Le format est bien plus qu’une simple valeur ou un choix aléatoire. En effet, selon le format choisi pour cadrer votre photo, le sujet pourra être plus ou moins mis en avant. De même, le format, peut aider à exprimer certaines sensations ou émotions ou encore certains formats sont plus adaptés à certains sujets. Mais trêve de blabla, voyons ensemble ce qu’il en est.

Le format d’une image c’est quoi

Ce que l’on appelle format ou ratio d’une image, c’est le rapport entre son grand côté et son petit côté. Par exemple, si on considère le ratio le plus répandu, qui est 3/2, cela signifie que la longueur de l’image est de 3 unités et sa hauteur de 2 unités. Dans ce format, on rencontre souvent des photos en 15cm par 10cm, 30 par 20, 60 par 40,… Bien sûr, une illustration vaut mieux que mille mots, voici donc ce que ça donne en image.

Il existe bien sûr d’autres ratios dont le 4/3 assez courant, le 16/9, que l’on voit souvent en vidéo et au cinéma et enfin le format carré (1/1) moins utilisé aujourd’hui mais qui a tout son intérêt comme nous le verrons plus loin dans cet article. Évidemment, ceux-là sont les plus connus et les plus utilisés mais on peut avoir des formats totalement uniques selon le recadrage pour lequel le photographe opte.

Les principaux ratios et d’où ils viennent

Il existe quatre formats principaux, qui sont les plus courants. Il s’agit du format carré, du 3/2, du 4/3 et du format panoramique ou 16/9. Chacun d’eux a des origines plutôt liées au matériel ou aux contraintes d’utilisation à la base. Je vous donne quelques exemples…

Le format carré ou 1/1

Le format carré a longtemps été le standard en argentique moyen format. C’était en effet, le format de film (ou de photo) des Twin Lens Reflex (TSL) comme les Rolleiflex ou Yashica très utilisés dans les années 50’s à 70’s. Aujourd’hui, avec le numérique, c’est un standard qui a été remis au goût du jour ces dernières années grâce à Instagram.

Le format 3/2

Ensuite, vient ce format qui a été le plus utilisé de tous les temps, d’abord en argentique avec les appareils photo équipés de films 35mm (24×36) qui était devenu le standard de la majorité des appareils et utilisés par tous (ou presque). Et avec l’arrivée du numérique qui s’est basé sur ce standard pour concevoir les premiers capteurs… et les suivants.

Le format 4/3

Le format Micro 4/3 est plus récent et plus spécifique au numérique puisque c’est le standard choisi par certaines marques d’appareils hybrides. C’est lié à la taille et au format du capteur. Ce format est également utilisé dans les appareils compacts et autres Smartphones.

Le format panoramique ou 16/9

Le format panoramique est issu du cinéma et des grands écrans de la télévision moderne. On utilise ce ratio d’aspect en photo surtout pour les paysages mais il peut fonctionner avec beaucoup d’autres sujets horizontaux très allongés, tels que certaines scènes impliquant un mouvement.

 Le ratio d’aspect original

En général, le ratio original est déterminé par la taille (ou le format) du capteur. En effet, la plupart des capteurs plein format et APS-C ont un ratio de 3/2. Certaines marques comme Panasonic ou Olympus ont choisi d’utiliser des capteurs dits « micro 4/3 » qui comme leur nom l’indique ont un ratio de 4 pour 3 (4/3). Aujourd’hui avec les appareils hybrides, il est même possible de choisir son ratio à la prise de vue. Il est en effet courant de pouvoir régler le format de l’image sur panoramique (16/9) ou carré (1/1) et directement prendre les photos dans ces formats.

En post-traitement

Le ratio d’aspect peut aussi être modifié en post-traitement, en recadrant l’image comme on le souhaite si le format original ne nous convient pas ou si la photo doit être adaptée pour une utilisation particulière. En effet, une des questions à se poser est de savoir à quoi est destinée la photo. Selon son utilisation, et le support de présentation final, on ne choisira pas le même format.

Quel lien avec la composition

Que vous optiez pour des photos à l’horizontal ou à la verticale, la plupart des formats peuvent être utilisés. Cependant, chaque format aura ses particularités. La différence sera essentiellement le ressenti transmis par tel ou tel autre format. Plus concrètement, selon le format choisi, la composition aura une tendance à être plus dynamique ou au contraire, plus statique. D’ailleurs, certains formats conviennent mieux à certains sujets. Voyons cela en détails.

Format carré

Le ratio d’aspect 1/1 ou format carré favorise les compositions plus centrées qui auront tendance à être (ou paraître) très statiques. Ce format apporte aussi une certaine stabilité, un côté apaisant.

^{Le ressenti « apaisant » créé par la brume et le traitement N&B est renforcé par le format carré © Florent Letertre Photographe}

Format 4/3 à l’horizontal

Assez proche du format carré et ses caractéristiques, le format 4/3, aussi appelé « le format court » donnant l’impression que le sujet est plus centré que le populaire 3/2. En général avec ce format, la composition est plus ramassée. On retrouve le côté statique.

Format 3/2 à l’horizontal

C’est le format le plus populaire et celui qui est adapté à une majorité de sujets. Ce n’est pas pour rien qu’on le retrouve le plus souvent. Il représente le format rectangulaire le plus équilibré permettant des compositions assez dynamiques.

