet article explore en profondeur sa vie, sa personnalité, son style distinctif et son œuvre prolifique.

Biographie d’Elliott Erwitt

Sa jeunesse

Né Elio Romano Erwitz le 26 juillet 1928 à Paris, Elliott Erwitt est le fils de parents juifs russes, Ephraim et Eugenia Erwitt. Après avoir passé une partie de son enfance en Italie, sa famille émigre aux États-Unis en 1939 pour fuir la montée du fascisme en Europe. Ils s’installent d’abord à New York, puis à Los Angeles. Dès son plus jeune âge, Erwitt montre un intérêt marqué pour les arts visuels. Il entre au lycée Hollywood High School et commence à expérimenter la photographie. Développant ses premières images dans une chambre noire improvisée.

Après le lycée, Erwitt poursuit des études au Los Angeles City College, où il se spécialise en photographie et en cinéma. En 1948, il déménage à New York pour étudier à l’Institut des Beaux-Arts sous la direction de l’éminent photographe Edward Steichen.

Ses débuts en tant que photographe

Pendant son service militaire en 1950, il a travaillé comme assistant pour un photographe de l’armée, un certain Frank Capa. Par la suite, Roy Stryker, ancien chef de la Farm Security Administration, engage Erwitt pour un projet photographique documentant la construction de pipelines pour la Standard Oil Company. Cette expérience l’aidera à affiner son regard documentaire et à perfectionner son art.

Sa rencontre avec ces trois figures influentes a marqué un tournant décisif dans la carrière d’Erwitt. En 1953, il rejoint la prestigieuse agence Magnum Photos invité par Robert Capa lui-même. Elle deviendra son foyer professionnel pendant plusieurs décennies. Magnum lui offre une plateforme pour voyager et documenter une variété de sujets, des événements politiques aux scènes de la vie quotidienne.

Il réalisera des missions pour des magazines prestigieux comme Life, Look, Collier’s et Holiday. Ces travaux lui permettent de se faire connaître et de développer un portfolio impressionnant. Une de ses premières missions marquantes pour Magnum inclut un voyage à Pittsburgh. Cette mission a pour objectif de documenter la ville en plein essor industriel. Elle lui permettra de mettre en lumière sa capacité à saisir les aspects sociaux et humains de l’industrialisation.

Personnalité d’Elliott Erwitt

Un humour subtil et une vision humaniste

Elliott Erwitt est souvent décrit comme un observateur astucieux de la condition humaine, doté d’un humour raffiné et d’une vision empathique. Ses photographies révèlent une capacité à voir l’extraordinaire dans l’ordinaire. Capturant des moments de la vie quotidienne avec une profondeur et une légèreté qui sont rapidement devenus sa signature. Son humour, souvent ironique, se manifeste dans ses compositions astucieuses et ses situations cocasses. Ce qui ajoutant une dimension ludique à ses œuvres.

“Je prends des photos sérieuses de temps en temps”
Elliott Erwitt

Goût pour l’aventure

La carrière d’Erwitt est également marquée par un esprit d’aventure et une curiosité insatiable. Toujours prêt à explorer de nouveaux sujets et à se lancer dans de nouvelles missions. Il a photographié des scènes dans des pays du monde entier. Des États-Unis à l’URSS, en passant par Cuba, le Japon et bien d’autres.

Style et Approche Artistique

Erwitt est souvent associé au mouvement de la photographie humaniste. Pratique qui met l’accent sur la capture des aspects universels et intimes de la vie humaine. Ses photographies sont imprégnées d’un sentiment de respect et d’admiration pour ses sujets. Que ceux-ci soient des célébrités ou des gens ordinaires.

Il a beaucoup utilisé le noir et blanc, qu’il préfère, surtout pour ses photos personnelles. Favorisant cette palette pour accentuer les contrastes et les formes dans ses compositions. Sa maîtrise de la lumière naturelle et sa capacité à anticiper et saisir “l’instant décisif” lui permettent de créer des images à la fois puissantes et évocatrices. Il a également photographié en couleur pour ses projets de commande.

“Je ne mets pas de couleur dans mon travail personnel.
La couleur, c’est du domaine professionnel.”
Elliott Erwitt

Parmi les thèmes récurrents dans l’œuvre d’Erwitt, on retrouve l’absurdité et l’humour de la vie quotidienne et les interactions humaines. A travers des sujets tels que les plages, les femmes et les enfants. Mais aussi les animaux et en particulier les chiens. Ses séries de photographies de chiens, prises souvent à leur hauteur. Elles révèlent un amour profond pour ces compagnons fidèles et ajoutent une touche de tendresse à son œuvre.

