Il y a des photographes qui capturent l’instant, et d’autres qui capturent l’âme. Sebastião Salgado fait partie de ces rares artistes capables de transcender la réalité pour en révéler l’humanité profonde. C’est ce qui ressort de son travail dans les mines d’or de Serra Pelada, au cœur des famines africaines ou encore dans les forêts vierges de l’Amazonie. À travers son objectif, il n’a cessé de témoigner, avec force et dignité, de la condition humaine et de la beauté brute du monde. Plus qu’un photographe, Salgado est un conteur visuel, un témoin engagé, un passeur de mémoire… que nous n’oublierons pas.

Cet article vous plonge dans son œuvre, sa vision, et son engagement, à la croisée de l’art et de l’humanisme qui le caractérise.

Qui est Sebastião Salgado ?

Imaginez un jeune garçon né en 1944 au cœur du Brésil, dans l’état du Minas Gerais, entouré de forêts, de terres rouges et de plaines infinies. Ce garçon s’appelle Sebastião Salgado. À la base, rien ne le prédestinait à devenir photographe. Il commence à étudier l’économie à l’Université Fédérale de Minas Gerais dans les années 1960. C’est là qu’il obtient son diplôme avant de partir poursuivre ses études à Paris, où il a obtenu un doctorat en économie à l’Université Paris XIII.

Pendant ses années d’étude, il commence à découvrir le monde à travers des voyages. Il voyage notamment en Afrique pour des missions avec la Banque mondiale… mais quelque chose ne colle pas. Le monde qu’il observe lui semble trop distant, trop froid. Un jour, dans les années 70, il emprunte l’appareil photo de sa femme Lélia. Et là, c’est la révélation. Ce n’est pas avec des chiffres qu’il veut raconter l’histoire du monde, mais bien avec la lumière, des visages, des gestes.

Il décide de tout abandonner pour se lancer dans la photographie. Il débute en collaborant avec des agences prestigieuses comme Sygma, Gamma, puis Magnum Photos, aux côtés des plus grands. Son style, en noir et blanc intense, capte l’âme humaine avec une force bouleversante : les mineurs, les réfugiés, les paysans… tous trouvent une dignité nouvelle sous son regard.

En 1994, avec Lélia, il fonde sa propre agence, Amazonas Images, pour garder le contrôle total sur ses projets et leur diffusion. Ensemble, ils bâtissent une œuvre unique, sensible et engagée. Car chez les Salgado, la photographie est plus qu’un art : c’est un acte d’amour, de mémoire et de résistance.

Témoin des souffrances du monde

Sebastião Salgado a consacré une grande partie de sa carrière à documenter les souffrances humaines à travers des crises majeures. Dont les famines dévastatrices du Sahel, le génocide Rwandais, et les exodes dramatiques un peu partout en Afrique et en ex-Yougoslavie. À travers ses photographies, il offre un témoignage visuel saisissant. Pas seulement de la violence et de la misère, mais aussi de la résilience humaine face à l’adversité. Pour Salgado, la photographie n’est pas seulement un moyen d’informer, mais avant tout un acte politique et éthique.

Chaque image, prise dans des conditions souvent extrêmes, devient un appel à la conscience collective. C’est aussi une dénonciation des injustices et un moyen de sensibiliser le monde. Il explore la brutalité de ces événements tout en mettant en lumière la dignité des individus et des communautés prises dans la tourmente. En observant ses clichés, on ne peut que réfléchir sur la nature de la violence et de la souffrance humaine. Cela tout en étant témoins du courage et de la force des êtres humains pour surmonter ces épreuves. Les photographies de Salgado nous rappellent que, malgré la cruauté du monde, il existe toujours une lumière qui réside dans la capacité de l’humanité à résister, à espérer et à se relever.

Une œuvre au service de l’humain

L’esthétique en noir et blanc : une signature visuelle

Avec son traitement noir et blanc très contrastés, Sebastião Salgado a acquis une véritable signature visuelle qui joue un rôle fondamental dans la puissance de ses photographies. Ce choix n’est pas anodin : il permet de transcender la réalité, de la purifier, d’en révéler l’essence. Les noir et blanc de Salgado amplifient fortement les contrastes, accentuent les textures et plongent le spectateur dans une émotion brute et universelle.

Cette signature visuelle repose sur une maîtrise parfaite de la lumière et de l’ombre. Salgado a un sens aigu du contraste, qu’il utilise pour accentuer la dimension dramatique de ses sujets. Les ombres profondes et les lumières frappantes soulignent la dureté de la condition humaine. Tout en révélant la beauté cachée dans des situations souvent de grande précarité. Chaque image semble sculptée, presque comme une peinture, avec une grande profondeur qui semble tout droit sortie d’un autre temps.

Approche humaniste et composition

Sa capacité à capturer des expressions humaines, des gestes, et des moments intenses dans une lumière dure, lui permet de créer des images qui parlent au cœur. Pour Salgado, le noir et blanc est un outil qui l’aide à rendre l’intemporalité de ses sujets : l’humanité, la souffrance, la dignité. Ses photographies sont sans âge, réellement intemporelles, comme des témoignages universels d’un monde en constante évolution.

Sa technique est également marquée par des compositions réfléchies et un cadrage précis. Il aime la simplicité dans la scène, avec des formes géométriques qui apportent de la rigueur et de l’harmonie à ses portraits ou ses paysages.

Ses plus grandes séries documentaires

« Workers » (ou « La Main De L’Homme », sur les travailleurs du monde entier)

La série Workers est l’une de ses œuvres les plus marquantes et poignantes. Publiée en 1993, elle rassemble une série de portraits de travailleurs du monde entier, capturant leur quotidien, leur lutte, et parfois leur dignité dans des conditions de travail extrêmement difficiles. Salgado a photographié des mineurs, des pêcheurs, des agriculteurs, des ouvriers dans des usines, des bâtisseurs de routes, et bien d’autres. Tous unis par leur statut de travailleurs, souvent dans des conditions précaires.

« Exodes » (représentant les migrations, les déplacés, les réfugiés, les nomades)

Exode est également une de ses séries emblématiques, publiée en 2000. Ce projet capture les souffrances et les luttes des réfugiés à travers le monde. Avec cette série, Salgado nous plonge dans l’univers des déplacements massifs de populations, qu’il s’agisse de réfugiés fuyant les guerres, les persécutions, ou les catastrophes naturelles. Ses photographies montrent des scènes poignantes de camps de réfugiés, de familles déracinées, et de trajets pénibles. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience humaine face à l’adversité. Exode est un appel à la compassion, une réflexion sur les enjeux humanitaires contemporains, et un témoignage bouleversant des vies brisées par des événements mondiaux. Tout en offrant une vision poétique de l’espoir et de la solidarité qui naît dans la souffrance.

« Genesis » (une ode à la planète, à la nature sauvage et intacte)

Genesis est un projet monumental de Sebastião Salgado, lancé en 2004, qui représente un retour aux racines de la nature et de l’humanité. Cette série se distingue des autres travaux de Salgado par son approche plus optimiste et respectueuse de l’environnement. À travers Genesis, Salgado a exploré des régions du monde encore préservées des perturbations humaines. Telles que les forêts vierges de l’Amazonie, les paysages glaciaires de l’Antarctique, ou les terres isolées du Sahara. Son objectif était de capturer la beauté brute et la diversité de la planète. Tout en soulignant la nécessité de la préserver face à la dégradation écologique croissante. Genesis est une réflexion sur la grandeur de la Terre, un hommage à sa beauté primitive. Mais c’est aussi un appel à la responsabilité collective pour la sauvegarde de ces espaces précieux.

Une partie de son œuvre

La meilleure manière de découvrir un photographe, c’est de regarder et analyser ses images. Alors, comme je le fais en général lorsque je présente un photographe inspirant, je vous propose une série de photos. Bien sûr, celles-ci ne sont qu’une très petite partie de l’immense œuvre de Salgado.

Photos issues de sa série « Workers »

Sélection de photos issues de sa série « Exodes »

Photos issues de sa série « Genesis »

Un tournant : la beauté comme réparation

Après avoir photographié tant de souffrances humaines et naturelles, Sebastião Salgado frôle le burn-out émotionnel. Accablé par l’intensité des crises qu’il a couvertes, il cherche un refuge et retourne sur les terres de son enfance au Brésil. Là, il découvre, avec horreur, que la déforestation a dévasté les forêts qui l’avaient marqué dans sa jeunesse. Ce choc l’amène à entreprendre, avec sa femme Lélia, un projet de reforestation ambitieux. Ils plantent des millions d’arbres, redonnant vie à un écosystème en péril. Cette initiative donne naissance à l’Instituto Terra, une organisation dédiée à la restauration de la biodiversité et à la protection de l’environnement.

Parallèlement, Salgado lance la série Genesis, que j’ai mentionné plus haut et qui est un hommage à la beauté de la planète et aux peuples indigènes qui en sont les gardiens. À travers ses images, il capture la majesté des paysages vierges et la richesse des cultures ancestrales. Tout en offrant un message d’espoir et de préservation, contrastant avec la brutalité des souffrances qu’il a documentées auparavant. Genesis devient ainsi non seulement un hommage à la Terre, mais aussi un appel à l’action pour protéger ce qui reste de sa beauté sauvage.

L’impact et l’héritage de Salgado

Si vous avez lu jusqu’ici, vous l’avez compris… Sebastião Salgado est bien plus qu’un photographe de renom. C’est un militant écologiste et humaniste profondément engagé. Son travail, qui s’étend au-delà des frontières de la photographie, a inspiré des générations de photojournalistes. Ceux-ci voient en lui un modèle d’intégrité et de passion pour les causes humaines et environnementales. Ses images ont été des témoins essentiels de l’histoire, de la souffrance et de la beauté du monde. Tout en portant un message de solidarité et de préservation.

