Par ailleurs, aimer et vouloir systématiquement obtenir des photos plus claires (ou plus foncées) peut être un choix purement artistique, un style ou même être en lien direct avec votre identité visuelle. Nous parlerons donc de photo « mal exposée » lorsqu’elle sera vraiment trop claire ou trop foncée. C’est-à-dire quand certains détails du sujet ou de la situation photographiés seront perdus dans les zones claires (surexposition) ou dans les zones foncées (sous-exposition).

Dans l’exemple ci-dessus, la partie centrale est « idéalement » exposée et représente ce que l’appareil photo pourrait donner par défaut en mode automatique. C’est ce qui s’apparente à une exposition standard. Les deux autres parties, sont soit légèrement surexposée (à gauche), soit légèrement sous-exposée (à droite). Cependant, on constate que tout est visible et qu’il n’y a pas de perte d’information ou de détails. On voit encore bien la texture des nuages, même s’ils sont très clairs. On a des détails dans les ombres qui ne sont pas « bouchées ». Par contre, si on va au-delà en surexposant plus, on perdra les détails présents dans les nuages (zones claires ou hautes lumières). De même, si on sous-expose plus encore, on perdra les détails dans les arbres et la montagne (zones sombres ou ombres).

Qu’est-ce que c’est l’exposition ?

L’exposition est le procédé par lequel l’appareil photo capte la quantité de lumière « idéale » lorsque le photographe crée son image. Ce qui reproduit au mieux l’ambiance lumineuse présente au moment de la prise de vue. En effet, si la quantité de lumière qui arrive sur le capteur à un moment donné est trop importante ou si la durée pendant laquelle la lumière atteint ce même capteur est trop longue, nous obtiendrons une image trop claire ou « surexposée » .

Si au contraire, le capteur reçoit une quantité de lumière insuffisante ou si le temps de pose (vitesse d’obturation) est trop court, nous aurons une photo sombre ou « sous-exposée » . Afin de mesurer la quantité de lumière, les appareils sont équipés d’un posemètre intégré. C’est un outil qui permet de déterminer l’indice de lumination et de donner les informations d’exposition au photographe.

Comment l’obtenir ?

L’exposition est basée sur la mesure de la lumière et ses différents modes. Elle est régie par trois éléments principaux qui travaillent ensemble pour déterminer la quantité de lumière atteignant le capteur. Ces trois paramètres sont l’ouverture du diaphragme, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO. On les retrouve à travers le triangle d’exposition que je vous explique un peu plus loin.

En gros, pour obtenir une bonne exposition, il est faut régler ces différents paramètres au moment de la prise de vue. De manière à accumuler la bonne quantité de lumière, avant de déclencher. Ces paramètres étant interdépendants, ils ont une influence les uns sur les autres. Notez également qu’ils ont également chacun leurs propres effets et caractéristiques comme le montre l’image ci-dessous. Ces trois paramètres sont détaillés dans les articles dédiées du blog.

Résumé

Pour résumer ces différents effets, l’ouverture du diaphragme joue sur la profondeur de champ. La vitesse d’obturation sur le mouvement, flou ou figé. Et la sensibilité ISO sur l’apparition ou non de bruit numérique. Plus l’ouverture du diaphragme sera grande (petite valeur) et plus la zone de netteté sera étroite. Créant du flou à l’arrière plan et à l’avant plan, alors que si elle est petite (grande valeur), elle sera plus étendue et tout sera net. Pour la vitesse d’obturation, plus elle sera élevée, plus on pourra figer un sujet en mouvement. Enfin, pour la sensibilité, plus sa valeur sera grande et plus on aura de risque d’avoir une forte pixellisation dans l’image (le bruit numérique).

Le Triangle d’exposition

Pour mieux comprendre la notion d’exposition, rien de tel que d’analyser le triangle d’exposition. L’image ci-dessous donne un aperçu des rendus (extrêmes) obtenus suivant le réglage choisi. Le triangle d’exposition est un concept fondamental en photographie. On parle de triangle car il représente l’interaction entre les trois paramètres qui déterminent l’exposition d’une photo. A savoir, l’ouverture, la vitesse d’obturation et l’ISO. Ces trois éléments sont interconnectés, et leur combinaison détermine la quantité de lumière qui atteint le capteur de l’appareil photo.

L’importance de l’histogramme

L’histogramme, ce graphique que vous pouvez voir sur l’écran de votre appareil photo. Il représente la répartition des tonalités dans l’image peut vous aider à évaluer si l’exposition de l’image est correcte. Un histogramme équilibré montre une image bien exposée. Si la majorité des tons sont trop à gauche (zones sombres), ça vous informe que l’image est sous-exposée. Si l’histogramme est tiré vers la droite (zones claires), c’est que votre photo est surexposée.

Conseils pour maîtriser l’exposition

Pour terminer, gardez à l’esprit que pour maîtriser l’exposition la meilleure chose à faire est de pratiquer constamment. Une des clés est de faire des essais et même de se tromper pour comprendre plus rapidement comment chaque paramètre (ouverture, vitesse, ISO) affecte l’image. Une autre méthode pour apprendre et comprendre pleinement l’exposition est d’utiliser le mode manuel. Ne vous fiez pas uniquement aux modes (semi-)automatiques.