Œuvres Majeures d’Elliott Erwitt

“California Kiss” (1955)

Cette célèbre photographie capture un couple s’embrassant dans une voiture décapotable, avec leur baiser reflété dans le rétroviseur. Cette image intime et élégante incarne l’essence du travail d’Erwitt, mélangeant tendresse et sophistication. Il raconte que cette photo n’a pas été mise en scène. C’est un couple d’amis avec qui il était et qu’il a photographié alors qu’ils s’enlaçaient.

“Paris, France” (1989)

L’une des photographies les plus emblématiques d’Erwitt. Cette image montre un homme et une femme tenant chacun un parapluie noir sur une plage. La symétrie parfaite et l’humour subtil de la scène en font une image inoubliable, typique du style d’Erwitt. Il ne cache pas le fait que cette photo a totalement été mise en scène. Un couple d’acteur, un danseur professionnel et les figurants faisant écho avec les statues, tout a été minutieusement agencé.

Série sur les plages (Beaches)

Tout au long de sa carrière, il a photographié les plages du monde entier. Du Brésil aux État-Unis en passant par l’Angleterre, l’Allemagne, l’Italie ou la France. Il confie : “Dans l’objectif du photographe, une plage au brésil est fort différente d’une plage sur la Méditerranée. Et celle-ci n’a rien n’avoir avec une plage de la Mer du Nord.”

Vous pouvez retrouver cette série dans son ouvrage “On the Beach“

Série sur les Chiens (Dogs)

Erwitt est également connu pour sa série de photographies de chiens, prises souvent du point de vue de l’animal. Ces images, pleines d’humour et de tendresse, montrent la vie du point de vue des chiens, révélant des moments touchants et souvent drôles. Il explique qu’un des moyens qu’il utilise pour surprendre les chiens et obtenir des attitudes intéressantes, il s’amuse à aboyer… sacré Elliott !

Il a compilé les meilleurs photos de cette série dans son livre « Elliott Erwitt’s Dogs« 

Contributions et Héritage d’Elliott Erwitt

Magnum Photos

En tant que membre de longue date de Magnum Photos, Erwitt a contribué à façonner l’esthétique et l’éthique de cette agence légendaire. Il a documenté des événements historiques majeurs, des portraits de personnalités célèbres aux scènes de rue. Et tout cela, toujours avec son style distinctif et sa vision humaniste.

Influence

L’œuvre d’Erwitt continue d’influencer les photographes contemporains. Son approche humaniste, son sens de l’humour et sa capacité à voir le monde sous un angle unique sont des qualités que de nombreux photographes aspirent à reproduire. Les expositions rétrospectives et les publications de ses œuvres continuent de susciter l’admiration et l’inspiration à travers le monde.

Quelques unes des ses meilleures images

Comme toujours, c’est assez difficile de se limiter à une petite vingtaine de photos. Je vous propose ma sélection, celles qui me parlent et me plaisent le plus. Mais n’hésitez pas à aller voir tout ce qu’il a fait, c’est incroyablement inspirant.

L’exposition

Que vous connaissiez ou pas Elliott Erwitt et son travail photographique, l’exposition « Rétrospective » accessible sur la Grand Place de Bruxelles jusqu’en janvier 2025 vaut le détour. Plus de 200 des meilleures photos de cet incroyable photographe sont présentées de manière réfléchie et associées à des anecdotes et des explications claires. Si vous optez pour le guide audio, vous pourrez également percevoir et apprécier son humour comme s’il était avec vous. J’ai beaucoup aimé cette exposition qui en plus de présenter un grand nombre de ses œuvres, nous raconte une belle partie de son histoire et la manière dont certaines photos ont été réalisées. Un vrai moment de plaisir. Par contre, prévoyez le temps nécessaire, la visite complète prend entre 1h30 et 2h.

Conclusion

Elliott Erwitt reste une figure emblématique de la photographie, dont le travail continue de captiver et d’inspirer. Sa capacité à saisir des moments poignants avec une touche d’humour fait de lui un maître indéniable de l’art photographique. En explorant son œuvre, nous pouvons mieux comprendre la beauté et la complexité de la condition humaine. Erwitt nous rappelle, à travers son objectif, que l’humanité est riche de moments simples et extraordinaires, dignes d’être capturés et célébrés.

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J’espère que cet article vous a permis de découvrir ou redécouvrir ce photographe incontournable. Qu’il vous a donné envie de creuser plus encore la vision unique d’Elliott Erwitt et que son travail vous inspire ou vous inspirera.

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