Salgado a été récompensé par de prestigieuses distinctions internationales, dont le Prix Prince des Asturies et plusieurs honneurs de l’UNESCO, qui soulignent l’impact de son œuvre. En 2014, le film documentaire Le Sel de la Terre, filmé par son fils Juliano Ribeiro Salgado et réalisé par Wim Wenders, retrace son parcours exceptionnel. Il donne au grand public un aperçu intime de la vie et de l’engagement de ce photographe hors du commun. Ce film est un hommage visuel et humain à son travail.

Pourquoi il faut encore regarder les images de Salgado aujourd’hui ?

Il est essentiel de continuer à regarder les images de Sebastião Salgado aujourd’hui. Elles sont intemporelles et puissantes, bien au-delà de leur époque. Dans un monde saturé d’images numériques, où le côté éphémère et la superficialité dominent, ses photographies nous rappellent la force d’un regard lent et profond, capable de capter l’essence humaine et naturelle.

Chaque image de Salgado parle à notre conscience collective, nous confrontant à la réalité des souffrances humaines et des défis environnementaux. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience. Ses photographies ne se contentent pas de documenter. Elles appellent à l’action, à la compassion et à la prise de responsabilité. Elles nous poussent à réfléchir sur notre impact sur le monde. Et à agir pour préserver ce qui reste de notre planète et de son humanité. Les images de Salgado sont un héritage visuel qui nous engage à ne pas détourner le regard.

Ses plus beaux livres

« Workers – La Main de l’Homme »

« Exodes »

« Genesis »

Nous voilà arrivés au bout de cet article, j’espère vous avoir fait découvrir Sebastião Salgado. Ou au moins un ou l’autre aspect de sa vie ou de son œuvre. Bien sûr cet article n’a pas pour but de transmettre entièrement qui était Sebastião Salgado. Mais plutôt d’ouvrir une porte… D’un côté, savoir qui il était si vous ne le connaissiez pas. Et de l’autre, vous donner envie de creuser un peu plus son travail, son œuvre et qui sait son histoire et sa personnalité.

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Je vais vous présenter Manolo Chrétien, un artiste dans l’âme. Le plus étonnant pour moi dans tout ça, c’est que étant moi-même passionné d’aviation, je n’avais jamais entendu parlé de lui. Mais quelle surprise lorsque mes yeux se sont posés sur une de ses photos, puis un de ses livres. Le mieux est de vous montrer une sélection de ses photos, mais avant ça, voyons qui il est.

Biographie

Manolo Chrétien est un photographe mais aussi et surtout un grand artiste. Français, il est né sur une base militaire à Orange en 1966. Aujourd’hui, il vit et travaille près de Paris avec sa femme. Il est fasciné par le monde industriel et plus particulièrement l’aéronautique. Fils de l’astronaute français Jean-Loup Chrétien, Manolo a grandi dans un univers fait de tôles d’aluminium, de tarmac chaud et d’odeurs de Kérosène. Univers qui reste très présent dans son travail artistique et de photographe. En effet, il est essentiel pour lui de retranscrire l’innocence de sa vision d’enfant et de révéler l’émerveillement qu’il a ressenti alors.

Déterminé à garder une cohérence entre le sujet et les matériaux, il utilise une technique d’impression « Fine Art » sur de l’aluminium brossé, le métal utilisé pour les fuselages d’avion. Il les appelle d’ailleurs « Aluminations », un terme qu’il a créé à mi-chemin entre illuminations, hallucinations et aluminium. Dans sa série « Nouveaux-Nez », l’artiste représente ses interactions en face à face avec les avions qu’il a vu décoller et atterrir de Paris à Tucson depuis sa plus tendre enfance.

Plus récemment, sa série « Anémorphoses », mot qui est issu du mot grec « Anemos » qui signifie Vent et « Anamorphose ». Manolo Chrétien a trouvé une représentation de ce néologisme avec la surface de la mer. Sa surface froide et métallique légèrement réfléchissante, sa réflexion sans fin du ciel sont les deux choses qui ont attiré son attention. Appliquant ce concept à sa passion pour les avions de légende, il s’est concentré sur les effets du vent sur leurs fuselages, qui a redessiné après de nombreuses heures de vol leurs tôles rivetées comme les rides sur le visage d’un vieil homme. Cette série, « Air » représente des parties de fuselage d’avions anciens, pris dans le plus grand cimetière d’avion du monde pour la plupart. Un savoureux mélange de tôles rivetées, de corrosion et de reflets pour des œuvres d’art uniques.

Son travail

Manolo Chrétien est connu dans l’art et l’aviation pour ses photos de nez d’avion issue de sa série « Nouveaux-Nez ». Ci-dessous, un exemple dont le nom « SMILE » est assez représentatif.

Il a également réalisé toute une série de photos aux cadrages serrés sur des parties d’avions anciens. Ces œuvres d’art mettent en avant la structure usée de ceux-ci. Les couleurs et les reflets des tôles donnant presque l’illusion d’une peinture métallique.

Encore des reflets ! Il a aussi réalisé une série de photos de reflets dans les rues de New York. Au delà des reflets, on peut une nouvelle fois y voir son intérêt pour les tôles et les rivets. La majorité des photos de Manolo que je connais ont pour but d’être des photos artistiques pouvant être utilisées comme des tableaux ou des peintures.

Voici une photo issue de sa série « Anémorphose »

Rencontre

En février 2018, j’ai eu la chance de rencontrer Manolo Chrétien lors d’une exposition d’art Lille Art Up. Comme je suis moi-même passionné d’aviation et de photographie, ses œuvres ne pouvaient que me parler. La première chose qui m’a interpelé chez cet artiste photographe, c’est sa proximité et sa disponibilité. Il nous a parlé un long moment de ses œuvres et il a expliqué une des techniques qu’il emploie. Il part de sa prise de vue qu’il imprime sur une tôle d’aluminium. L’œuvre en elle-même prend vie lorsqu’il remplace certaines parties de l’image par des éléments physiques. Des rivets ou des trous donnent alors un aspect réel et vivant au cliché. Une renaissance !

Mon avis

Comme vous l’avez certainement compris en lisant cet article, Manolo Chrétien n’est pas uniquement un photographe. Je souhaitais cependant le présenter sur le blog initationphoto car je trouve sa pratique de la photographie intéressante et plutôt efficace. De plus, elle est à la base de la plupart de ses œuvres. J’aime son approche, le lien qu’il arrive à créer avec les matériaux et les clichés originaux qu’il réussi à faire avec de simples reflets de scènes de la vie quotidienne. Au-delà d’apprécier le travail de Manolo Chrétien, je trouve qu’il est intéressant et inspirant de voir que la photographie peut être un outil artistique à part entière.

La photographie artistique est un domaine à part entière dont on parle très peu je trouve. Et je voulais partager cette belle découverte avec vous !  

Avez-vous aimé cet article ? Connaissiez-vous Manolo Chrétien ? Aimez-vous ce qu’il fait ? Laissez-moi votre avis et vos réponses en commentaire ci-dessous.

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Parmi les nombreuses options, je vais vous parler des six principales longueurs focales que vous pourriez rencontrer : 24mm, 35mm, 50mm, 85mm, 105mm et 200mm. Regardons ensembles chacune d’entre elles NOTE : Toutes les longueurs focales mentionnées dans cet article font référence aux capteurs plein format (équivalent 35mm). Pour ceux qui se posent la question, sur un capteur APS-C, ces longueurs focales seront plus grandes d’un facteur un et demi. Si vous prenez par exemple le 50mm, vous aurez un équivalent 75mm (50 x 1.5) avec votre appareil à capteur APS-C.

1. Le Grand Angle de 24mm

Il est excellent pour les photos de groupe, le paysage, les évènements et l’astrophotographie. Cette longueur focale est assez simple à essayer car il existe non seulement de nombreux modèles d’objectif à focale fixe de 24mm. Mais aussi parce que vous trouverez cette focale sur une majorité de zooms plein format de qualité. Le grand angle de ces optiques à longueurs focales fixes sont suffisamment larges et leur piqué remarquable, c’est donc un candidat idéal pour la photo de paysage. Les zooms sont également parfait pour le paysage mais le bloquer à une certaine longueur focale ou utiliser une focale fixe vous obligera à réfléchir et soigner vos compositions.

Photographier au grand angle (24mm) est aussi intéressant en reportage. Il permet de capter une bonne partie de l’environnement tout autour du sujet, donnant plus de sens à l’image. Le lecteur pourra se faire rapidement une meilleure idée du cadre dans lequel le sujet se trouvait lors de la prise de vue.

La focale de 24mm est également très bien pour les situations où il n’y a pas énormément de lumière. Cela inclue l’astrophotographie, où les objectifs de 24mm à grandes ouvertures (f/8 ou plus) faciliteront les photos de voie lactée mais aussi la photographie évènementielle où vous avez un large champ de vision pour shooter en intérieur et ajouter le contexte à vos photos.

Enfin, la focale de 24mm est assez large pour réaliser des portraits de groupe avec un minimum de distorsion. Il faut seulement éviter d’être trop près et vérifier les bords du cadre.

2. La Longueur Focale de 35mm

Le 35mm est excellent pour le portrait environnemental, les évènements et la photo de rue. C’est une longueur focale classique pour beaucoup de photojournalistes. En partie parce que son champs de vision nécessite d’être proche de l’action tout en gardant assez d’environnement autour du sujet pour donner du contexte à l’image. La même philosophie s’applique bien pour les reportages de mariage ou l’évènementiel faisant de la longueur focale de 35mm une partenaire idéale.

Une autre chose intéressante à propos du 35mm, c’est que c’est un objectif adapté pour un shooting portrait pendant un dîner à table. Un angle plus large déformera le visage de votre sujet (distorsion) et plus serré nécessitera que vous vous leviez pour prendre la photo.