En espérant avoir pu vous aider à éclaircir cette notion de base capitale. Vous l’avez compris, elle est nécessaire à la compréhension et à la pratique de la photographie. Si ce n’était pas le cas, laissez-moi un petit mot ou une question en commentaire, ci-dessous.

L’article Qu’est-ce qu’une bonne exposition en photographie et comment l’obtenir est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Cette semaine, lors d’un des ateliers photo que j’anime, la question est remontée. Comme nous préparons une exposition, forcément les questions de la taille d’impression, de la résolution et de la valeur PPI se sont reposées. « Mais jusqu’à quelle taille peut-on imprimer nos photos sans qu’elles soient floues ? ». Et il y a eu une certaine confusion, avec au final l’impossibilité de répondre de manière précise. J’ai donc décidé de me replonger dans la compréhension de cette notion et par la même occasion de vous l’expliquer le plus clairement possible. Alors, si vous voulez simplement comprendre ce que cachent ces fameux « PPI », « DPI » et autres termes barbares, cet article va vous y aider. Je vais tout expliquer, sans jargon inutile, et avec des exemples concrets. Alors, let’s go !

1. Rappel Définition et résolution, rappel

Avant d’aborder le sujet principal de cet article, à savoir les PPI, commençons par rappeler les notions de définition et de résolution d’une image. ces deux notions sont souvent confondues ou utilisées dans les mauvaises situtations.

La définition d’une image

C’est la quantité de pixels disponible pour une image. C’est-à-dire la quantité de détails qu’une image peut afficher, généralement mesurée en termes de dimensions (largeur x hauteur) en pixels. Une photo de 3000px par 2000px a une définition de 6 millions de pixels ou 6 MégaPixels. Une autre de 6000px par 4000px a une définition de 24 million de pixels ou 24 MégaPixels. La définition décrit donc la taille numérique de l’image. Plus une image a de pixels, plus elle est détaillée et peut être agrandie sans perte de qualité. Elle peut être liée à la taille du capteur, avant recadrage.

La résolution d’une image numérique

La résolution, elle, représente la densité de pixels par unité de longueur. En termes simples, cela décrit combien de pixels sont concentrés dans un espace donné (en général, un pouce ou un centimètre). La résolution est exprimée en Pixels Per Inch (PPI) ou Pixels Par Pouce (PPP). La résolution définit à quel point une image imprimée (ou affichée) sera nette. Plus la résolution est importante et donc le PPI est élevé, plus l’image est précise et détaillée lorsqu’elle est imprimée (ou affichée).

La résolution d’un écran

En photographie numérique, il est également important de considérer l’écran. Tout comme l’image numérique, la qualité d’un écran est définie par sa résolution maximale. Selon la taille de l’écran, l’utilisateur peut choisir sa résolution. Plus celle-ci est importante, plus il y aura de détails dans l’image, comme le montre l’exemple ci-dessous (cliquez à droite pour faire passer les images du diaporama).

Comme je l’ai dit, les deux termes, sont étroitement liés, mais la définition fait référence à la quantité totale de pixels, tandis que la résolution indique la manière dont ces pixels sont répartis, affichés ou imprimés en fonction d’une certaine dimension.

2. Pixel, PPI, DPI… on fait le tri !

Lorsque l’on parle d’images numériques, on entend souvent parler de Pixels. Mais parfois aussi de ses dérivés, tant en français qu’en anglais. Si c’est pour imprimer, ce sera les « Pixels Per Inch » (PPI) ou « Pixels Par Pouce » (PPP) et les « Dots Per Inch » (DPI) ou « Points Par Pouce » (aussi PPP d’ailleurs, vive la confusion), ou encore les « Pixels Par Centimètre » (PPCM) comme nous l’avons vu juste avant. Et il y a vraiment de quoi s’y perdre ! Mais clarifions un peu tout ça ensemble.

Pixels

Ce sont les petits carrés (ou points) de couleur qui composent une image numérique. Plus il y a de pixels, plus l’image contient de détails et plus vous pouvez imprimer grand. Le nombre de pixels permet de connaître la définition de l’image, comme nous l’avons vu plus haut. Par exemple, une photo de 4000 x 3000 pixels contient 12 millions de pixels, soit 12 mégapixels.

PPI « Pixels Per Inch (ou PPP « Pixels Par Pouce » en français)

C’est l’unité de mesure de la résolution d’une image. On parle aussi de densité de pixels par pouce, c’est-à-dire combien de pixels sont contenus dans 1 pouce (2,54 cm). Plus le chiffre est élevé, plus les pixels sont serrés, et plus l’image paraît nette à l’œil. Surtout lorsqu’on la regarde de près, que ce soit sur écran ou sur papier.

Quelques repères simples
– 300 PPI pour des photos de qualité professionnelle (album, cadre, exposition, regard plus proche)
– 240 PPI pour des photos de très bonne qualité, observées d’un peu plus loin
– 150 PPI souvent suffisant pour les grands formats vus à distance

DPI « Dots Per Inch » (ou PPP « Points Par Pouce » en français)

Ce terme est principalement utilisé dans le contexte de l’impression. Il décrit la densité des points d’encre qu’une imprimante peut appliquer sur un pouce carré de papier. Il est donc essentiel pour comprendre la qualité de l’impression d’une image. Lorsque vous imprimez une photo, une affiche, ou tout autre document d’image, le DPI détermine la quantité de détails que l’imprimante peut reproduire.