Format panoramique à l’horizontal

Ce format a une connotation cinématographique qui permet une réelle description des paysages et des scènes impliquant du mouvement. En gros, c’est le ratio d’aspect le plus dynamique qui soit. Il facilite l’utilisation des diagonales qui rend la composition dynamique. On les inclut d’ailleurs beaucoup plus instinctivement avec ce format.

Format 4/3 à la verticale

Comme pour le 16/9 à l’horizontal, le format 4/3 cadré à la verticale, pour des scènes de rue ou des paysages, permet de réduire la proportion de ciel dans l’image. Ce qui a pour effet d’équilibrer la composition et améliorer la lecture de l’image de manière générale.

Format 3/2 à la verticale

Utilisé à la verticale, le format 3/2 est également très polyvalent, il laisse beaucoup de flexibilité quel que soit le sujet. Il y a pourtant des situations où ce choix ne fonctionnera pas correctement, notamment avec la présence trop importante du ciel ou de l’avant-plan. C’est dans ces cas qu’il faudra opter pour le format 4/3.

Format panoramique à la verticale

Très souvent, le format panoramique ne fonctionne pas à la verticale. Il semble trop long. Mais il peut malgré tout être utilisé lorsqu’on veut insister sur la grande taille et plus particulièrement sur la hauteur du sujet.

Et dans la pratique comment on fait

Je peux concevoir que malgré les explications et les exemples sur le sujet, savoir quel format d’image utiliser puisse encore sembler compliquer. Vous vous demandez peut-être encore si vous devriez changer de format, et quand vous devriez le faire, et pourquoi. C’est normal ! Et c’est justement ce qui fait la difficulté ET la complexité de la composition en photographie… En fait, dites-vous bien qu’il n’y a pas de réponse toute faite, ni d’ailleurs de réponse unique.

Pour vous aider à vous approprier cette notion, je vous dirais que la seule chose que vous pouvez faire, c’est vous demander si un format améliore votre photo. Si le fait d’utiliser un ratio d’aspect plutôt qu’un autre apporte un plus à votre image. Mais vous pouvez aussi choisir intentionnellement un certain ratio et de faire des séries d’images avec cette contrainte. Vous seriez surpris de ce que vous obtiendrez.

Quoi qu’il en soit, abusez des changements de formats, expérimentez, amusez-vous avec ce paramètre et faites des photos

L’article Les différents formats de photo, leur origine et l’importance de les considérer tous pour de meilleures compositions est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Mais pourquoi j’écris cet article ? Simplement pour rebondir sur une annonce plutôt inattendue qui m’a vraiment fait plaisir et que je souhaitais partager. Il y a déjà quelques temps que j’ai constaté un regain d’intérêt pour l’argentique. Plus particulièrement par de plus en plus de jeunes photographes. Il y a deux ou trois ans, j’ai appris que l’une ou l’autre chaînes de production de pellicules avaient été relancées. Et il y a quelques jours, je découvre cette fameuse nouvelle à laquelle je ne m’attendais pas du tout ! Et je ne dois pas être le seul .. mais c’est génial .

Pentax annonce un nouvel appareil argentique

Qu’il l’aurait crû ?! En 2022, le numérique est partout. Alors que tous les constructeurs d’appareils photos sont totalement investis dans le monde de la photographie numérique. Jusqu’à annoncer il y a quelques mois qu’ils abandonnaient les reflex au détriment des hybrides… Eh bien, Pentax, le fabricant d’appareils photo Japonais vient d’annoncer qu’il travaillait sur un projet de plusieurs appareils photo argentiques pour 2023.

Et pour les plus curieux, la vidéo explicative (en anglais)

La firme avait été fondée en 1919 et d’abord connue pour la qualité de ses optiques. Elle avait enchaîné en faisant ses preuves et en connaissant ses moments de gloire grâce à une série d’appareils photo de grande qualité. Mais également réputés pour leur robustesse, comme le Pentax MX et surtout le Pentax 6×7, un excellent moyen format.

Malheureusement, Pentax ne survivra pas au passage vers le numérique et après plusieurs rachats infructueux. C’est Ricoh qui finira par reprendre Pentax en 2011. Pentax (Ricoh) a sorti un compact expert très apprécié, le GR qui a été décliné en différentes séries tant il est apprécié, entre autres par les photographes de rue.

Réel intérêt ou effet de mode ?

Comme ils le mentionnent dans la vidéo et ce n’est pas nouveau, il y a une forte demande de la part d’un communauté de jeunes photographes qui ont récemment découvert l’argentique et apprécient faire des photos à l’ancienne. Mais est-ce un effet de mode ou un réel intérêt ? Comme on a pu être témoin du grand retour des Vinyles et son côté rétro, la photographie argentique attire tous les jours de nouveaux adeptes.

Vu la quantité croissante de films vendus ces deux dernières années, ce n’est probablement pas un effet de mode. Tout comme l’explosion du prix des appareils sur le marché de l’occasion. Il y a un réel engouement et Pentax n’est pas le premier à faire une annonce dans ce sens. La firme allemande Leica avait elle annoncé il y a quelques semaines qu’elle reprenait la production de son célèbre Leica M6 dès la fin 2023.