3. La Focale « STANDARD » de 50mm

Il y a tellement de raisons d’essayer les objectifs de 50mm de focale. La meilleure est probablement le fait qu’elles soient très bon marché. Vous pouvez en trouver pour à peine plus d’une centaine d’Euros neufs (en dessous en occasion). Cette longueur focale est dite « standard » car elle produit des images proches de la vision humaine. Pour faire simple, avec un 50mm vous obtenez des images qui correspondent à ce que vous voyez à l’œil nu, sans distorsion. C’est pour cette raison que la focale de 50mm est parfaite pour les balades photo, les portraits de plein pied et la photographie de rue.

C’est d’ailleurs pour cela que du temps de l’argentique, la plupart des appareils photo étaient vendus avec un objectif fixe de 50mm de longueur focale.

L’objectif de 50mm est un classique, surtout parce que souvent la zone du cadrage est juste adéquate. Assez étroit pour composer de façon équilibrée. Et assez large pour créer un intérêt derrière le sujet. C’est pour toutes ces raisons que vous trouverez un objectif de 50mm dans le sac de la plupart des photographes de rue.

4. Le Petit Téléobjectif de 85mm

Idéal pour le portrait, la photographie de sport et d’évènementiel. La longueur focale de 85mm est l’une de celles que vous trouverez dans le sac de tous les photographes de portrait et de mariage. Elle permet de créer de très jolis portraits grâce à sa capacité à aplatir les plans, ce qui est flatteur et détache l’arrière-plan du sujet.

Le champ de vision n’est pas si serré que vous ayez l’impression de devoir être à l’extérieur pour l’utiliser, mais il donne une bonne distance de travail, permettant des clichés naturels pris furtivement lors de réunions de famille ou de mariages.

Cette distance de travail est aussi intéressante pour des photos de personnes prises en entier du bord d’un terrain de sport. Cette focale est également idéale pour prendre des photos de vos enfants ou de vos animaux.

5. La Longueur Focale de 105mm

105mm et 135mm sont des longueurs focales adaptées au portrait (en intérieur ou extérieur), à la photographie sportive ainsi qu’à certaines situations sur les reportages de mariage. S’il est nécessaire d’être plus proche ou si simplement vous aimez les beaux flou d’arrière-plan (bokeh), le 105mm est une excellente pioche. Pour les détails et les portraits serrés (sur le visage) qui font vivre votre sujet, pensez à cette focale. Dû à la grande compression de l’image, la séparation avec l’arrière-plan est fantastique. L’effet flatteur de l’aplatissement des plans dû à la compression fait de l’optique de 105mm, une focale idéale pour les portraits plan buste, les portraits de personnes âgées, les portraits « volés » et plus encore… 

Vous allez vous éclater à plein ouverture pour créer une séparation magique entre vos sujets et leur environnement. L’inconvénient de cette focale est qu’il faut assez de lumière et un espace relativement grand. Vous vous rappelez la règle de la vitesse d’obturation 1/la focale ? Autrement dit, vous ne devriez pas déclencher à une vitesse inférieure à 1/105 de seconde avec un objectif de 105mm sans une bonne stabilité (bonne prise en main ou un trépied). Quand la lumière ou le manque de place devient un problème, passer au 85mm peut être une bonne alternative.

6. Le Grand Téléobjectif de 200mm (et plus)

Les focales supérieures à 200mm sont surtout utilisées pour des sujets (très) lointains et principalement en photographie animalière. Le gros avantage de ces longues focales est donc de pouvoir photographier de vraiment loin. Il permet de séparer facilement le sujet de l’arrière-plan grâce à la compression des plans. Vous pouvez par exemple remplir le cadre avec un animal sauvage sans qu’il ne vous ait remarqué… et sans risquer de vous faire dévorer.

Conclusion

Il y a des chances pour que vous aimiez certaines de ces focales et n’aimiez pas certaines autres. Mais vous ne le saurez qu’en les essayant. Les zooms modernes sont très performants et de bonne qualité optique. Cependant, vous perdez la connexion que vous avez lorsque vous travaillez en synchro avec une longueur focale. Par exemple, plus vous shootez avec un objectif de 50mm, plus vous commencerez à voir avec une perspective de 50mm. Il en va de même pour les autres focales. Si vous n’avez pas encore d’objectifs à focale fixe, ne vous inquiétez pas ! Il vous suffit de régler votre zoom sur une longueur focale et de ne plus y toucher. Commencez par 50mm pendant une semaine. Ensuite, passez à une focale de 24mm par exemple.

A très bientôt.

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En effet, une image de qualité est aussi une photo qui est agréable à regarder, dont l’esthétisme est réfléchi. Le photographe pense son image avant de déclencher. Il existe plusieurs principes liés à la composition et certains sont plus compliqués et plus longs à maîtriser que d’autres. Donc, pour ce premier article sur la composition, nous allons nous limiter à des principes de base, un des plus simples et le plus important de tous pour un débutant, la règle des tiers. Sachez cependant que maîtriser la règle des tiers est un bon début mais pas une fin en soi.

Pourquoi des principes de composition ?

Avant de détailler la règle des tiers, commençons par voir pourquoi il y a des principes en photographie et d’où ils viennent. Les principes de compositions existent pour guider le photographe « débutant » et l’aider à trouver des repères. En effet, un des buts de la photographie est de transmettre un message au lecteur. Il est donc judicieux de savoir comment s’y prendre pour réussir cette mission. Mieux cadrer, mettre son sujet en valeur en font partie. On peut simplifier en disant que la composition sert à renforcer l’esthétique de la photo. Ce genre de principes sont apparus il y a déjà bien longtemps dans la plupart des disciplines artistiques. Les habitudes ou les tendances présentes dans notre culture et notre quotidien ont mené à leur mise en place. C’est le cas de la lecture par exemple. En effet, en Occident, nous lisons de haut en bas et de gauche à droite. Il en va de même pour la photographie.

On a constaté au cours de l’histoire des arts que certaines choses fonctionnaient mieux que d’autres en termes de composition.  L’endroit où le photographe place un objet ou le sujet dans le cadre influence la façon de regarder une image. Et le lecteur manifeste un intérêt plus ou moins important en fonction de cela.Ce n’est pas nouveau, puisque depuis les débuts du dessin, de la peinture ou de la sculpture, les artistes se sont mis à essayer et pratiquer une multitude de techniques. De cela, certains principes se sont imposés pour guider les débutants vers les techniques qui fonctionnent.

La règle des tiers c’est quoi ?

C’est le principe le plus répandu et le plus simple à appliquer lorsque l’on débute la photographie. Elle permet d’obtenir facilement des photos plus intéressantes et plus esthétique pour l’œil.  Ce principe consiste à diviser votre cadre en trois parties horizontales et trois parties verticales. Les lignes découpant le cadre sont ce qu’on appelle les lignes de forces. On appelle points forts leurs intersections. Tout élément se trouvant sur une ligne de force ou mieux encore, sur un point fort aura un impact visuel plus important et attirera naturellement l’œil.

Cette division représente également les différents plans de l’image. Le tiers inférieur représente le premier plan (ou avant-plan), le deuxième au milieu est le plan principal (ou médian) et le troisième, le plan supérieur sert pour l’arrière-plan. Cela permet entre autre de donner de la profondeur à l’image. Par exemple, en photographiant un paysage, on choisira de mettre l’horizon sur une des deux lignes de force horizontales en fonction de l’importance que l’on veut donner au ciel ou à l’avant plan. Pour du portrait on essaie de mettre les yeux le plus proche possible d’un point fort.

L’utilisation de la règle des tiers se justifie par le parcours de l’œil ou le fait qu’il « balaye » naturellement l’image. Ce balayage se fait en partant du coin en haut à gauche jusqu’en bas à droite (pour nous occidentaux), en formant ainsi une sorte de Z. Si on place le sujet au centre de l’image on a tendance à casser ou bloquer cette dynamique naturelle de lecture de l’image.

La preuve en image

Dans les exemples ci-dessous, je vais vous montrer que l’on peut utiliser la règle des tiers de différentes façons selon le sujet bien sûr mais aussi selon le cadrage choisi. Pour la photo #1, j’ai placé le modèle sur la ligne de force gauche alors que sur la photo #2 j’ai utilisé la ligne de force droite. Il s’agit d’un choix délibéré de ma part en fonction de ce que j’ai souhaité exprimer ou simplement par choix artistique. Cependant, placer votre sujet sur une de ces lignes peut importe laquelle aura déjà un effet positif sur votre image.

Exemple #1

1 – Sur cette première photo, on peut voir que le sujet est placé sur une ligne de force (gauche) ce qui donne une certaine dynamique à l’image.

Exemple #2

2 – Ici la ligne de force droite est utilisée de façon à mettre le plus d’espace dans la direction du regard du modèle.Nous verrons dans un prochain article que cela est idéal pour laisser respirer le modèle et éviter d’avoir l’impression que le regard du modèle butte contre le bord de l’image. Les yeux doivent (idéalement) être sur une ligne de force ou un point fort.

Dans le cas de la photo #3, on utilise un cadrage vertical plus serré, laissant la possibilité au photographe de placer les yeux sur une ligne de force. Idéalement, si cela est possible, au moins un œil devrait être placé sur un point fort. Notez malgré tout que la règle des tiers ne s’applique pas au millimètre. Le placer le plus proche possible d’un de ces points forts sera déjà très bien. Donc, ne vous mettez pas trop la pression à vouloir le mettre absolument sur le point fort.

Exemple #3

3 – Avec ce cadrage, les yeux peuvent être facilement placés sur une ligne de force. L’œil gauche du modèle est presque sur un point fort, l’impact est plus important.