Plus le DPI est élevé, plus les détails sont précis, et donc l’image imprimée sera nette. C’est particulièrement important pour les impressions photos professionnelles, où des détails fins doivent être rendus avec fidélité. Pour les impressions de grande taille (comme des bâches, des affiches publicitaires, ou des panneaux d’exposition), un DPI plus bas (souvent autour de 100 à 150 DPI) peut suffire. Cela est dû au fait que ces images seront vues de plus loin, et la perception de la qualité visuelle dépend moins de la densité des points.

Comme vous l’avez sans doute constaté, en français, ces deux notions ont la même abréviation. Donc, pour réduire la confusion, dans cet article, je n’utilise que les termes anglais. Alors, à ce stade, ce qu’il faut retenir et qui nous intéresse vraiment, c’est le PPI, car c’est lui qui va déterminer la qualité de l’image lorsqu’elle est affichée ou imprimée.

3. Doit-on utiliser les centimètres ou les pouces ?

Personnellement, j’ai choisi de présenter cette notion avec les termes anglais pour réduire la confusion possible. Cela implique aussi d’utiliser les pouces au lieu des centimètres. Mais on peut évidemment parler en centimètres plutôt qu’en pouces si on le souhaite… et heureusement ! D’ailleurs, selon l’imprimeur que vous choisirez, il y a de grandes chances pour qu’il travaille en centimètres. À ce moment-là, il suffit de convertir les pouces en centimètres à la fin de vos calculs. Et notez aussi que dans ce cas, on utilise le terme PPCM au lieu de PPI.

Il faut savoir que 1 pouce (ou inch) = 2,54 cm

Donc, si on décide d’imprimer avec une résolution de 300 PPI (pixels par inch), cela correspond à 300 ÷ 2,54 ≈ 118,11 PPCM (pixels par centimètre).

Et inversement, si on connait le nombre de pixels par centimètre : 118,11 PPCM × 2,54 = 300 PPI (Pixels Par Inch)

4. Taille d’impression, Pixels et PPI ?

Pour vous aider à y voir plus clair en terme de taille d’impression, imaginons que nous ayons une image de 3000 x 2000 pixels. Et que l’on se pose la question de savoir si c’est suffisant pour imprimer une photo au format A4 ? Eh bien la réponse est simple… tout dépend du PPI que vous choisissez ! Il existe une formule simple pour calculer et déterminer la taille d’impression d’une photo numérique sur papier.

La formule magique :

Exemple :

• Si on a une image de 3000 pixels de large
• Et qu’on veut l’imprimer en 300 PPI

Donc :

• 3000 / 300 = 10 inches (ou pouces), soit 2,54 cm de large

Si on souhaite imprimer plus grand, il faudra soit baisser les PPI (et donc perdre un peu en qualité), soit utiliser une image de plus grande définition (un plus grand nombre de pixels).

5. Quelle valeur de PPI faut-il choisir ?

Vient alors la question de savoir quelle valeur PPI utiliser quand vous voulez l’imprimer. Et tout dépend de ce qu’on veut faire avec notre image, et surtout de la distance à laquelle elle sera regardée.

Voici une grille simple à retenir

Règle d’or : plus l’image sera regardée de près, plus il faut un PPI élevé. C’est le cas, par exemple, des photos papier d’exposition ou des livres photo.

Quelques exemples

6. La clé souvent oubliée : la distance de vision

Au-delà de la taille, ce qui est important pour déterminer la résolution d’une image, c’est la distance à laquelle elle va être regardée. Imaginez une photo de 40 x 60 cm affichée en expo. On ne va pas coller notre nez dessus. On la regarde depuis une distance d’environ 1 mètre à 1 mètre cinquante. Et c’est là que la magie opère : plus vous regardez de loin, moins vous avez besoin d’un nombre faramineux de pixels par pouce pour percevoir une image nette. Bien sûr, la distance de visionnage peut être calculée pour chaque format ou taille de photo.

Une règle toute simple :

Distance de vision idéale = 1,5 à 2x la diagonale de l’image

Donc, pour une affiche de 40 x 60 cm (à peu près 72 cm de diagonale), idéalement, il faudrait la regarder à 1,1 à 1,5 m. Dans ce cas, 200 PPI est largement suffisant. Et si votre photo est propre et bien traitée, 150 PPI peuvent même faire l’affaire.

7. Comment vérifier ou changer le PPI de son image ?

Il est possible de voir ou de modifier le PPI d’une image avec la plupart des logiciels d’image. Mais voyons deux exemples particuliers avec deux des logiciels les plus populaires.

Avec Photoshop :

• Image > Taille de l’image (Ctrl + Alt + i)
• Là, vous pouvez voir les dimensions en pixels, la résolution (en PPI), et la taille d’impression.