Ce que j’en pense

Pour avoir la chance de m’être intéressé à la photographie argentique à partir de 2017, je peux confirmer que considérer cette pratique apporte pas mal de plaisir et de réflexion dans la vision du photographe (que je suis du moins). En effet, on ne photographie pas de la même manière quand on 36 poses que lorsque les photos prises sont quasiment illimitées. On ne va pas aussi vite pour faire ses réglages, surtout si on utilise un appareil plus ancien qui n’a pas de posemètre intégré et avec lequel, il faut modifier chaque paramètre manuellement.

C’est un peu comme si on pouvait prendre le temps, le temps de régler mais aussi le temps de composer. Photographier en argentique, c’est ralentir, c’est prendre le temps, c’est apprécier… Pas étonnant, que cette pratique suscite autant d’intérêt à l’heure « du tout tout de suite » et de l’instantané. Au-delà de cet aspect plaisir et de prendre le temps, la pratique de l’argentique m’a permis de comprendre, ou du moins de faire des liens sur, certaines notions de la technique. Le fait de faire les choses en manuel permet de mieux comprendre certains aspects et de savoir ce que l’on fait.

Conclusion

L’argentique et le numérique, c’est comme le four et le micro-onde, par exemple . Les deux font chauffer les plats, dont un plus vite que l’autre. Mais la nourriture préparée avec l’un est souvent plus savoureuse qu’avec l’autre (je vous laisse trouver lequel). Bref, ça fait longtemps que je le dis, les deux sont complémentaires, tout dépend ce que l’on cherche… L’important c’est de faire des bonnes photos.

Cette nouvelle d’une reprise du marché des appareils photo argentiques m’enchante. Et même si c’est tout récent et qu’on n’a encore aucune idée des délais, des prix, ni même si le projet aboutira, je suis impatient de voir la suite. Et je reste persuadé que ça ne sera pas la seule marque à envisager ce genre de projet. Alors croisons les doigts, soyons patients et continuons à faire de la photo argentique  !

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À l’heure des médias sociaux, il est facile de se focaliser sur les likes, les partages et les followers, au point d’oublier ce qui compte vraiment. Lisez les citations suivantes pour apprendre des maîtres. Et laissez-les vous expliquer ce qu’est cette magnifique discipline qu’est la photographie.

1. « Vous ne prenez pas une photographie, vous la faites ». (Ansel Adams)

Cette citation est un classique d’Ansel Adams, et cela pour une bonne raison. Si vous voulez prendre de superbes photos, il est important d’être pleinement conscient de ce que vous faites. Il ne suffit pas d’appuyer « bêtement » sur le déclencheur.

Grâce à la puissance des cartes mémoire et des appareils photo numériques modernes, il est facile de prendre des centaines, voire des milliers d’images en quelques minutes. Mais comme le souligne Ansel Adams, la bonne photographie ne consiste pas à déclencher l’appareil au hasard. Il s’agit plutôt d’un processus créatif conscient.

Ne prenez donc pas de photos sans réfléchir. Au contraire, travaillez consciemment pour inclure les éléments clés, exclure les éléments superflus et créer une image valable et originale. Lorsque vous photographiez, demandez-vous : Qu’est-ce que cette scène a de particulier ? Qu’est-ce que je veux capturer et montrer ? Qu’est-ce qui m’intéresse ou me touche ?

2. « Vos 10 000 premières photos sont vos pires photos ». (Henri Cartier-Bresson)

Combien de photos avez-vous prises jusqu’à présent ? Mille ? Cinq mille ? Dix mille ? Cent mille ? Selon Cartier-Bresson, il faut photographier pendant des mois, voire des années, avant de pouvoir commencer à capturer des images exceptionnelles. Il fixe le seuil de référence à dix mille photos, bien qu’à l’ère du numérique, il s’agisse plutôt de cinquante mille ou même de cent mille fichiers, selon vos habitudes de prise de vue personnelles bien sûr.

Quoi qu’il en soit, la citation de Cartier-Bresson porte sur la valeur de la croissance. Considérez vos premières années avec un appareil photo comme une expérience d’apprentissage. Amusez-vous, mais ne prenez pas vos photos trop au sérieux. Au fil du temps, vos images s’amélioreront. Si vous y mettez du vôtre et continuez à travailler dur, vous finirez par devenir un grand photographe.

3. « La beauté peut être vue dans toutes les choses. Voir et composer la beauté est ce qui sépare l’instantané de la photographie ». (Matt Hardy)

Cette citation photographique provient d’un photographe plus contemporain, Matt Hardy, dont les photos commerciales et de nature sont à couper le souffle. Souvent, nous ne voyons pas la beauté du monde jusqu’à ce que quelqu’un nous la fasse remarquer. Mais la tâche d’un photographe est d’identifier la beauté qui existe juste sous notre nez, de la composer en une photo artistique, puis de la montrer au monde.

Alors regardez autour de vous, que vous soyez devant votre ordinateur, dehors avec votre smartphone ou allongé dans votre lit. Pouvez-vous voir quelque chose d’une manière nouvelle ? Pouvez-vous voir la beauté de votre environnement ? Si ce n’est pas le cas, continuez à regarder. Vous finirez par y arriver !