La photo #4 est un paysage. J’ai placé l’horizon sur la ligne de force inférieure pour laisser plus de place au ciel. Ici, le ciel est la partie la plus intéressante avec tous ces nuages et ces couleurs de coucher de soleil au loin. L’eau et la plage étant dépourvu de sujet bien défini, ces éléments n’auraient rien apporté de plus à l’intérêt de l’image. J’ai donc choisi de mettre en avant la partie ciel plutôt que la plage.

Exemple #4

4 – La grande partie de ce paysage est composée d’un ciel nuageux et coloré. L’avant-plan moins intéressant est minimisé.

Pour le dernier exemple (photo #5), je vous propose une photo macro. Le papillon se trouve sur une ligne de force et est même proche d’un point fort. Ce qui est intéressant dans cet exemple, c’est la répartition des plans. On voit des fleurs et des tiges au premier plan. Dans le plan médian, on a le sujet principal (ici le papillon). Et on peut voir au loin l’horizon se trouvant sur la ligne de force supérieure qui représente l’arrière-plan. Grâce à cela, on devine une profondeur dans l’image. Elle accentuée ici par la faible profondeur de champ.

Exemple #5

5- Placer le papillon sur la droite de mon image était un choix lié à sa position. Il fallait surtout éviter de le centrer pour que le lecteur ne s’ennuie pas en regardant cette photo.

En pratique

Au départ, l’utilisation de ce principe ne sera pas instinctive. Vous devrez y penser et prendre votre temps pour être sûr que votre sujet est bien placé. Avec le temps, vous commencerez à prendre l’habitude et ça deviendra même un réflexe. Pour vous aider à placer votre sujet sur les lignes de force, la majorité des appareils photo ont l’affichage de cette grille en option. Il vous suffit d’aller l’activer dans le menu pour qu’elle apparaisse dans votre viseur ou sur l’écran de votre appareil.

Exemple #6

6 – Exemple d’affichage de la grille (Fuji X-E2)

Suivre et transgresser cette règle

Tout d’abord, il faut savoir que comme je l’ai dit plus haut, ce principe ne s’applique pas au millimètre. C’est-à-dire, que vous devez placer votre sujet ou un élément important au plus près d’une ligne de force ou d’un point fort. Disons surtout que selon la situation, on fait au mieux pour s’en rapprocher. En théorie, il faudrait suivre la règle des tiers dans la plupart des cas. Surtout lorsque l’on débute. Elle permet d’éviter de couper l’image en deux. Comme je vous l’ai montré, la règle des tiers est utile tant pour le paysage que pour le portrait. En fait, elle s’applique à tous les types de photographies.

Par ailleurs, comme toute règle, vous pouvez la transgresser. Mais je vous conseille de d’abord la maîtriser. Lorsque vous décidez de la transgresser ce doit être volontaire. Ne pas l’utiliser signifie couper l’image en deux. Il y a des cas où vous souhaiterez le faire. Lorsque vous voulez mettre en avant une symétrie, comme pour un reflet par exemple. Un autre cas où vous pourriez éviter la règle des tiers, c’est lorsque l’on peut mettre l’accent sur deux ambiances ou le contraste entre deux situations dans une même scène.

Exemple #7

7 – Pour cette photo de paysage, j’ai souhaité jouer avec la symétrie grâce au reflet des montagnes et des arbres sur l’eau de ce Loch en Écosse. C’est un des cas particuliers où la règle des tiers peut être transgressée.

Exemple #8

8 – Ici, la règle est également utilisée à contre-pied. Le modèle est complètement centré, volontairement.Ici, j’ai utilisé les perspectives et les lignes de fuites disponibles dans le décor pour pousser le regard vers le modèle

Voilà, c’en est fini de la règle des tiers. Je vous conseille dès à présent d’appliquer ce principe si vous ne le faites pas déjà. Il vous aidera à améliorer rapidement et de façon conséquente vos prochaines photos. Et vous, utilisez-vous toujours la règle des tiers ? Dites-moi si vous l’utilisez (ou pas) et pourquoi en commentaires ci-dessous.

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Merci et à très vite pour un prochain article.

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Mais qui est-il ? Découvrons le ensemble…

Biographie

Robert Doisneau est l’un des photographes français d’après-guerre les plus populaires et l’un des principaux représentants de la photographie humaniste française. Né dans le Val-de-Marne le 14 avril 1912, il étudie les arts graphiques et sort de l’école en 1929 avec un diplôme de graveur et lithographe. Il commencera sa carrière en tant que photographe publicitaire pour l’Atelier Ullmann en 1930. Un an plus tard, il rencontre sa future femme, Pierrette Chaumaison. C’est en 1932, qu’il vend son premier reportage, diffusé dans l’Excelsior.

Il devient ensuite le photographe industriel du constructeur automobile Renault en 1934, d’où il se fait renvoyer après cinq ans à cause de son manque de ponctualité. Sans emploi, il tente de se lancer comme photographe illustrateur indépendant. Il rencontre le fondateur de l’agence Rapho, Charles Rado, juste avant la déclaration de la Seconde Guerre mondiale. C’est grâce à cette rencontre, qu’il devient officiellement photographe indépendant en 1946 lorsqu’il intègre l’agence Rapho. Il commence alors à couvrir des reportages dans divers domaines et régions du monde. Ceux-ci seront publiés dans de nombreux magazines dont Paris Match, Point de vue, Réalités , Life et bien d’autres. Il rencontre Robert Giraud qui deviendra un ami et son meilleur collaborateur.

Récompenses

Robert Doisneau obtiendra de multiples récompenses dont le prix Kodak (1947) et le prix Niepce (1956). Il est l’invité d’honneur du festival des Rencontres d’Arles en 1975 pendant lequel une exposition lui a été consacrée. Mais encore le prix du livre des Rencontres d’Arles deux années consécutives (1979 et 1980) et enfin le Grand Prix national de la photographie (1983) et le prix Balzac (1986). La dernière exposition rétrospective de ses œuvres organisée de son vivant, s’est tenue au Modern Art Oxford en Angleterre en 1993 avant sa mort le 1^er avril 1994.

Son travail

Sa photo la plus connue est « Le Baiser de l’Hôtel de Ville« . Elle fait partie des photos qui l’ont fait connaître à l’international. Mais la plupart de ses photos d’après-guerre en noir et blanc prises dans Paris et sa banlieue ont fait de lui l’un des photographes français les plus connus dans le monde. C’est un photographe patient, qui garde ses distances par rapport à ses sujets. C’est plutôt les anecdotes ou les petites histoires que peuvent raconter ses photos qu’il recherche. Elle transmettent souvent une note de tendresse, d’humour ou d’ironie mais sont également parfois empreintes de nostalgie. Ses sujets préférés sont Paris, ses faubourgs et ses habitants. Il aime retranscrire chaque moment de leur vie, les gamins des rues, les artisans ou les bistrots et les amoureux. Au total, des milliers de portraits du tout Paris emmagasinés sur près de cinquante années de reportage.

D’ailleurs reparlons de cette photo d’amoureux : « Le Baiser de l’Hôtel de Ville »

Cette photo, tout le monde (ou presque) la connait ou l’a au moins vue une fois dans sa vie. Contrairement à l’impression de spontanéité et de photo volée qu’elle donne, cette photo est une mise en scène demandée par Doisneau. Il avait rencontré le couple d’amoureux et lui a demandé de jouer le jeu pour une séance improvisée dans les rues de Paris. Et quel résultat ! Cette photo est juste magnifique… on peut difficilement décoller notre regard et être indifférent à cette image. Elle a d’ailleurs été vendue plus de 410000 fois lors d’une vente de tirages au format affiche (1986). Cette photo a beaucoup fait parler d’elle.

Quelques autres photos de l’artiste

Pour terminer, cette photo de Jacques Prévert avec son chien. Elle a été prise par Doisneau à Paris en 1955 

Exposition

Comme je le disais dans l’introduction, j’ai eu la chance de voir une des expositions sur l’œuvre de Doisneau qui se tenait au Musée d’Ixelles (Bruxelles) en 2017. Je vais vous en donner un petit aperçu avec une ou l’autre des photos exposées qui ont retenu mon attention ainsi que mes impressions sur l’expo en général.

Les deux prochaines photos me font pensez à la photo de rue d’aujourd’hui. Une scène particulière, une environnement adéquat et le moment idéal ! Ces photos sont uniques et magiques… la magie de la photo de rue dont Doisneau avait le don.

Robert Doisneau a également réalisé de nombreux reportages aux États-Unis à partir de 1960. Il s’est rendu en Californie et plus particulièrement à Palm Springs. Voici trois photos de cette période que j’ai choisi de mettre dans ma sélection de ses photos. La première a une atmosphère unique qui nous donne l’impression d’être sur place. On pourrait presque ressentir la chaleur. La deuxième est une des plus publiées de cette série. Là aussi,l’ambiance du lieu est bien représentée.

Et vous laquelle de ces photos préférez-vous ? Avez-vous aimé cet article sur Robert Doisneau ? Laissez vos réponses et impressions ci-dessous en commentaire.

A très bientôt pour un nouvel article photo.

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Elliott Erwitt est l’un des photographes les plus acclamés du XXe siècle. Il a su capturer la diversité de la condition humaine avec une sensibilité, un humour et une ironie inégalés. Connu pour ses images intemporelles et ses moments décisifs, Erwitt a laissé une empreinte indélébile sur la photographie contemporaine. Cet article explore en profondeur sa vie, sa personnalité, son style distinctif et son œuvre prolifique.