NOTE :
Cochez « rééchantillonner » permet de maintenir la résolution lorsque agrandissez l’image ou augmentez le nombre de pixels. Photoshop rajoute des pixels pour garder la résolution et la qualité de l’image

Avec Lightroom :

• Quand vous exportez une image pour imprimer, vous pouvez choisir la résolution d’exportation. La valeur peut être modifiée selon l’utilisation que vous allez en faire. (par défaut : 240 ou 300 PPI pour une impression papier).

8. Cas pratiques

Bon, je vous l’accorde, pas mal de calculs et d’explications techniques jusque là… du coup j’espère que je ne vous ai pas perdu ? Si c’est le cas, rassurez-vous, je vais maintenant vous donner des cas concrets pour que vous puissiez vous faire une meilleure idée et surtout l’appliquer à vos besoins quand vous voulez imprimer vos photos.

Cas n°1 : Pour l’impression d’un tirage 30 x 20 cm

Distance d’observation : 1,5x à 2x la diagonale, soit de 54cm à 72cm

À 300 PPI, il faudra avoir :

• Largeur = 30 cm → 30 ÷ 2,54 × 300 ≈ 3543 pixels
• Hauteur = 20 cm → 20 ÷ 2,54 × 300 ≈ 2362 pixels

Donc, vous devriez utiliser une photo de 3500 x 2300 pixels minimum pour être à l’aise.

Cas n°2 : Pour l’impression d’un tirage 60 x 40 cm

Distance d’observation : 1,5x à 2x la diagonale, soit 72cm à 144cm

À 300 PPI, il faudra avoir :

• Largeur = 60 cm → 60 ÷ 2,54 × 300 ≈ 7086 pixels
• Hauteur = 40 cm → 40 ÷ 2,54 × 300 ≈ 4724 pixels

Donc, vous devriez utiliser une photo de 7000 x 4666 pixels minimum pour être à l’aise.

À 200 PPI, il faudra avoir :

• Largeur = 60 cm → 60 ÷ 2,54 × 200 ≈ 4725 pixels
• Hauteur = 40 cm → 40 ÷ 2,54 × 200 ≈ 3150 pixels

Donc, vous devriez utiliser une photo de 4700 x 3133 pixels minimum pour être à l’aise.

Cas n°3 : Pour la publication sur un blog photo

Pour le web, 72 à 150 PPP suffisent. Ce qui compte dans ce cas, c’est plus la largeur en pixels (ex : 1200 px pour le corps du blog, 2048 px max pour un affichage plein écran). On peut donc redimensionner nos images pour alléger les fichiers sans perte de qualité visuelle à l’écran.

Petit bonus : outils utiles

• Calculateur en ligne PPI <> taille d’impression et le nombre de pixels de l’image
• Un analyseur de qualité d’image en ligne
• Un exemple de service d’impression en ligne qui prévient si la résolution est trop faible

En résumé

La résolution d’image, exprimée en pixels et PPI (pixels par pouce), joue un rôle crucial dans la qualité d’affichage ou d’impression de vos photos. Les pixels représentent les éléments de base d’une image numérique, et plus une image en contient, plus elle offre de détails. Le PPI détermine la densité des pixels dans un pouce linéaire, ce qui influence directement la netteté de l’image lorsqu’elle est imprimée ou affichée à l’écran. Par exemple, une image à 300 PPI est idéale pour des impressions de haute qualité, tandis que des images à 150 PPI ou 72 PPI conviennent mieux pour des impressions plus grandes ou des affichages à plus grandes distances.

En effet, la taille d’impression d’une image dépend directement du nombre de pixels qu’elle contient et de son PPI. Une image de 3000 x 2000 pixels, imprimée à 300 PPI, donnera une taille d’impression nette de 10 x 6,67 pouces (environ 25 x 16 cm). Si cette même image est imprimée à 150 PPI, sa taille d’impression peut doubler, mais la qualité visuelle en pâtira légèrement. Comprendre cette relation permet de préparer des images adaptées, que ce soit pour le web, une présentation, ou des tirages papier, en garantissant une qualité optimale à chaque utilisation.

• Les pixels déterminent la taille et les détails de l’image.
• Le PPI détermine comment ces pixels seront répartis à l’écran ou sur le papier.
• Pour une impression haute qualité, obtez plutôt pour 300 PPI.
• Pour le web ou l’affichage de loin, on peut descendre jusqu’à 150, voire 72 PPI sans souci.
• Toujours vérifier avant d’imprimer que l’image a une résolution suffisante pour le format choisi.

Et vous ?

Vous êtes-vous déjà fait surprendre par une impression floue ? Vous souhaitez partager vos réglages préférés pour le web ou pour le tirage ? Dites-moi tout en commentaire ci-dessous !

L’article Pixel, PPI, DPI,… tout ce qu’il faut savoir pour imprimer ses photos sans perte de qualité est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Le ressenti que l’on a en regardant une photo est très souvent influencé par l’effet que la lumière va créer sur certaines parties de l’image. Une zone peut être très sombre alors qu’une autre est très claire. Ce qui permet en général au lecteur d’être attiré par les éléments mis en évidence par ce rendu et si le sujet est placé dans une de ces zones. De même, il y a des photos d’une douceur extrême qui nous transmettent une émotion par leur seule ambiance… Si vous ne l’avez pas encore compris, c’est bien du contraste dont je vais vous parler ici.