4. « Rien ne se passe quand on reste assis à la maison. Je mets un point d’honneur à toujours avoir un appareil photo avec moi… Je photographie simplement ce qui m’intéresse à ce moment-là ». (Elliott Erwitt)

Emportez-vous un appareil photo partout où vous allez ? Voilà ce que nous devrions tous faire ! Et il ne doit pas nécessairement s’agir d’un gros reflex numérique, un appareil photo compact, voire un smartphone peut faire l’affaire. Chacun d’entre eux vous permettra de capturer des images à la volée.

Après tout, lorsque le monde est votre toile, vous devez toujours avoir vos outils à portée de main. Qui sait ce que vous pourriez voir lors d’une simple promenade, d’un tour en campagne ou d’une virée shopping ?

5. « Laquelle de mes photos est ma préférée ? Celle que je vais prendre demain ». (Imogen Cunningham)

Certains photographes, surtout les débutants, atteignent un point où ils pensent avoir réussi. Ils pensent qu’ils sont les meilleurs parmi les meilleurs, et ils sont totalement et entièrement satisfaits des images qu’ils ont prises. Mais il y a fort à parier qu’ils ont encore beaucoup de chemin à parcourir.

Ne soyez donc jamais entièrement satisfait de ce que vous avez fait. N’arrêtez jamais de photographier. Il est probable que votre meilleure photo n’a pas encore été prise. Cherchez toujours à vous améliorer !

6. « Tu dois te surpasser. Tu dois commencer à chercher des photos que personne d’autre ne pourrait prendre. Il faut prendre les outils dont on dispose et les approfondir ». (William Albert Allard)

Nous cherchons toujours des raisons pour lesquelles nos photos ne sont pas assez bonnes. Peut-être n’avons-nous pas le dernier appareil photo. Ou est-ce peut-être parce que n’avons-nous pas les plus gros objectifs, les plus rapides ou les plus précis. Peut-être ne pouvons-nous pas nous rendre dans des endroits éloignés.

Mais ce genre de raisonnement va à l’encontre du but recherché. Si vous pensez que vous ne pouvez pas être bon ou original, alors vous ne le serez jamais. Faites plutôt l’effort d’être optimiste. Croyez que vous pouvez prendre de grandes photos, si vous travaillez suffisamment dur. Après tout, Henri Cartier-Bresson utilisait un appareil photo argentique avec le même objectif et la même vitesse d’obturation. Il n’avait pas besoin de l’équipement numérique le plus récent pour prendre de superbes photos.

De plus, nous avons tous accès à certains sujets auxquels personne d’autre n’a accès. Posez-vous la question : Qu’est-ce que je peux photographier que personne d’autre ne peut photographier ? Pensez à votre maison, à celle de vos amis, à votre lieu de travail et à tout autre endroit que vous seul pouvez photographier. Puis sortez votre appareil photo et voyez ce que vous pouvez capturer !

7. « Si je voyais dans mon viseur quelque chose qui me semblait familier, je faisais quelque chose pour le secouer ». (Garry Winogrand)

Une fois que vous avez pris quelques bonnes photos, il est facile de tomber dans le piège qui consiste à prendre le même cliché encore et encore. Mais Garry Winogrand n’était pas satisfait de cette approche, et vous ne devriez pas l’être non plus.

Agissez plutôt comme Winogrand. Si vous vous retrouvez à prendre le même type de photo à plusieurs reprises, faites ce que vous pouvez pour secouer les choses. Faites quelques pas en avant. Faites quelques pas en arrière. Déplacez-vous sur le côté. Passez à un objectif grand-angle. Passez au téléobjectif. Trouvez ce que vous pouvez faire pour que la photo soit différente !

Bien sûr, le résultat ne sera peut-être pas génial, mais au moins vous aurez essayé. Et avec suffisamment d’expérimentation, vous commencerez à créer des images qui sont toujours originales.

8. « J’ai toujours pensé qu’une bonne photo était comme les bonnes blagues. S’il faut l’expliquer, c’est qu’elle n’est pas si bonne que ça ». (Anonyme)

Il est parfois intéressant d’entendre l’histoire qui se cache derrière une photo. Après tout, une histoire peut fournir un contexte précieux et vous aider à voir la photo sous un nouveau jour. Mais dans la plupart des cas, une photo ne devrait pas avoir besoin d’une histoire pour la soutenir. Elle doit parler d’elle-même !

Il est utile de garder cela à l’esprit lorsque vous photographiez et éditez. Si vous tombez sur une composition qui nécessite une explication importante, il est peut-être préférable de passer à autre chose ou, si vous en avez la possibilité, de changer quelque chose à la photo.

9. « Douze photos importantes par an, c’est une bonne récolte ». (Ansel Adams)

Ansel Adams, photographe à plein temps et génie absolu de l’appareil photo, ne s’attendait pas à obtenir plus de 12 grandes photos par an. Alors comment peut-on en espérer plus ? Pour être juste, Adams était un photographe de paysages, un genre particulièrement lent et difficile. Peut-être qu’un vétéran du portrait, de la photographie de rue ou événementielle pourrait faire mieux.

Néanmoins, vous pouvez utiliser les attentes d’Ansel Adams pour définir les vôtres. En tous cas, c’est sans doute une des citations les plus stimulantes à mon sens. Regardez vos photos de l’année précédente. Voyez combien de bons clichés vous avez pris. Attendez-vous à en trouver 12 tout au plus. Et si vous en avez plus, considérez que c’est une victoire !