Biographie d’Elliott Erwitt

Sa jeunesse

Né Elio Romano Erwitz le 26 juillet 1928 à Paris, Elliott Erwitt est le fils de parents juifs russes, Ephraim et Eugenia Erwitt. Après avoir passé une partie de son enfance en Italie, sa famille émigre aux États-Unis en 1939 pour fuir la montée du fascisme en Europe. Ils s’installent d’abord à New York, puis à Los Angeles. Dès son plus jeune âge, Erwitt montre un intérêt marqué pour les arts visuels. Il entre au lycée Hollywood High School et commence à expérimenter la photographie. Développant ses premières images dans une chambre noire improvisée.

Après le lycée, Erwitt poursuit des études au Los Angeles City College, où il se spécialise en photographie et en cinéma. En 1948, il déménage à New York pour étudier à l’Institut des Beaux-Arts sous la direction de l’éminent photographe Edward Steichen.

Ses débuts en tant que photographe

Pendant son service militaire en 1950, il a travaillé comme assistant pour un photographe de l’armée, un certain Frank Capa. Par la suite, Roy Stryker, ancien chef de la Farm Security Administration, engage Erwitt pour un projet photographique documentant la construction de pipelines pour la Standard Oil Company. Cette expérience l’aidera à affiner son regard documentaire et à perfectionner son art.

Sa rencontre avec ces trois figures influentes a marqué un tournant décisif dans la carrière d’Erwitt. En 1953, il rejoint la prestigieuse agence Magnum Photos invité par Robert Capa lui-même. Elle deviendra son foyer professionnel pendant plusieurs décennies. Magnum lui offre une plateforme pour voyager et documenter une variété de sujets, des événements politiques aux scènes de la vie quotidienne.

Il réalisera des missions pour des magazines prestigieux comme Life, Look, Collier’s et Holiday. Ces travaux lui permettent de se faire connaître et de développer un portfolio impressionnant. Une de ses premières missions marquantes pour Magnum inclut un voyage à Pittsburgh. Cette mission a pour objectif de documenter la ville en plein essor industriel. Elle lui permettra de mettre en lumière sa capacité à saisir les aspects sociaux et humains de l’industrialisation.

Personnalité d’Elliott Erwitt

Un humour subtil et une vision humaniste

Elliott Erwitt est souvent décrit comme un observateur astucieux de la condition humaine, doté d’un humour raffiné et d’une vision empathique. Ses photographies révèlent une capacité à voir l’extraordinaire dans l’ordinaire. Capturant des moments de la vie quotidienne avec une profondeur et une légèreté qui sont rapidement devenus sa signature. Son humour, souvent ironique, se manifeste dans ses compositions astucieuses et ses situations cocasses. Ce qui ajoutant une dimension ludique à ses œuvres.

“Je prends des photos sérieuses de temps en temps”
Elliott Erwitt

Goût pour l’aventure

La carrière d’Erwitt est également marquée par un esprit d’aventure et une curiosité insatiable. Toujours prêt à explorer de nouveaux sujets et à se lancer dans de nouvelles missions. Il a photographié des scènes dans des pays du monde entier. Des États-Unis à l’URSS, en passant par Cuba, le Japon et bien d’autres.

Style et Approche Artistique

Erwitt est souvent associé au mouvement de la photographie humaniste. Pratique qui met l’accent sur la capture des aspects universels et intimes de la vie humaine. Ses photographies sont imprégnées d’un sentiment de respect et d’admiration pour ses sujets. Que ceux-ci soient des célébrités ou des gens ordinaires.

Il a beaucoup utilisé le noir et blanc, qu’il préfère, surtout pour ses photos personnelles. Favorisant cette palette pour accentuer les contrastes et les formes dans ses compositions. Sa maîtrise de la lumière naturelle et sa capacité à anticiper et saisir “l’instant décisif” lui permettent de créer des images à la fois puissantes et évocatrices. Il a également photographié en couleur pour ses projets de commande.

“Je ne mets pas de couleur dans mon travail personnel.
La couleur, c’est du domaine professionnel.”
Elliott Erwitt

Parmi les thèmes récurrents dans l’œuvre d’Erwitt, on retrouve l’absurdité et l’humour de la vie quotidienne et les interactions humaines. A travers des sujets tels que les plages, les femmes et les enfants. Mais aussi les animaux et en particulier les chiens. Ses séries de photographies de chiens, prises souvent à leur hauteur. Elles révèlent un amour profond pour ces compagnons fidèles et ajoutent une touche de tendresse à son œuvre.

Œuvres Majeures d’Elliott Erwitt

“California Kiss” (1955)

Cette célèbre photographie capture un couple s’embrassant dans une voiture décapotable, avec leur baiser reflété dans le rétroviseur. Cette image intime et élégante incarne l’essence du travail d’Erwitt, mélangeant tendresse et sophistication. Il raconte que cette photo n’a pas été mise en scène. C’est un couple d’amis avec qui il était et qu’il a photographié alors qu’ils s’enlaçaient.

“Paris, France” (1989)

L’une des photographies les plus emblématiques d’Erwitt. Cette image montre un homme et une femme tenant chacun un parapluie noir sur une plage. La symétrie parfaite et l’humour subtil de la scène en font une image inoubliable, typique du style d’Erwitt. Il ne cache pas le fait que cette photo a totalement été mise en scène. Un couple d’acteur, un danseur professionnel et les figurants faisant écho avec les statues, tout a été minutieusement agencé.

Série sur les plages (Beaches)

Tout au long de sa carrière, il a photographié les plages du monde entier. Du Brésil aux État-Unis en passant par l’Angleterre, l’Allemagne, l’Italie ou la France. Il confie : “Dans l’objectif du photographe, une plage au brésil est fort différente d’une plage sur la Méditerranée. Et celle-ci n’a rien n’avoir avec une plage de la Mer du Nord.”

Vous pouvez retrouver cette série dans son ouvrage “On the Beach“

Série sur les Chiens (Dogs)

Erwitt est également connu pour sa série de photographies de chiens, prises souvent du point de vue de l’animal. Ces images, pleines d’humour et de tendresse, montrent la vie du point de vue des chiens, révélant des moments touchants et souvent drôles. Il explique qu’un des moyens qu’il utilise pour surprendre les chiens et obtenir des attitudes intéressantes, il s’amuse à aboyer… sacré Elliott !

Il a compilé les meilleurs photos de cette série dans son livre « Elliott Erwitt’s Dogs« 

Contributions et Héritage d’Elliott Erwitt

Magnum Photos

En tant que membre de longue date de Magnum Photos, Erwitt a contribué à façonner l’esthétique et l’éthique de cette agence légendaire. Il a documenté des événements historiques majeurs, des portraits de personnalités célèbres aux scènes de rue. Et tout cela, toujours avec son style distinctif et sa vision humaniste.

Influence

L’œuvre d’Erwitt continue d’influencer les photographes contemporains. Son approche humaniste, son sens de l’humour et sa capacité à voir le monde sous un angle unique sont des qualités que de nombreux photographes aspirent à reproduire. Les expositions rétrospectives et les publications de ses œuvres continuent de susciter l’admiration et l’inspiration à travers le monde.

Quelques unes des ses meilleures images

Comme toujours, c’est assez difficile de se limiter à une petite vingtaine de photos. Je vous propose ma sélection, celles qui me parlent et me plaisent le plus. Mais n’hésitez pas à aller voir tout ce qu’il a fait, c’est incroyablement inspirant.

L’exposition

Que vous connaissiez ou pas Elliott Erwitt et son travail photographique, l’exposition « Rétrospective » accessible sur la Grand Place de Bruxelles jusqu’en janvier 2025 vaut le détour. Plus de 200 des meilleures photos de cet incroyable photographe sont présentées de manière réfléchie et associées à des anecdotes et des explications claires. Si vous optez pour le guide audio, vous pourrez également percevoir et apprécier son humour comme s’il était avec vous. J’ai beaucoup aimé cette exposition qui en plus de présenter un grand nombre de ses œuvres, nous raconte une belle partie de son histoire et la manière dont certaines photos ont été réalisées. Un vrai moment de plaisir. Par contre, prévoyez le temps nécessaire, la visite complète prend entre 1h30 et 2h.

Conclusion

Elliott Erwitt reste une figure emblématique de la photographie, dont le travail continue de captiver et d’inspirer. Sa capacité à saisir des moments poignants avec une touche d’humour fait de lui un maître indéniable de l’art photographique. En explorant son œuvre, nous pouvons mieux comprendre la beauté et la complexité de la condition humaine. Erwitt nous rappelle, à travers son objectif, que l’humanité est riche de moments simples et extraordinaires, dignes d’être capturés et célébrés.

Vous avez aimé cet article et vous souhaitez en savoir plus sur Elliott Erwitt et découvrir plus de photos de l’artiste, vous pouvez commencer avec le photo poche dédié au photographe.

J’espère que cet article vous a permis de découvrir ou redécouvrir ce photographe incontournable. Qu’il vous a donné envie de creuser plus encore la vision unique d’Elliott Erwitt et que son travail vous inspire ou vous inspirera.

Laissez-moi votre avis sur cet article en commentaire ci-dessous pour me dire s’il vous a plu et si vous aimez ce genre d’articles. Et si vous voulez relire l’article à votre aise ou que vous n’avez pas eu l’occasion de tout lire, n’hésitez pas à télécharger l’article au format pdf.

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Qu’est-ce que c’est que cette bête-là ?

L’histogramme est ce petit graphique que vous avez certainement déjà vu affiché avec votre photo sur l’écran au dos de votre appareil. C’est une espèce de carte d’identité de votre photo. Plus précisément, c’est une représentation graphique de la luminosité des pixels d’une image. Pour faire simple, l’histogramme vous permet de vérifier rapidement l’exposition de vos images et donc de pouvoir les corriger directement au besoin. En un coup d’œil, vous pouvez vous faire une idée de la bonne ou de la mauvaise exposition de votre photo. Un histogramme simple peut être représenté comme ceci…

• L’axe horizontal (abscisses) représente la luminosité, depuis les tons sombres (peu lumineux) à gauche jusqu’aux tons clairs (très lumineux) à droite.
• L’axe vertical (ordonnées) représente le nombre de pixels pour chacune des 256 valeurs de luminosité.