Le contraste est un élément fondamental de la photographie. Il joue un rôle crucial dans la création d’images visuellement saisissantes et expressives. Le comprendre, découvrir ses variantes et ses applications est essentiel pour les photographes de tous niveaux. Je vous propose de voir de quoi il retourne.

Définition

Pour commencer, je vous donne une définition très générale de la notion de contraste. Pour vous permettre de mieux comprendre ce qui va suivre. Les différents dictionnaires que j’ai consulté disent la même chose pour définir le contraste : “Opposition de deux choses, dont l’une fait ressortir l’autre”. Ce qui signifie que par leur différence, ces deux choses sont renforcées l’une par l’autre. Pour simplifier, il faut comprendre que deux éléments pris individuellement ont moins d’importance que lorsqu’ils sont associés. C’est donc quand on les met ensemble pour qu’ils prennent toute leur importance.

En photographie, le contraste fait souvent et avant tout référence à la différence entre les tons clairs et les tons foncés dans une image. Il est déterminé par la variation de luminosité entre les parties lumineuses et les parties sombres de la photo. Il joue un rôle essentiel dans la création d’images dynamiques et intéressantes. Car il peut mettre en valeur les détails, créer une atmosphère particulière et ajouter de la profondeur à une image.

Bien sûr, vous allez le voir, ce n’est pas le seul genre de contraste qu’on peut rencontrer en photographie. En effet, il en existe plusieurs types dont je vous parle ci-dessous. Par exemple, une couleur peut en faire ressortir une autre ou  se renforcer grâce à une autre. De même, un certain sujet peut totalement contraster avec un autre dans une même image.

Les différents types de contraste

Comme je vous l’ai annoncé, il existe plusieurs types de contraste en photographie. Dont le contraste tonal et le contraste de couleur qui sont les plus connus. Le premier est celui que la plupart des gens connaissent d’instinct mais les deux ont autant d’importance. Tout comme les autres types, plus subtils ou plus complexes, que l’on peut utiliser en photographie. Voyons en détail chacun d’eux.

1. Contraste tonal (ou de luminosité)

Il se réfère à la différence de luminosité et de tons entre les parties claires et les parties sombres de l’image. Une photo avec un fort contraste tonal aura des zones très lumineuses et des zones très sombres avec peu de nuances intermédiaires. Alors qu’une image moins contrastée aura de nombreuses nuances de gris mais pas de zones très claires et très foncées comme le montre l’exemple-ce dessous.

2. Contraste de couleur

En dehors du contraste tonal, il est également possible d’avoir une photo contrastée grâce aux combinaisons de couleurs d’une image. Par exemple, une image avec des couleurs complémentaires comme le bleu et l’orange ou le jaune aura un contraste de couleur fort et accrocheur. Le bleu renforçant le jaune et inversement. De même, un sujet coloré ressortira facilement dans une scène monochrome, une autre manière de faire contraster les couleurs.

3. Contraste de texture

Pour aller plus loin, le photographe peut aussi créer un contraste grâce à la différence de texture entre différentes surfaces dans l’image. Par exemple, une forte différence de texture entre une surface rugueuse et une surface lisse crée un intérêt visuel. Un éclairage directionnel permet d’accentuer les contrastes de texture. Celui-ci crée des ombres et des reflets mettant en valeur la texture des surfaces.

4. Contraste de taille

Le contraste de taille se manifeste lorsque des objets de tailles différentes sont placés dans la même image. Par exemple, un petit objet placé à côté d’un plus grand crée un contraste de taille. Ce choix peut être utilisé pour attirer l’attention sur un élément spécifique de l’image ou pour créer un sens de l’échelle ou d’immensité.

5. Contraste de forme

Ce contraste se produit lorsque des formes distinctes ou opposées sont mises en relation dans une même image. Contrairement à d’autres types de contrastes qui se concentrent sur les variations de luminosité, de couleur ou de texture, le contraste de forme met en évidence les différences dans les lignes et les contours des éléments présents dans la composition photographique. Par exemple, cercle et carré, courbes et angles droits, formes naturelles et formes artificielles, contraste entre le plein et le vide,…

On optera pour l’utilisation de ce type de contraste si on souhaite ajouter de la dynamique et de l’intérêt visuel à une photographie ou renforcer le sujet de l’image. Mais également pour évoquer des concepts ou des émotions, en exploitant les associations symboliques des différentes formes. En jouant avec les formes et en les juxtaposant de manière créative, le photographe peut créer des images expressives et captivantes qui maintiennent l’attention du spectateur.