10. « Ce peut être un piège pour le photographe de penser que les meilleures photos sont celles qui ont été les plus difficiles à obtenir ». (Timothy Allen)

C’est un problème auquel sont confrontés de nombreux photographes, qu’ils soient débutants ou professionnels. Il est facile de confondre les images qui ont demandé le plus de travail avec les images qui sont réellement les meilleures. Malheureusement, ce n’est pas toujours le cas. Parfois, les meilleures photos sont difficiles à prendre, mais d’autres fois, elles demandent très peu d’efforts.

Alors comment faire face à ce problème ? L’une des solutions consiste à attendre avant de regarder vos photos. Laissez-vous aller à oublier tout le travail qui a été fait sur certaines images, puis regardez les fichiers d’un œil neutre.

Une autre solution consiste à jeter un coup d’œil rapide à toutes vos photos, puis à vous en éloigner un moment avant de les regarder à nouveau. Lorsque vous reviendrez à l’ordinateur, vous verrez peut-être des éléments que vous n’aviez pas remarqués auparavant, et vous aurez, je l’espère, un état d’esprit impartial pour regarder vos photos.

Derniers mots pour conclure sur ces citations essentielles sur la photographie

Maintenant que vous avez terminé de lire cet article, vous connaissez 10 citations essentielles sur la photographie et vous vous sentez, je l’espère, inspiré. Mémorisez donc les citations que j’ai partagées avec vous dans cet article. Lisez-les attentivement. Réfléchissez à leurs significations profondes. Et voyez ce que vous pouvez produire à partir de là !

A vous de jouer maintenant… Laquelle de ces citations est votre préférée ? Avez-vous d’autres citations sur la photographie que d’après vous tout le monde devrait connaître ? Partagez vos idées et vos avis dans le groupe privé initiationphoto !

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Après trois semaines à le voir posé sur mon bureau, je me suis décidé à ouvrir ce livre. Et qu’est-ce que je suis content de l’avoir fait ! En effet, j’y ai trouvé beaucoup d’informations, de bonnes recommandations et de vraies astuces. J’ai surtout réalisé que je pouvais me faire confiance en tant que photographe, que j’avais mon propre style et que j’étais dans le bon avec ma pratique.

Le contenu

Je trouve que ce livre est très bien écrit. De bonnes explications, claires et appuyées par des images. Il est divisé en huit parties qui sont disposées dans un ordre logique et pratique pour la compréhension et l’assimilation, comme suit :

1. Le Lifestyle c’est quoi au juste ? Dans ce chapitre, il décrit sa vision, son style et présente les photographes qui l’inspirent.
2. La base du Lifestyle, la confiance Cette partie couvre l’importance d’instaurer la confiance et de s’intéresser aux gens, comme à des amis.
3. Le matériel, privilégier la simplicité Ah le matériel ! Ici, Baptiste explique pourquoi il favorise les focales fixes et les modes de vues semi-automatiques.
4. L’émotion avant tout Ici, place au pourquoi de l’émotion et comment s’y prendre pour la capter et la capturer.
5. Créer un moment et favoriser les interactions L’importance d’être un guide et de créer des interactions entre les modèles.
6. Cadrage et Composition Petit résumé bien ficelé des règles de composition, suivi des raisons pour lesquelles il faut les oublier afin de développer son style.
7. La lumière avec un grand L ! Un des chapitres les plus utiles pour le débutant photographe qui cherche à comprendre la lumière et savoir comment la gérer au mieux.
8. Le post-traitement Et pour finir, Baptiste n’a pas oublié de considérer la partie développement des images pour peaufiner le travail de prise de vues.

Plus concrètement

Comme vous le voyez, le livre commence par une présentation de la photo Lifestyle, suivie par ce qui fait la base de cette pratique. Viennent ensuite les conseils sur le matériel à utiliser. Ce qui fait ce type de photos est avant tout l’émotion qui s’en dégage. Pour y arriver, il faut parvenir à créer des moments privilégiés centrés sur l’interaction des sujets. C’est ce que Baptiste nous explique dans le quatrième et le cinquième chapitres. Les deux chapitres suivants parle des éléments qui font qu’une photo fonctionne mieux : le cadrage et la composition mais surtout la composante essentielle, la lumière. Enfin, et pour finir, le dernier chapitre parle du post-traitement, une partie indispensable en photographie numérique.

Pourquoi ce livre

Je vous recommande grandement ce livre pour plusieurs raisons. La première raison est que comme son nom l’indique Baptiste nous donne tous ses trucs et astuces. Que ce soit sur le plan du matériel, de la technique et même de sa gestion des modèles, du plus petit au plus grand. Ensuite, toutes ses explications sont illustrées par ses photos, ce qui permet de se faire une meilleure idée et de bien comprendre le message.

