Un grand nombre de personnes pense que pour réussir ses photos il faut “juste” maîtriser la technique et connaître tous les réglages de son appareil. C’est en partie vrai ! Mais ils oublient la composition… Reconnaître une belle image, la trouver agréable à regarder, presque tout le monde peut le faire. Par contre, peu d’entre elles peut expliquer les raisons pour lesquelles elles aiment telle photo ou trouve telle autre image à leur goût. Le secret, c’est la composition !

Comme je vous l’annonçais dans l’article précédent sur l’intérêt de la composition en photographie, je vous propose une série de trois (ou quatre) articles sur le thème de la composition. Dans ce premier article, nous allons commencer par des principes simples et faciles à mettre en place mais qui feront évoluer significativement la qualité “visuelle” de vos photos. Pour aiguiser votre regard, en plus de mettre en pratique les 7 principes suivants, je vous conseille de regarder attentivement les photos que vous admirez. Ou celles des photographes que vous appréciez ou suivez le plus. Soyez attentif au choix du cadrage, à la façon dont le sujet est placé, si certains éléments inclus dans l’image apportent un plus ou auraient pu être évités.

Ces 7 principes de composition pour bien démarrer sont mise en bouche…  Il n’est bien sûr pas nécessaire de les appliquer pour chaque photo, ni tous en même temps. Et surtout, comme toutes les règles en photographie, elles peuvent être prises à contre pied. N’hésitez donc pas à les utiliser autrement pour obtenir des résultats plus originaux… vous restez le chef ! 😉

1. Cadrage

Le cadrage est la zone que vous allez définir et à l’intérieur de laquelle vous allez placer votre sujet, son environnement, les éléments qui renforceront le message que vous souhaitez exprimer. Horizontal, vertical, diagonal, large ou serré le choix du cadrage appartient au photographe…  En général, le type de cadrage se choisi en fonction de sujet photographié.  Un sujet vertical sera cadré verticalement alors que pour un paysage on optera pour un cadrage horizontal. Mais ce n’est pas obligatoire… le cadrage horizontal se rapprochant de la vision humaine, une image en mode paysage présentera un côté plus naturel pour le lecteur.

Dans ce cadrage, j’ai choisi d’inclure le terrain pour donner le contexte, et les personnes pour avoir une idée de l’ambiance. Je souhaitais illustrer une scène de vie plutôt que de cadrer uniquement le joueur, en mode portrait. Photo Florent Letertre

De même, on peut volontairement choisir de se rapprocher de son sujet pour mettre en évidence l’une ou l’autre de ses caractéristiques. Ou au contraire, réaliser un cadrage dans lequel le sujet est plus lointain ou plus petit de manière à laisser le lecteur prendre le temps de le découvrir. C’est donc une question de choix, mais aussi de style. Si vous souhaitez approfondir cette notion, n’hésitez pas à aller lire l’article complet sur le cadrage.

2. Remplir le Cadre

Bien que ce ne soit pas vraiment naturel pour tout le monde, remplir le cadre permet de donner plus d’impact à vos images. Surtout lorsque les images sont petites comme dans un magazine ou dans un article sur internet. En effet, des sujets tout petits, perdus au beau milieu d’une image n’auront pas vraiment autant d’effet que s’ils prenaient les 3/4 voir la totalité du cadre. Doit-on pour autant toujours cadrer serré ? Évidemment NON ! Il est important de pouvoir doser et laisser le sujet “respirer”. Un peu d’espace autour du sujet lui donnera un peu de liberté. Il sera moins collé au bord.

Ici lors d’une séance portrait, la modèle est plutôt loin et un peu perdu dans le décor. Photo Florent Letertre

Un cadrage plus serré lui donne plus d’importance tout en accrochant l’œil du lecteur. Le décors tant à disparaître. Photo Florent Letertre

En remplissant le cadre, on ne voit plus que le visage du sujet et l’œil est attiré par des détails comme les yeux et les lèvres. Photo Florent Letertre

Bien sûr, si vous voulez mettre en avant un élément particulier ou un détail de votre sujet, vous cadrerez très, très serré. A l’inverse, si vous préférez mettre le sujet dans un contexte ou montrer l’ambiance au moment de la prise de vue, un cadrage plus large sera plus adapté.

3. Règle des Tiers

Ce principe consiste à diviser l’image en trois parties égales, horizontalement et verticalement. Les lignes qui en résulte (en rouge dans l’image ci-dessous) sont appelées lignes de force. Placer votre sujet au plus près de ces lignes, ou mieux encore, de leurs intersections (points forts) et vous aurez des images qui accrochent.

Ici le coquelicot est placé sur une ligne de force verticale et l’horizon sur une ligne de force horizontale. Photo Florent Letertre

La règle des tiers est une des règles de composition élémentaires. La plupart des photographes débutants place leur sujet au centre de l’image. Nous sommes tous passés par là 🙂 . Malheureusement, cette façon de faire est loin d’être la plus efficace pour obtenir des images percutantes. Les images obtenues seraient même plutôt ennuyeuses. Mais essayez de décaler votre sujet légèrement sur la droite ou sur la gauche en respectant la règle des tiers et vous aurez directement des résultats plus intéressants.