6. Contraste d’idées (ou de sujets)

C’est un contraste qui utilise la juxtaposition d’idées, de concepts ou de thèmes opposés au sein d’une même image. Contrairement aux autres types de contraste qui se concentrent principalement sur des éléments visuels tels que la luminosité, la couleur ou la texture, le contraste d’idée repose sur la signification symbolique ou narrative des éléments de l’image. Par exemple, jeunesse et vieillesse, richesse et pauvreté, urbanisation et nature, captivité et liberté, guerre et paix,…

Le contraste d’idées peut être très puissant car il invite le lecteur à réfléchir et à interpréter les implications symboliques de ce qu’il voit. On peut utiliser ce type de contraste pour transmettre des messages sociaux, politiques ou émotionnels profonds. Il peut créer une tension narrative ou conceptuelle qui stimule l’imagination et l’engagement du lecteur. En maîtrisant le contraste d’idée, le photographe peut créer des images qui vont au-delà de la simple esthétique pour susciter une réflexion plus profonde sur le monde qui nous entoure.

Importance du contraste

Quel que soit le type de contraste, il joue un rôle fondamental en photographie. Car il contribue à donner de la profondeur, de la dimension et de l’intérêt visuel à une image. En contrôlant les contrastes, le photographe peut influencer la perception et l’émotion du lecteur. Les contrastes de luminosité, de couleur, de forme, de texture et d’idée offrent une variété d’outils pour créer des compositions visuellement dynamiques et captivantes.

Un contraste tonal fort peut produire des images dramatiques et saisissantes, tandis qu’un contraste plus doux peut apporter une atmosphère plus subtile ou plus calme. Le contraste de couleur, lui, peut ajouter de la vivacité et de la richesse à une photo, tandis que le contraste de forme peut créer des compositions géométriquement intéressantes.

En manipulant les différents contrastes, le photographe peut diriger l’attention du lecteur là où il le souhaite dans l’image, vers des éléments spécifiques et créer des hiérarchies visuelles. De plus, on peut utiliser le contraste, sous toutes ses formes, pour transmettre des messages symboliques, explorer des thèmes ou encore raconter des histoires.

En résumé, les contrastes sont essentiels pour créer des photographies captivantes et significatives, car ils permettent de jouer avec la lumière, la couleur et la forme pour susciter des émotions, des réflexions et des réactions chez les lecteurs.

Ajustement du contraste tonal

Un avantage avec le contraste tonal, c’est qu’il est possible de l’ajuster. Il existe différentes manières de le faire, que ce soit lors de la prise de vue ou pendant le post-traitement. Certaines sont plus faciles que d’autres ou dépendent des conditions de prise de vue. Voyons-les ensemble…

• Contraste naturel
  La lumière naturelle et les conditions météorologiques peuvent fortement l’influencer. Par exemple, une lumière directe et vive peut créer un contraste plus marqué entre les zones ombragées et éclairées, alors qu’un ciel couvert génère une lumière diffuse et des ombres douces donnant un faible contraste.
   
• Contrôle de l’exposition
  En ajustant l’exposition de l’appareil photo, vous pouvez également influencer le contraste de l’image. Une exposition plus longue peut créer des tons plus doux et réduire le contraste, tandis qu’une exposition plus courte peut accentuer les différences entre les zones claires et sombres.
   
• Utilisation de la lumière
  Vous pouvez manipuler les ombres et les reflets pour créer des contrastes dramatiques ou subtils, en utilisant des sources de lumière artificielle ou en déplaçant la source de lumière naturelle.
   
• Post-traitement
  Les logiciels de post-traitement comme Lightroom ou Darktable offrent des outils pour ajuster le contraste après la prise de vue. Vous pouvez augmenter ou diminuer le contraste, ajuster les courbes tonales et modifier la saturation des couleurs pour obtenir l’effet désiré.

En résumé, le contraste est un élément clé pour créer des images qui fonctionnent et qui capteront l’attention du lecteur. En comprenant comment manipuler le contraste, le photographe peut donner vie à sa vision artistique et capturer des moments mémorables de manière plus puissante.

L’article Tout savoir sur le contraste pour le maîtriser et créer des photos aux compositions captivantes est apparu en premier sur initiationphoto.com.

L’indice de lumination c’est quoi

L’indice de lumination (IL), qu’il ne faut pas confondre avec la luminance de la scène, est une manière de mesurer la luminosité de la scène photographiée, caractérisée par un couple temps de pose / ouverture du diaphragme. Il est donc possible d’utiliser différents couples pour obtenir une même exposition de la surface sensible (capteur ou film). On l’appelle aussi souvent « EV » (pour Exposure Value en anglais) ou encore « stop » et même parfois « f-stop » ou « diaph » qui correspond aux ouvertures de diaphragme.

L’information importante et qu’il faut retenir de cette notion est que lorsque la quantité de lumière atteignant le capteur est doublée, l’indice de lumination augmente d’une unité, soit +1 IL. Si au contraire, la quantité de lumière est divisée par deux, l’indice de lumination diminue d’une unité, soit -1 IL.

La table des IL

Voici une table qui montre les IL selon différentes vitesses d’obturation et ouvertures de diaphragme. On voit que pour un même indice de lumination (couleurs) on peut avoir différentes combinaisons ouverture/vitesse. Par exemple f/2 – 1/125s et f/8 – 1/8s pour 9 IL.

Vous me direz sans doute que c’est bien de savoir ça mais après qu’est-ce qu’on en fait ? Eh bien, je vais vous le dire, mais voyons d’abord comment les paramètres du triangle d’exposition influence l’indice de lumination.