Ce que ce livre m’a apporté

Lorsque l’on achète (ou que l’on reçoit) un livre, on souhaite avant tout qu’il nous apporte quelque chose. Souvent, si c’est un roman, il doit simplement nous apporter du plaisir ou de l’évasion. Quand c’est un bouquin qui parle d’un art ou d’une pratique particulière, comme la photographie, on attend qu’il nous fasse avancer dans cette pratique. Personnellement, je lis énormément de livres sur la photographie. Et beaucoup des livres que j’ai découvert ces derniers mois étaient plutôt répétitifs.  Je n’ai pas du tout eu cette impression avec le livre les secrets de la photo Lifestyle. Au contraire, il m’a apporté un autre regard sur cette pratique. Par ailleurs, étant basé sur l’expérience d’un photographe dont le travail se concentre sur le Lifestyle, j’ai aimé voir comment il s’y prend avec des images à l’appui. C’est rassurant de pouvoir se faire une idée du résultat et ça inspire.

Le petit plus

Suite à ma lecture du livre de Baptiste Dulac et au fait que j’ai beaucoup apprécié, j’ai décidé de lui laisser un message pour le féliciter et le remercier pour son livre. Il m’a répondu dans la journée avec quelques encouragements. Comme je l’avais ressenti en lisant ses lignes, il semble être quelqu’un de très humain, humble et abordable. Si j’en ai l’occasion dans le futur, je suivrai l’un ou l’autre de ses workshops.

Se le procurer

Si vous souhaitez lire cet excellent bouquin, dans lequel Baptiste livre tous ses secrets et conseils pour réaliser des photos naturelles et réussies dans le cadre de séances famille ou couple, ou toutes autres d’ailleurs, je vous mets le lien vers la page pour le commander sur Amazon (pas de différence de prix pour l’acheteur).

Et vous, l’avez-vous lu ? Qu’en avez-vous pensé ? Le recommanderiez-vous ? Dites-nous tout en commentaires ci-dessous.

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C’était en 2011 qu’à été diffusée sur la chaîne Arte cette émission en cinq épisodes sur le thème de la photographie. Comme pour la Star Académie à une autre époque ou The Voice plus récemment, le concept de cette émission était de permettre à six jeunes talents d’être coachés pendant une semaine par un grand nom de la photo. Il s’agissait ici d’un photographe qui a souvent fait parlé de lui lors des campagnes publicitaires choc de Benetton, Monsieur Oliviero Toscani. Chaque jour les élèves avaient un défi à relever, le travail était ensuite analysé et commenté pour leur permettre d’apprendre et d’évoluer vers le métier de photographe.

Qui est Toscani

« Aucun détail n’est petit »

Oliviero Toscani est un photographe italien, né en 1942. Il est connu (et reconnu) pour ses photos « choc » ayant servi à différentes campagnes publicitaires de la marque de vêtement Benetton dans les années 90.

Vous devez regarder cette émission

Si vous en avez l’occasion, je vous recommande cette émission. Pas pour le côté téléréalité mais tout simplement parce qu’il y a de nombreuses astuces et la vision de Toscani est parfois percutante. Je pense que la photographie ne se limite pas au fait de posséder un appareil performant, maîtriser une technique ou avoir un œil artistique.

Il y a bien plus, comme amener sa touche personnelle, exprimer sa propre vision du monde. Il me semble que chaque photographe pourra y trouver des éléments intéressants, qui le feront avancer et se remettre en question dans sa pratique de la photographie, quel que soit son niveau.

De mon côté, j’y ai trouvé quelques pépites et réflexions personnelles que je détaillerai plus loin. J’ai entre autre pris quelques coups de pieds aux fesses concernant ma recherche d’identité photographique ou le fait de se faire confiance, de suivre son ressenti et surtout d’oser. Mais je vous explique tout cela plus bas dans l’article.

Pour vous donner une idée, à la question Peut-on tout photographier ? Oliviero Toscani répond : « Voir, ça dérange… c’est d’ailleurs là que le photographe devient intéressant ». Mais aussi « c’est la condition humaine » et « La vie, la mort, l’amour, les grandes questions de l’existence » pour appuyer son idée que le but final de l’art, c’est la condition humaine.

Déroulement

Chaque jour, les participants ont reçu des instructions pour un nouveau challenge. Après une courte discussion et quelques conseils de Oliviero Toscani, ils devaient réaliser une série de photos en un temps assez court. Si les résultats étaient atteints, celles-ci étaient publiées. Je vous mets les liens vers les vidéos à la fin de l’article si vous souhaitez voir ces 5 épisodes de 40 minutes.

1. Le nu

« Ce sont les idiots qui disent que le beau est beau »

Après un rapide tour de table des portfolios de chacun des participants, Oliviero Toscani leur a concocté une première épreuve plutôt conséquente sans expérience : une séance portrait de nu. Le but était de voir de quoi ils étaient capables avec peu de matériel et temps. D’après Toscani, le nu fait partie de la condition humaine, il appartient à tout le monde. Il existe une infinité de façons de regarder, voir un corps humain. Une première épreuve intéressante.

2. Le reportage

« Tout portrait est un auto-portrait« 

Dans le deuxième épisode, les jeunes talents doivent réaliser une reportage photo pour le grand magazine allemand « View ». Ils tirent au sort un professionnel pour lequel ils doivent représenter le métier en images. Toscani mentionne entre autre August Sanders, un photographe de portrait des années 20 pour montrer le fait de refléter sa personnalité à travers ses images. Et chacun des participants ont effectivement leur touche personnelle.