On peut voir sur cet exemple qu’une bonne partie des pixels sont dans les tons sombres et les tons moyens avec très peu de pixels dans les tons clairs. Ce qui indique qu’il n’y aura pas de zones claires (voire très claires) dans l’image. Nous verrons un cas concret un peu plus loin dans cet article pour vous permettre de vous faire une meilleure idée et de lier l’histogramme à la photo qu’il représente.

Comment lit-on l’histogramme ?

C’est bien beau tout ça mais vous vous demandez certainement comment lire et interpréter l’histogramme. Il vous dira surtout si une photo est surexposée (trop de pixels blancs) ou sous-exposée (trop de pixels noirs) mais entre ces deux « extrêmes » on peut avoir une infinité de possibilités et d’histogrammes différents. L’histogramme est donc un outil donnant des informations concernant l’exposition de l’image et c’est au photographe à l’utiliser correctement. Par exemple, il est normal d’avoir un histogramme qui tire vers la gauche (les tons sombres) si on fait des photos de nuit ou des silhouettes devant un coucher de soleil.

De même, si on photographie un paysage enneigé, on aura une courbe allant beaucoup plus vers la droite (dans les blancs). Les tons les plus présents dans l’image formeront des pics. Si la photo est trop sombre, on aura un pic sur le bord gauche de l’histogramme. Indiquant beaucoup de pixels très noirs, ça signifie qu’il y a très peu de détails ou d’information dans ces zones de l’image. On dit que ces zones sont « bouchées ». A l’inverse, si vous avez un pic sur le bord droit, c’est que certaines zones sont trop claires et manquent d’information. Ces zones sont dites « brûlées ».

Concrètement

Comme je vous l’ai dit plus haut, une image vaut mieux que tous les mots. Je vais donc vous présenter un ou deux exemples concrets.

Exemple 1 (en noir et blanc)

Sur cette première photo plutôt sombre (sous-exposée), on peut voir que l’histogramme est principalement à gauche. Ce qui signifie qu’il y a un grand nombre de pixels noirs, les plus sombres. Le reste des pixels sont situés dans les tons sombres et les tons moyens (milieu de l’histogramme). Il n’y a pour ainsi dire aucun pixel clair et aucun pixel blanc. Si on regarde la photo en elle-même, on constate que c’est exactement ce que l’on vient d’interpréter. A savoir, une image foncée, sur laquelle on peut observer beaucoup de zones sombres et noires. Certaines sont même bouchées. Il n’y a pas de zones claires ou blanches.

Si on reprends la même photo mais exposée différemment, très claire (surexposée) cette fois.  On remarque que l’histogramme est principalement à droite. Il y a un grand nombre de pixels blancs et un autre grand nombre très clairs. Le reste de l’histogramme est plutôt dans les tons moyens et clairs et une toute petite partie est dans les tons sombres. Mais peu ou pas de pixels noirs. En observant l’image, on constate une fois encore que l’histogramme dit vrai. Le sujet et le ciel sont clairs ou blancs, on a une petite zone grise (les tons moyens) à l’arrière-plan et au niveau de la barrière. Enfin, un peu de noir sous la barrière et au niveau des bretelles du sac à dos de notre sujet.

Sur cette troisième version de la première photo, on a une exposition correcte. Que remarque-t-on au niveau de l’histogramme ? Il est plutôt centré, on a des pixels dans les tons sombres et les tons moyens mais pas (ou peu) de pixels dans les noirs de l’extrême droite de l’histogramme. De l’autre côté, on a une bonne partie des pixels dans les tons clairs et même très clairs mais rien dans les blancs extrêmes. Ce qui nous indique que nous n’avons pas de zones sur-exposée (brûlées) sur notre photo. Et ça se vérifie…. Merci l’histogramme !

Exemple 2 (en couleur)

Comme pour le noir et blanc, l’histogramme en couleur donne le nombre de pixels pour chaque indice de luminosité. La principale différence est que les composantes de couleur présentent dans la photo seront visibles individuellement. Ce qui peut également donner une idée d’exposition pour ces composantes de couleur.

Pour cette première photo (sous exposée), on voit que la plupart des pixels sont dans les tons sombres, quelque soit leur couleur.

De même pour cette deuxième photo (surexposée), les pixels sont dans les zones très claires pour la majorité des composantes de couleur.

Enfin, pour la photo correctement exposée, les pixels sont plus centrés dans l’histogramme. Peu de pixels sombres ou noirs et un petit nombre de pixels clairs ou blancs. Tous les autres sont plus ou moins bien répartis sur la partie centrale des tons moyens de l’histogramme. Comme nous venons de le voir, l’histogramme peut être visible en blanc ou en couleurs. Toutes les marques n’affichent pas l’histogramme des couleurs mais ne vous inquiétez pas, l’importance est de pouvoir afficher un histogramme et vérifier l’exposition de vos photos. En effet, l’information fournie est quasiment la même.

L’histogramme blanc représente la luminosité en général alors que le mode couleurs (RVB) représente la luminosité pour chacune des trois couches couleurs Rouge, Verte et Bleue composant la photo. Ce deuxième mode permet une analyse plus précise et de gérer si nécessaire la saturation d’une couche en particulier. Dans un premier temps, si vous avez le choix, je vous conseille de vous tenir au mode luminosité uniquement.

L’Histogramme Idéal

C’est une question qui revient parfois chez les personnes qui découvrent l’utilité de l’histogramme. Je vais y répondre directement et simplement, sachez qu’il n’y a pas d’histogramme idéal. En effet, la théorie voudrait que cet histogramme ait la forme arrondie avec un minimum de pixels noirs intense et blancs intense. Il ressemblerait à ceci…

Mais en pratique ça n’est quasiment pas réalisable. Il y aura toujours une zone qui sera plus claire ou plus foncée. De plus, la lumière (ou luminosité) sur une image peut difficilement être aussi régulière ou répartie de façon uniforme. Enfin, si cet histogramme idéal existait, cela voudrait dire qu’il n’y aurait qu’une seule possibilité d’exposition pour avoir LA photo (exposée de façon idéale). Ce serait dommage et ça limiterait la diversité et la créativité des photographes. Certains font des photos plus sombres, d’autres plus claires et chacune d’elle peut être une très belle photo. Donc, oubliez simplement l’éventualité d’obtenir un histogramme idéal. C’est un outil, il vous donne des indications. Il vous aide à contrôler votre exposition et c’est déjà très bien.

Comment l’utiliser en pratique (sur le terrain) ?

Les écrans LCD des appareils n’ont pas toujours un affichage tout à fait correct. Mais l’affichage d’un histogramme est disponible sur la plupart d’entre eux, je vous conseille donc de vous en servir. Chaque fois que vous prenez une photo, jetez un œil à l’histogramme, ça vous évitera des mauvaises surprises par la suite. En gros, si vous voyez que votre photo est surexposée ou sous-exposée, à part si c’est que vous désirez exprimer, essayez de corriger votre réglage grâce à tout ce que vous connaissez ou que vous avez lu et appris sur le blog. Parfois, ça se voit directement sur l’écran de votre appareil. Mais rien n’est plus fiable que l’histogramme.

Cependant, si vous deviez avoir un souci d’exposition, que ce soit parce que vous n’avez pas utilisé l’histogramme ou simplement par manque de temps pour vérifier sur le terrain, sachez que l’utilisation du format RAW permet de corriger l’exposition. Tout changement de valeur d’un paramètre aura un impact sur le rendu de votre photo et donc modifiera l’histogramme d’une manière ou d’une autre.

Affichage de l’histogramme

Sur la plupart des appareils photo numériques, l’affichage de l’histogramme sera disponible lorsque vous visualisez vos photos. Il se peut que l’option ne soit pas activée par défaut et que vous devriez aller dans le menu de votre appareil photo pour l’activer. Une fois activée, vous pouvez changer la présentation de la visualisation de vos photos. Chez Nikon, vous pouvez modifier l’affichage en poussant la molette directionnelle vers le haut (ou vers le bas). Chez Fuji il suffit d’appuyer successivement sur le bouton DISP/BACK jusqu’à ce que vous aperceviez l’histogramme. D’ailleurs sur les hybrides de la marque Fuji (et probablement tous les hybrides d’ailleurs) l’histogramme est visible à la prise de vue puisque le viseur est un écran digital.

Conclusion

L’histogramme est une outil très pratique que tous les débutants devraient connaître car il leur permettrait de se faire une idée de l’exposition dès la prise de vue et ils pourraient ajuster leur réglages afin d’obtenir une photo correctement exposée plutôt que d’avoir de mauvaises surprises lorsqu’ils transfèrent leurs photos sur l’ordinateur. Si vous n’avez jamais utilisé l’histogramme, tentez l’expérience et vous verrez à quel point c’est utile et facile à utiliser.

A quel point avez-vous trouvez cet article utile ? Et vous, utilisez-vous l’histogramme ou est-ce un outil qui ne vous intéresse pas et pourquoi ? Laissez-moi vos réponses et expériences en commentaires ci-dessous.

Merci d’avoir lu jusqu’ici et à bientôt pour un prochain article.

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Celui dont je vais vous parler aujourd’hui est un des photojournalistes les plus populaires. Même sans connaitre ses images, en entendant son nom une majorité de personnes vous diront qu’ils le connaissent. Beaucoup de gens connaissent l’Afghane aux yeux verts (photo visible plus bas dans cet article), sa photo la plus connue tant elle a été publiée et utilisée dans les médias. Je suppose que vous avez déjà trouvé le nom de celui que je vais vous présenter dans cet article ? Je vais vous parler de Monsieur Steve McCurry.