La sensibilité ISO

Vous le savez sans doute si vous avez déjà lu l’article sur la sensibilité ISO (ou toute autre source parlant de cette notion), chaque augmentation de la valeur ISO (de 200 à 400 ISO, par exemple) rend le capteur deux fois plus réactif, ce qui correspond à doubler la quantité de lumière captée. On a alors une augmentation de l’indice de lumination d’une valeur (+1 IL).

Concrètement, si on passe de 100 ISO à 200 ISO, on aura +1 IL. Si on passe de 400 ISO à 1600 ISO, on aura +2 IL. Et si on passe de 800 ISO à 100 ISO, on aura -3 IL.

La vitesse d’obturation

La vitesse d’obturation c’est le temps pendant lequel on expose le capteur à la lumière. Du coup, de la même manière, doubler la vitesse d’obturation, double la quantité de lumière qui atteint le capteur de l’appareil et on compense donc de +1 IL. En pratique, si on passe de 1/250s à 1/125s, le temps de pose est plus long et on augmente de +1 IL. Si on passe de 4s à 1s, il est raccourci et on diminue de -2 IL. Et si on passe de 1/60s à 1/8s, là encore on rallonge le temps de pose ce qui fait qu’on augmente de l’exposition +3 IL.

Sur certains appareils, plus haut de gamme ou plus professionnels, les vitesses d’obturation peuvent être divisées en deux ou en trois. En général, on aura alors des incréments de 0.3 IL pour des expositions plus précises. On peut avoir +1.3 IL ou -2.6 IL par exemple.

L’ouverture du diaphragme

Bien que très similaire, c’est un peu plus compliqué avec l’ouverture. En effet, la division et les valeurs sont moins logiques et donc moins instinctives. Par exemple, passer de f/2 à f/4 ne divise pas la quantité de lumière par deux mais bien par quatre. Je vous explique ça !

Comme je le dis quand je parle de l’ouverture, la première chose qui n’est pas instinctive est que plus la valeur est petite, plus l’ouverture du diaphragme est grande, et donc plus la quantité de lumière qui touche le capteur est importante. Pour bien comprendre comment évolue l’indice de lumination avec l’ouverture, il faut bien connaître l’échelle des valeurs normalisées.

f/1  –  f/1.4  –  f/2  –  f/2.8  –  f/4  –  f/5.6  –  f/8  –  f/11  –  f/16  –  f/22  –  f/32

On double la quantité de lumière et on augmente de +1 IL à chaque saut de valeur d’ouverture. Par, exemple, si on passe de f/2 à f/2.8 on diminue de -1 IL, si on passe de f/22 à f/5.6 on augmente de +4 IL et si on passe de f/5.6 à f/2.8 on augmente de +2 IL.

L’indice de lumination à quoi ça sert

Dans un premier temps, il faut avouer que l’utilité principale se trouve surtout lorsqu’on photographie en mode Manuel (M). Il permet en effet de pouvoir faire varier l’un ou l’autre paramètre de prise de vue tout en gardant une exposition constante. Par exemple, si on veut intentionnellement faire varier la vitesse pour créer un flou de mouvement ou encore réduire la profondeur de champ pour faire ressortir le sujet.

Réduire la zone de netteté

Imaginons que vous vous apprêtiez à faire une photo correctement exposée à f/8, 400 ISO au 1/250s mais que vous souhaitiez diminuer la profondeur de champ et ouvrant le diaphragme à f/2. Soit vous faites plusieurs essais avec des réglages différents pour vous assurer de conserver la même exposition mais ça risque de prendre du temps, ou alors vous faites appel à vos connaissances sur l’indice de lumination.

Considérant que les réglages initiaux correspondent à 0 IL, on va pouvoir déterminer le nombre d’IL entre les deux valeurs d’ouverture et choisir entre les différentes combinaisons possibles. Entre f/8 et f/2, on a un décalage de +4 IL. On peut donc choisir l’une des options suivantes :

• f/2  –  400 ISO  –  1/4000s
• f/2  –  200 ISO  –  1/2000s
• f/2  –  100 ISO  –  1/1000s

Générer du flou de mouvement

Pour cette deuxième situation, imaginez que vous soyez en rue et que vous vouliez photographier une patineuse qui passe près de vous. Les premiers réglages vous indiquent f/8, 400 ISO et 1/125s. Cette vitesse va clairement figer votre sujet mais vous voulez transmettre le ressenti de mouvement et créant du flou (de mouvement). Vous devez pour cela réduire la vitesse d’obturation.

En utilisant l’indice de lumination, vous pourrez rapidement quels réglages modifier pour réussir votre image avant que le sujet soit à l’autre bout de la rue. On aura par exemple la possibilité entre ces quelques possibilités :

• 1/30s  – 400 ISO –  f/16
• 1/8s  –  200 ISO  –  f/22
• 1/2s  –  50 ISO  –  f/22

Utilisation du flash

On peut également utiliser l’indice de lumination lorsqu’on photographie au flash. La puissance du flash propose généralement différentes valeurs possibles de 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/16, 1/32 et 1/64. Comme pour les vitesses et la sensibilité, chaque changement de valeur de puissance génère une variation de 1 IL. Par exemple, passer de 1/4 à 1/16 crée une diminution de -2 IL.