3. Le portrait de mode

« En art, il n’y a pas de démocratie »

Le troisième jour est dédié à la photo de mode. Un couturier, des modèles et un lieu pour représenter « la Parisienne » pour l’affiche du magazine d’Arte. Dans cet épisode on voit également Peter Knapp, grand photographe de mode et directeur artistique du magazine Elle dans les années 60, qui a aidé Toscani à ses débuts. Pour ces deux photographes, il faut imposer son style sans faire de concessions, on ne peut pas plaire à tout le monde. Le photographe a une marge de manœuvre totale, il peut choisir le mannequin, la pose et le décors.

4. La publicité

« Un artiste qui ne choque pas, n’est pas un artiste »

La quatrième épreuve se concentre sur la photographie de publicité, la spécialité de Toscani. Il pose d’ailleurs une grande question dans cet épisode : Quelle est la différence entre la photo de pub, de reportage, de mode,… ? Je vous laisse aller découvrir sa réponse dans la vidéo . Il présente la campagne sur l’anorexie qu’il avait réalisé dans le but de faire passer un message clair : la maigreur n’a rien de glamour contrairement à ce que laissent croire certains magazines féminins.

Pour leur part, les jeunes photographes devront réaliser une série de photos pour une campagne de prévention pour aider les familles d’ados malades psychiquement. Une fois encore, il y a des leçons à tirer de leurs travaux.

5. Une série de photo sur le thème « la beauté »

« Une photo artistique est une photo qui ne sert à rien »

Pour leur dernière mission, les jeunes talents devront réaliser une série de photos sur le thème de la beauté. Ces photos seront exposées dans une galerie d’art parisienne. Le message que Toscani veut à nouveau faire passer lors de cette dernière journée est que toute photo reflète la personnalité du photographe. La première chose est savoir ce qu’est la beauté pour soi et de la représenter en images.

« La beauté peut émerger de choses douloureuses ou difficiles à regarder » c’est ce qu’il appelle la condition humaine. Ce sont des photos qui sont belles et esthétiques mais qui racontent quelque chose. Il termine cette partie par la conclusion que la beauté ça se respire, ça se flaire, elle est partout autour de nous. Un photo est une composition de lignes et volumes qui sont mis ensemble pour faire une image.

Ce que cette émission m’a apporté

Je n’était pas particulièrement attiré par le travail de Toscani à la base. Mais le découvrir plus intimement à travers de cette émission, m’a totalement fait changer d’avis sur lui et sur son travail. C’est quelqu’un d’humain et de généreux. Il a une vision de l’image qui est très professionnelle et il est d’une sensibilité énorme.

Par ailleurs, il y a un grand nombre de petits éléments pratiques et techniques donnés au compte goute tout au long des épisodes. Pour moi, cela permet à tout un chacun qui regarde cette série de prendre les choses dont il a besoin pour avancer et faire évoluer sa pratique et sa vision. Mais le mieux est de s’en rendre compte par soi-même.

J’ai aussi beaucoup aimé la réflexion de Toscani sur le fait d’être soi-même. C’est la seule grande valeur de chacun dit-il. En étant soi-même, on est sûr qu’il n’y a personne comme nous, vu que chacun est unique. Il ajoute qu’il est plus intéressant de voir quelqu’un qui est lui-même plutôt que quelqu’un qui est une bonne copie de quelqu’un d’autre.

Les vidéos

Si comme moi, vous n’avez pas eu la chance de voir cette émission et que ça vous intéresse, je vous propose de voir chacun des 5 épisodes sur Viméo via les liens suivants.

1. Photo For Life – Épisode 1
2. Photo For Life – Épisode 2
3. Photo For Life – Épisode 3
4. Photo For Life – Épisode 4
5. Photo For Life – Épisode 5

Quelques phrases pertinentes du « maître »

« Tout art qui était important a fait scandale »

« Le seul but final de l’art, c’est la condition humaine »

« On écoute le marketing et on fait exactement le contraire »

« La photographie… clac une image et on a tout dit »

« Tu dois faire les photos que tu sens que tu dois faire, tu es responsable de ce que tu fais »

« As-tu vraiment quelque chose à dire ? »

« La caméra n’est pas une machine à traduire les choses »

« Chaque détail d’une photo, un visage, une main,… doit être voulu et calculé »

« Il faut du courage, faire ce que les gens ne veulent pas, c’est ça le sang du photographe.
Tel Che Guevara pendant la révolution »

« Pour raconter une histoire en tant que photographe il faut plus,
il faut raconter une histoire qui est différente des autres histoires »

« Quand on peut regarder avec les yeux, ça signifie qu’on peut photographier, pas besoin d’autres lumières »

« Pas besoin de psy pour savoir qui vous êtes. Regardez la photo d’identité de votre passeport »

« Ce que vous n’aimez pas là dedans c’est justement ce que vous êtes »

Pour conclure, vous l’aurez compris, dans cet article je n’ai pas simplement fait un résumé de cette série télévisée. C’est avant tout un partage de ressenti sur les éléments qui m’ont touchés et fait réagir. Comme je le dit souvent, la photo, c’est un art et la pratique de tout art est en constante évolution. Mais cette évolution n’est pas que technique ou artistique, elle est aussi émotionnelle et personnelle.

J’espère que cet article un peu particulier vous aura plût et qu’il vous aura pousser dans vos retranchements comme je l’ai vécu en regardant l’émission Photo for Life.