Biographie

Né dans la banlieue de Philadelphie en Pennsylvanie en 1950. Steve fait ses études au Collège d’arts et d’architecture à la Pennsylvania State University qu’il quitte en 69 avec les félicitations. Il se lance ensuite pour des voyages un peu partout dans le monde. A son retour, il travaille pour un journal local, pendant deux ans, jusqu’en 1978.

Cette année-là, il décide faire un voyage en Inde, qui sera le premier d’une longue série. Il fait un long périple à travers le sous-continent (indien), explorant tout le pays avec son appareil photo et voyageant avec à peine plus que quelques vêtements et son matériel photo. Travaillant comme photojournaliste pigiste, il apprit à attendre et à observer la vie. Il se rendit compte que dans l’attente, « les gens oublient l’appareil photo et leur âme pénètre l’image ».

Sa carrière démarre vraiment lorsqu’il traverse la frontière entre le Pakistan et l’Afghanistan, déguisé tel un indigène pour pénétrer dans les zones contrôlées par les moudjahidines juste avant l’invasion soviétique. Il ressort avec ses bobines de film cousues dans ses vêtements. Premières photos à montrer ce conflit qui débute, elles sont publiées dans le monde entier.

Grâce à ce reportage, il obtient le prix Robert Capa Gold Medal du meilleur reportage photographique à l’étranger, un récompense décernée aux photographes les plus courageux et ayant fait preuve d’une initiative exceptionnelle. Par la suite, il couvre d’autres zones de conflits internationaux ou civils tels que la guerre Iran/Irak, le Cambodge, les Philippines, la guerre du Golf, l’Afghanistan et l’Ex-Yougoslavie. Mais à travers ses reportages, il veut surtout montrer les conséquences humaines causées par les guerres.

Plus récemment

Le 11 septembre 2001, Steve est chez lui à New York, il vient de rentrer d’un voyage au Tibet. Il est dans son appartement qui donne sur le Washington Square Garden lorsque les avions percutent les tours jumelles du World Trade Center. En voyant la fumée et les flammes, il attrape son appareil et monte rapidement sur le toit de l’immeuble d’où il a une vue imprenable sur le Lower Manhattan. Il aura juste le temps de prendre quelques clichés des tours avant qu’elles ne s’écroulent. Il va également prendre des photos dans les décombres où règne le chaos et une atmosphère de mort le soir et le lendemain matin très tôt avant que le site soit totalement interdit d’accès.

En 2016, un scandale éclate autour de quelques-unes des photos de Steve McCurry dont une des plus connues, son portrait de l’Afghane aux yeux verts. Certaines de ses images auraient été mises en scène et retouchées. Fait que le photographe finira par avouer quelques mois plus tard faces à des preuves irréfutables. Malgré ces faits, Steve McCurry a été, et restera, une des plus grandes référence de la photographie contemporaine pendant plus de trente années, avec des couvertures de livres et de magazines, une multitude de livres et d’innombrables expositions à son nom un peu partout dans le monde.

Ses photos

Lors de son expo “The World of Steve McCurry” qui se tenait à Bruxelles en 2017 et que j’ai eu la chance de visiter, je me suis arrêté sur quelques-unes de ses œuvres que je trouvais les plus réussies et les plus touchantes. J’en ai retenu une plus particulièrement dont je vais vous raconter l’histoire.

Circonstances

Cette photo appelée l’afghane aux yeux verts est celle de Sharbat Gula, une femme afghane de l’ethnie Pachtounes. C’est en Juin 1985 que son visage est devenu célèbre suite à la publication de cette photo sur la couverture du magazine National Geographic. Elle n’a alors que 13 ans et le seul nom qu’on lui connait à travers le mon est ce surnom « d’afghane aux yeux verts » jusqu’à ce qu’elle soit retrouvée en 2002.

L’histoire se passe en 1984 dans un camp de réfugiés près de Peshawar, au Pakistan. Ce matin d’automne là, Steve McCurry entend des voix venant d’une des tentes du camp. En s’approchant, il réalise que c’est une école de filles. L’institutrice accepte qu’il prenne quelques photos de la classe, et il prend trois photos d’élèves dont Sharbat Gula, une petite orpheline. Ses parents ont péris au cours d’un bombardement. Elle a des yeux d’un vert hypnotisant et un regard pénétrant avec une grande émotion dans l’expression.

Mais à ce moment, Steve McCurry est loin de se douter qu’il vient de prendre un cliché qui fera partie de l’histoire de la photo à travers le monde. En effet, la jeune afghane fera la couverture du National Geographic avant de devenir un emblème du magazine. Elle sera même associée au magazine, comme un logo le serait pour une marque.

Le Miracle

En 2002, Steve retourne en Afghanistan avec au fond de lui l’espoir de retrouver cette petite fille. Il réalise malgré tout que la retrouver serait un vrai miracle. Mais un jour, il aperçoit une femme dont la burka est relevée et voit un regard éteint mais les yeux verts qu’il voit lui sont familiers. Soudain, il réalise que c’est bien elle. Cette fillette est devenue mère de famille nombreuse. Il reprendra une autre photo de Sharbat Gula dans la même posture. Cette deuxième photo de l’afghane, avec un regard toujours tout aussi envoûtant, fera également la couverture du National Geographic.

La deuxième photo de Steve McCurry que je voulais aborder, est celle de ce tailleur indien souriant, dans l’eau jusqu’au cou et transportant sa machine à coudre ruinée. Elle a été prise à Porbandar en Inde en 1983 pendant la grande mousson. Steve s’est mouillé pour cette photo, au propre comme au figuré. Le magazine National Geographic l’a utilisée pour l’une de ses couvertures, ce qui a permis au fabriquant de la machine à coudre de la voir et de décider d’offrir une nouvelle machine à cet homme. Steve McCurry a toujours beaucoup aimé appliquer le théorème de Robert Capa: « si vos photos ne sont pas assez bonnes, c’est que vous n’êtes pas assez prêts« .

Voici une petite sélection d’autres photos incontournables de Steve McCurry

Conclusion

Qu’il ait effectivement mise en scène certaines de ses photos ou qu’il en ait retouché d’autres récemment (en 2016) à l’air du numérique pour les rendre plus belles et plus attirantes pour rester dans le coup. Moi je trouve personnellement que ça n’enlève rien à la qualité de son travail et à son mérite d’avoir été sur le terrain en temps de guerre tout comme d’avoir pris des risques pour réaliser quelques-unes des images les plus spectaculaires et impressionnantes de l’histoire de la photographie « pré-numérique ».

Si ce nouvel article photographes inspirants vous a plu, n’hésitez pas à lire les autres si ce n’est pas encore fait. Sinon, laissez-moi votre avis, vos questions en commentaire ci-dessous.

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Les possibilités

En général, la plupart des appareils photo numériques peuvent générer deux types de fichiers, les JPG et les RAW. Les images au format RAW sont directement issues de ce que le capteur enregistre, on dira que la photo est « brute de capteur ». Autrement dit, c’est un fichier source qui nécessite un développement numérique, il s’apparente au négatif en argentique. Pour l’autre format, le JPEG, la photo est créée par l’appareil à partir de ce format RAW. L’appareil traite l’image brute en interne pour en créer une image développée prête à être utilisée. Ce « développement » peut-être affiné et personnalisé dans les réglages de l’appareil pour se rapprocher au maximum du rendu que vous désirez.

Format JPG (Le Traditionnel)

Le format JPG ou JPEG (pour Joint Photographic Expert Group) est certainement le plus connu et le plus utilisé des formats de photos. C’est le format que tous les appareils proposent et que vous utilisez probablement depuis toujours. C’est en effet, le format réglé par défaut dans la majorité des cas. Ce format de fichier est plus léger que le format RAW car il est déjà traité et en partie compressé. Cela veut aussi dire qu’il y a déjà une légère perte de qualité comparé à ce que l’appareil photo peut produire dans le meilleur des cas. Le gros avantage de ce format est que vous pouvez l’utiliser et le partager directement après la prise de vue. Cela est entre autre dû au fait que le JPEG est reconnu par la plupart des systèmes existants (ordinateurs, tablettes, smartphones,…)

Pour vos photos en JPEG, il est possible de modifier le rendu grâce à toute une série de paramètres (contraste, netteté, saturation,…) directement dans l’appareil. Le premier que vous devriez vérifier est celui que les constructeurs appellent la QUALITÉ du fichier. Vous aurez le choix entre Small, Medium ou Fine en général. Ce paramètre a une influence sur la taille et le poids (en MPixels) du fichier évidemment mais aussi et surtout sur sa qualité.  En sélectionnant Small vous aurez une toute petite photo, plus proche d’un aperçu alors qu’en choisissant Fine, vous aurez le fichier le plus grand et avec la plus grande définition et donc qualité. Plus la photo est grande, plus vous verrez les détails et plus vous pourrez faire des impressions grand format.

Format RAW (Le Flexible Performant)

Le format RAW (de l’anglais « raw » qui signifie « brut ») est cinq à dix fois plus lourd que le format JPEG car il n’est pas du tout compressé. Cependant vous ne pouvez pas l’utiliser tel quel à la sortie de l’appareil. En effet, en tant que négatif (numérique), il demande d’être développé afin de pouvoir le visionner ou le partager. Ce développement se fait dans un programme spécifique qui vous permet de « jouer » sur une large série de paramètres comme l’exposition, le contraste, la balance des blancs, la netteté,… sans altérer la qualité de l’image.