4. Mouvement vers l’Intérieur du Cadre

Lorsque vous photographiez un objet en mouvement ou une action, laissez suffisamment d’espace dans la direction vers laquelle l’objet se dirige. On dit qu’on positionne le mouvement vers l’intérieur de l’image. Il en va de même pour le portrait d’une personne ou d’un animal. Il faut laisser le plus grand espace dans la direction du regard. Cela permet de laisser de la place aux lignes imaginaires que représentent le regard ou le mouvement alors que faire le contraire amènerait à laisser une grande zone vide “inutile” à l’arrière.

Dans cet exemple, le regard et le mouvement de la patineuse se dirigent tous les deux vers la gauche (représentés ici par des flèches jaunes). J’ai donc laissé plus d’espace de ce côté de l’image.
Photo Florent Letertre

Dans le cadre de ce portrait, le modèle regarde vers la droite. Raison de l’espace laissé de ce côté. Ici l’espace est comblé par la répétition de rectangles du grillage.
Photo Florent Letertre

Ce principe est applicable à la plupart des photographies de sport. Photo Florent Letertre

5. Profondeur de Champ

En jouant avec l’Ouverture, vous faites varier la profondeur de champs, aussi appelée zone de netteté. En augmentant ou en réduisant la zone de netteté, vous choisissez d’inclure ou d’exclure les éléments de l’environnement de votre sujet. Vous pouvez donc décider des parties de l’image qui seront nettes et celles qui seront floues. Comme pour la règle des tiers, ce principe de composition permet de mettre en évidence votre sujet par rapport à son environnement.

Les trois exemples ci-dessous montrent des photos prises à grande ouverture, réglage qui produit une faible profondeur de champ. La zone de netteté étant réduite, le sujet est bien visible et mis en avant.

Photo Aaron Burden

Photo Lee Campbell

Alliances Photo Florent Letertre

6. Point de Vue

Pour le Point de Vue, il est souvent recommandé de se mettre à la hauteur de son sujet. C’est le cas avec les enfants par exemple. Les photographier à hauteur d’œil (adulte) leur donne une position de soumission. Dans ces cas-là, ils ont l’air petits et écrasés. sans parler de l’arrière-plan qui sera assez proche et visible. On dit alors de s’abaisser à leur hauteur pour des photos plus agréables et plus naturelles. Vous pouvez bien sûr adapter cette règle à n’importe quel sujet.

Pour cette photo prise pendant les préparatifs de la mariée, je me suis abaissé pour cadrer sa témoin en train d’aider sa maman à fermer la robe. Photo Florent Letertre

Il y a toujours des exceptions aux principes de composition, ce qui veut dire que vous pouvez volontairement prendre votre sujet en plongée (de plus haut) ou en contre-plongée (de plus bas) pour exprimer ce sentiment de soumission ou de dominance. Évidemment, dans le cas du principe pris à contre-pied, le fait de prendre des photos autrement qu’à hauteur du sujet sera un choix délibéré lié à un choix artistique comme le montre les quatre exemples ci-dessous.

Photo Haley Lawrence

Photo Hanna Morris

Portrait d’été. Photo Florent Letertre

He loves me. Photo Florent Letertre

7. Simplicité

Aaaaah la simplicité… c’est un des maîtres-mots en photographie. Si vous voulez faire des photos qui claquent, qu’on a envie de regarder longtemps, pensez à favoriser la simplicité. Plus il y aura de sujets ou d’éléments dans votre image, plus vos lecteurs seront perdus. Ils chercheront le sens de votre travail et se lasseront de le regarder. Optez pour un sujet unique (voire deux maximum) dans la majorité des cas et faites en sorte de mettre en évidence par tous les moyens. Comme le flou ou le contraste qui vous y aideront. Veillez malgré tout à réduire tout ce qui peut perturber la lecture ou attirer l’œil.

Photo Liset Verhaar

Photo Samuel Zeller

North Sea. Photo Florent Letertre

Conclusion

Pour cette première série de sept principes de composition, je vous ai donné les plus courants et les plus faciles à mettre en œuvre lorsque l’on débute. En vous familiarisant avec eux et en les mettant en pratique le plus souvent possible, vous parviendrez déjà à améliorer considérablement vos photos. Vous pouvez appliquer ces principes séparément mais vous pouvez également les cumuler pour plus de succès. Retenez que les principes de composition ne sont pas à prendre au millimètre. Leur application dépendra de la situation, du sujet et surtout ce que le photographe veut montrer ou exprimer. Dans la prochaine série, nous verrons 7 autres principes fondamentaux de la composition, pour vous faire passer au niveau supérieur.

Et vous quels sont les principes de composition que vous utilisez le plus dans vos photos ? Donnez-moi votre avis en commentaire ci-dessous. Si vous avez aimé cet article ou découvert des informations intéressantes, n’hésitez pas à liker et partager cet article avec vos amis photographes.

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