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L’artiste

Je suis arrivé sur place sur le coup de 10h et une belle file de personnes était déjà présente, attendant sous un crachin matinal (à la belge) que les portes s’ouvrent. Après presque une heure d’attente et une demi-heure de retard, les portes se sont enfin ouvertes. A l’intérieur, une nouvelle file pour acheter ou présenter son ticket d’entrée. Et une dernière file d’attente pour accéder à la salle où Nikos se trouvait pour la petite séance de dédicaces. Il fallait donc être très patient ! Le chemin et le temps auront été longs du fait d’un passage par petits groupes.

Heureusement, ça en valait la peine ! Nous avons découvert un Nikos, simple et humble parlant de son travail et de sa passion pour la photo. Ce qui fût suivi du moment autographes et selfies tant attendu par certain(e)s . En effet, certaines personnes étaient très probablement venues uniquement pour rencontrer Nikos et le voir quelques secondes.

L’expo photo

L’exposition se compose de 26 photos de l’artiste. Celles-ci ont été tirées en noir et blanc sur alu dibond en grand format (1,50m x 1m). Un point très sympa, les photos sont disposées ça et là dans l’enceinte de l’abbaye, comme vous le verrez sur mes photos un peu plus bas dans cet article. Un très chouette environnement pour une expo en plein air, dommage que la pluie ait été de la partie mais on s’en est accommodé. Concernant les photos en elles-mêmes, quelques photos de mains, sujet qui semble attirer particulièrement le photographe. Il l’a d’ailleurs confirmé lors de son petit speech d’introduction. Les autres photos sont des portraits de sujets aux visages marqués par le temps.

Mes impressions sur l’expo photo

Pour ma part, trois d’entre elles (seulement) ont plus particulièrement attiré mon attention. La première est une photo de portrait dont le sujet tient une loupe devant son visage. Pour la deuxième, c’est celle d’un vieil homme au volant d’une voiture. Quant à la dernière, une cavalière et son cheval traversant un point d’eau. Vous pouvez les voir ci-dessous dans ma petite série de photos de l’expo. Une expo un peu limite je trouve, surtout par rapport à la publicité faite autour de l’évènement. Une expo à voir malgré tout si vous en avez l’occasion, ne fût-ce que pour l’originalité de la mise en scène et le magnifique cadre de l’abbaye de Villers-la-ville.

Quelques photos

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Pourquoi se rendre au Festival Photo Nature AVES de Namur

Ce dimanche 24 Septembre je me suis donc déplacé à Namur. J’y allais principalement pour voir Thomas Meunier et son travail que j’ai découvert et qui me plaît énormément. Ce qu’il fait correspond à ce que j’aime dans la photo animalière et de nature. Mais, j’y allais aussi pour voir à quoi pouvait bien ressemble ce genre d’évènement que je ne connaissais pas vraiment, et je n’ai pas été déçu. C’est un chouette festival qui regroupe un grand nombre de photographes exposants, une quarantaine pour cette édition 2017. Ils viennent de Belgique mais aussi de France, d’Angleterre ou d’Allemagne et ils ont tous une approche et des styles bien à eux, ce qui est super intéressant et enrichissant.

Ce que j’ai aimé

Il y avait de la variété, tant dans les styles que dans les sujets ou les régions photographiés. Certaines photos m’ont fait rêver, d’autres m’ont inspiré ou donné envie de m’essayer à la photo nature. Par ailleurs, la plupart des photographes proposent des workshops, stages ou voyages photos pour partager leur expérience et leurs connaissances ce qui est plutôt sympa une fois qu’on veut s’essayer à la photo animalière. En effet, apprendre ou se perfectionner avec un photographe qui réalise des photos qui nous plaisent est une belle opportunité. Enfin, au delà des exposants, la configuration du festival est originale, vu qu’il faut se déplacer au cœur du « vieux » Namur pour se rendre aux différents lieux d’exposition. Cela laisse une chance de découvrir cette magnifique ville de Namur et ses nombreuses ruelles.

Ce que je n’ai pas aimé

Je regrette un peu le manque d’information sur une majorité de clichés. Car, connaître les conditions de prise de vue, les lieux et éventuellement une brève description liée à la photo permet au visiteur de mieux la cerner et la situer. Certaines photos comportaient malgré tout quelques-unes de ces informations.

Mes découvertes

Thomas Meunier (Belgique)

Je connaissais déjà un peu son travail même si c’est assez récent. J’aime beaucoup sont approche minimaliste de la photo nature, des couleurs douces et des contrastes plus forts qui me parlent. Sans parler de son côté naturaliste et protecteur de notre belle nature.

Fabien Bruggmann (France)

De très belles images d’animaux dans la neige, mais j’ai particulièrement aimé sa série sur les loups liée à son ouvrage « Eliott et les loups« . 

Alexandre Deschaumes

Des images de montagnes bluffantes et à couper le souffle dans une atmosphère tout à fait particulière… à voir ! 

Laurent Ballesta & Vincent Munier (France)

Des photos extraordinaires de leur projet en Antarctique « Adélie-Terre & Mer« , juste Wouaw !!!  

Rendez-vous l’année prochaine pour une nouvelle édition. J’espère que cet article vous a plu et vous donnera envie de visiter des expositions photos. N’hésitez pas à me donner vos avis en commentaire ci-dessous.

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