Ce développement, aussi appelé post-traitement permet de sublimer vos images. Vous pouvez supprimer certains défauts et améliorer le rendu de vos photos mais le post-traitement permet aussi de personnaliser vos photos, leur donner un style bien à vous. Le format RAW vous offre une plus grande flexibilité, vous pouvez pousser l’exposition, changer la balance des blancs, passer au noir et blanc et le tout sans perdre en qualité. Cependant, c’est un processus qui demande du temps et un peu de patience pour l’apprivoiser. Il est bon de savoir que chaque marque a son propre format RAW  (.RAF chez Fuji, .NEF chez Nikon, .CR2 ou .CR3 chez Canon .ARW chez Sony par exemple)

Lequel choisir ?

Comme vous vous en doutez, il n’y a pas de réponse idéale. Disons surtout que ça va dépendre de votre pratique, ainsi que du temps et des compétences techniques que vous possédez. Pour résumer, chacun des deux formats a ses avantages et ses inconvénients et je vais vous les détailler juste après.

En pratique

Si vous souhaitez avoir des photos à utiliser et partager rapidement et que vous êtes contents du résultat obtenu avec l’appareil, foncez, utilisez le JPEG. Vous gagnerez du temps, de la place et de la facilité d’exécution. Par contre, si vous aimez personnaliser vos photos, leur donner une touche bien particulière qui fera qu’on peut reconnaitre vos clichés parmi un paquet d’autres ou que vous trouvez les photos proposées par l’appareil plutôt fades ou trop communes, optez pour le RAW.

Personnellement, je travaille rarement uniquement en JPEG. Je favorise le RAW pour toujours pouvoir développer et personnaliser mes photos. Lorsque j’en ai la possibilité, je choisi le RAW + JPEG. De cette façon, je peux utiliser les photos directement mais j’ai toujours la possibilité de traiter celles que je veux peaufiner. Évidemment, ce choix est différent sur un reportage de mariage où le nombre de photos est important. Dans ce cas, j’utilise seulement le RAW.

Le Post-Traitement

Si vous avez choisi de travailler en RAW, vous aurez nécessairement besoin de développer vos photos. Pour cela, l’utilisation d’un programme de post-traitement (logiciel) est inévitable. Il en existe plusieurs sur le marché et le choix peut être difficile. Dans cet article je vais me limiter à citer les diverses possibilités. J’écrirai prochainement un article spécifique pour vous aider à voir plus clair pour choisir le programme de post-traitement avec lequel débuter. Plus tard, il y aura aussi un article sur les premières étapes du post-traitement. Voici donc une liste des principales possibilités de logiciels de traitement d’images.

1. Les gratuits

2. Les payants

Exemples

Voici deux exemples de photos à la sortie de l’appareil et après post-traitement. La deuxième est particulièrement intéressante parce que j’ai choisi de shooter en noir et blanc avec les réglages les plus poussés de l’appareil mais je n’ai obtenu le résultat que je voulais qu’en passant la photo dans Lightroom et en lui appliquant les réglages noir et blanc qui me plaisent.

Exemple 1

Ce premier exemple représente un feuille d’arbre prise en contre-jour et à grande ouverture pour la mettre en évidence. La première photo est la version JPEG sortie directement de l’appareil. La seconde est la photo au format RAW avant traitement. Et enfin, la troisième est la photo finale après traitement dans Lightroom. Cette photo a été prise au Nikon D750.

1. Photo JPG sortie de l’appareil photo.

Elle est très verte, les verts sont saturés et pas très naturels et les hautes lumières sont très fortes, limite éblouissantes.

2. Le fichier une fois dans le logiciel de traitement d’images

Lorsqu’il apparaît dans Lightroom, le fichier photo perd toutes ses caractéristiques. C’est au photographe à régler les couleurs, le contraste, la netteté,…

3. La photo traitée et exportée

Une fois tous les réglages effectués, vous obtenez une image finale qui correspond à ce que vous désirez.
Vous pouvez alors l’exporter en JPEG de façon à pouvoir l’utiliser à votre guise comme si elle sortait de l’appareil.

Comme vous avez pu le constater, la première photo n’est pas mal mais la dernière photo est plus réaliste au niveau du rendu et de la balance des blancs. Bien sûr, ce serait plus parlant avec la photo d’une personne où l’on verrait un belle différence pour la couleur de peau.

Exemple 2

Pour ce deuxième exemple, j’ai choisi une photo en noir et blanc car comme vous allez le voir, la gestion du noir et blanc depuis l’appareil n’est pas toujours optimal. J’aime les photos lumineuses et les photos en noir et blanc plutôt contrastées. Même avec des réglages « extrêmes » sur mon appareil je n’ai pas obtenu ce que je voulais. Heureusement, j’avais opté pour le « RAW + JPEG ». J’ai donc pu développer mon image comme je les aime. Cette photo a été prise au Fuji X-E2. Voyez plutôt.

1. Le fichier JPEG sorti de l’appareil

Cette photo en JPEG manque de peps, de contraste et les noirs ne sont pas assez noirs (pour moi).
Si je n’avais eu que le fichier JPEG, j’aurais jeté cette photo.

2. Le fichier RAW mis dans le logiciel de traitement d’images

En passant le fichier RAW dans Lightroom, je la trouvais déjà plus proche de ce que je souhaitais. Mais il lui manquait encore quelque chose…

3. Photo exportée après traitement

Après quelques ajustements, la voilà enfin à mon goût.

Conclusion

Si vous trouvez vos photos plutôt ternes ou fades et qu’elles ne correspondent pas au résultat que vous avez imaginé, commencez par affiner les réglages dans l’appareil photo. Vous pouvez jouer sur pas mal de paramètres dont le contraste, la netteté, la saturation,… Mais si le rendu ne vous plaît toujours pas, essayez le format RAW. En effet, au-delà de vous aider à récupérer certaines erreurs de prise de vue, développer vos photos vous permettra de leur donner un rendu personnalisé. De plus, avec un peu de pratique, cette étape prendra beaucoup moins de temps et vous apportera une grande satisfaction.

Si cet article vous a intéressé ou vous a décidé à franchir le cap, faites le savoir en le partageant ou en laissant vos impressions en commentaire ci-dessous.

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Biographie

Né à Modena en 1933, il débute la photographie à 28 ans en tant qu’amateur. Avec son premier appareil photo, un reflex Pentax, il utilise d’emblée des pellicules couleur et en grande partie la Ferraniacolor fabriquée en Italie. Il fera sa première exposition en 1968 avec des photographies d’objets, de murs et autres matériaux abandonnés. En 1970, il publie son premier livre photo « Modenaunacitià » et expose à Milan. Quatre ans plus tard, Fritz Gruber le remarque lors de son passage en Italie, ce qui lui vaut de présenter ses photos de paysage à la Photokina de Cologne. Le livre Skyline sort simultanément en France et en Italie en 1978.

Par la suite, il publiera plus d’une cinquantaine d’autres ouvrages partout dans le mode. C’est cette même année qu’il dirige son premier workshop à Arles. Ce sera le premier d’une longue série. En 1986, Fontana commence à travailler avec Alexander Liberman de Vogue USA. Cette collaboration réussie lui amènera de réaliser des campagnes photographiques pour de grandes marques comme Ferrari, Volkswagen, Volvo, Grundig et d’autres. Et en 2003, le livre « Franco Fontana, 400 photographies » sort chez Acte Sud/Motta.

La Couleur

C’est un des rares photographes n’ayant jamais utilisé le noir et blanc et c’est un choix volontaire. Il dit voir en couleur dès qu’il se lève le matin, que la couleur l’enthousiasme et lui donne de la joie, la vie. Il aime voir l’azur du ciel, les plantes vertes, la mer bleue, la couleur de la chair, « pas celle d’un mort ! ». Pour lui, la photographie couleur est plus difficile que le noir et blanc qui est une invention parce que la réalité n’est jamais acceptée pour ce qu’elle est au niveau créatif et doit sans cesse être réinventée. Sa couleur est une façon différente de voir, libérée des exigences spectaculaires qui ont longtemps caractérisé la photo en couleur et non une coloration, un rajout chromatique sur le noir et blanc.

Sa manière de travailler

Pour la série Skyline, Fontana a utilisé un appareil Canon sur lequel il avait monté un objectif 100-300mm de façon à écraser les perspectives de l’image. Par ailleurs, toutes les photos ont toutes été prises avec des films diapo Kodachrome 25 et Ektachrome 64. De plus, il n’a jamais utilisé de filtres. Pour saturer les couleurs, il sous-exposait volotairement les films. Aujourd’hui, Fontana travaille en numérique comme la plupart des photographes. Il dit d’ailleurs clairement : « Bienvenue au numérique car je ne suis pas un nostalgique des anciens procédés. La pellicule c’est vraiment de l’archéologie, je la laisse aux retraités. » Pour lui, le numérique permet une fantastique économie de travail et il ajoute que même si tout devient plus simple, il ne faut pas oublier que le véritable appareil photo, c’est le photographe lui-même. Il utilise des appareils comme les Canon EOS ou le Panasonic Lumix.

Ma sélection de photos

Les premières photos sont évidemment quelques-unes des plus connues de la série « Skyline ». Comme son travail ne se résume pas uniquement à cette série très populaire, j’ai voulu vous montrer d’autres facettes de son travail. Il y a donc aussi l’une ou l’autre photo de sa série « Piscina » ainsi que quelques autres photos qui me plaisent et représentent bien son univers.

De la série « Skyline »

De la série « Piscina »

Quelques autres de ses photos

Bien sûr ceci est un avant goût et une sélection très personnelle issue de l’œuvre exceptionnelle de ce photographe inspirant. Vous pouvez encore trouver quelques autres photos sur ma page Photographes Inspirants sur Pinterest. J’espère que de découvrir ce photographe vous aura inspiré.

N’hésitez pas à me laisser un commentaire ci-dessous pour partager vos impressions ou pour me suggérer votre photographe préféré .

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