Donc si photographiez une scène à f/4, 200 ISO et 1/125s et que vous faites varier la source de lumière (ici le flash) en doublant sa valeur de 1/32 à 1/16, vous aurez le choix de réglages suivants :

• f/4  –  100 ISO  –  1/125s
• f/4  –  200 ISO  –  1/250s
• f/5.6  –  200 ISO  –  1/125s

La compensation d’exposition

Il existe encore une situation où l’indice de lumination peut être utile. C’est lorsqu’on souhaite compenser l’exposition. Cette fonction s’utilise avec les modes semi-automatiques tels que la priorité à l’ouverture (A/Av), la priorité vitesse (S/Tv) et le mode programme (P). Avec ces modes, l’appareil calcule lui-même automatiquement l’exposition. Mais selon le niveau de contraste et la répartition des zones claires et foncées, il arrive qu’il se trompe et propose une photo surexposée ou sous-exposée. Dans ce cas, la compensation d’exposition, dont l’échelle s’étend de +3 IL à -3 IL, sera très utile pour corriger l’exposition proposée par l’appareil.

Si vous trouvez que systématiquement vos photos sont trop claires ou trop sombres, il se peut que votre appareil surexpose ou sous-expose par défaut. Dans ce cas, n’hésitez pas à régler la compensation d’exposition sur une valeur d’IL qui vous convienne.

Conclusion

Même si avec les appareils photo numérique et leur technologie, il n’est pas nécessaire de connaître tous les aspects de l’indice de lumination et d’en maîtriser toute la théorie, savoir de quoi il s’agit peut être d’une grande aide dans certaines situations. Entre la compensation d’exposition et le choix rapide des meilleurs réglages, vous gagnerez en précision et en gestion de votre appareil à la prise de vue. En espérant que cet article vous aura au moins permis de découvrir cette notion et qui sait peut-être donné l’envie de l’utiliser.

L’article Qu’est-ce que l’indice de lumination (ou IL, EV, stop, diaph) ce qu’il faut savoir pour le comprendre et l’utiliser au mieux est apparu en premier sur initiationphoto.com.

La diffraction qu’est-ce que c’est

La diffraction est un phénomène optique qui altère la qualité d’une image, ou plus précisément sa netteté. En effet, lorsque la lumière traverse un orifice de petite taille, tel que le diaphragme d’un objectif, elle se diffuse légèrement. La direction des rayons de lumière se déplaçant normalement de manière rectiligne, celle-ci est légèrement modifiée en passant à travers le petit trou disponible. Les rayons se déplacent alors de manière conique, comme nous le montre l’image ci-dessous.

La diffraction est un phénomène qui concerne tous les objectifs, même les plus coûteux. Cependant, la manière dont il affecte l’image peut être quelque peu différente d’un objectif à l’autre. Cependant, de manière générale, la diffraction est souvent présente lorsqu’on utilise des petites ouvertures de diaphragme, de l’ordre de f/16, f/22, voir f/32.

Faut-il se soucier de la diffraction ?

Même si certain types de flou peuvent fonctionner dans une image lorsqu’il sont volontaires et bien gérés, la netteté reste un des critères importants pour une photo réussie. Et c’est particulièrement le cas en photographie de paysage où on cherche un maximum de netteté sur l’ensemble de l’image. D’ailleurs, c’est dans cette pratique qu’on aura le plus tendance à fermer le diaphragme pour obtenir une profondeur de champ maximale.

Mais qui dit diaphragme trop fermé, dit apparition de la diffraction. Donc, oui, il faut prendre en compte la diffraction. D’autant plus, si les photos sont destinées à être plus que des photos souvenir. Et plus encore, si vous souhaitez en faire de beaux tirages d’art en grand format. Par contre, de mon point de vue, il ne faut pas non plus devenir parano… savoir que la diffraction existe et savoir comment l’éviter ou la limiter est déjà une très bonne chose.

Petite comparaison en images

Ci-dessous, je vous ai mis trois photos d’une code barre pris dans les mêmes conditions. Ce qui a changé, c’est la valeur d’ouverture qui passe de f/1.8 (pleine ouverture) à f/5.6 et à f/16 (plus petite ouverture). On constate dans cet exemple, qu’on a le maximum de détails et de netteté à f/5.6. Je vous ai mis la version recadrée pour mieux voir la différence, car elle est légère mais bien visible. (Vous pouvez aussi cliquer sur le chiffre dans la photo pour l’afficher en grand).

En recadrant un peu

Et le type de capteur dans tout ça

Il faut savoir que tous les capteurs ne réagissent pas de la même manière à la diffraction. Plus le capteur sera grand, moins il y aura de risque de diffraction. Cependant, il faut aussi noter que plus la résolution de ce capteur sera importante, plus il sera sujet à la diffraction. C’est une des raisons pour lesquelles, on trouve sur le marché un grand nombre de boîtiers pro plein format (24×36) avec des résolutions plus faibles, autour de 20 à 24M pixels.

Concrètement, prenons l’exemple des deux premiers hybrides développés par Nikon, le Z6 et le Z7. Ce sont deux boîtiers plein format relativement identiques, si ce n’est que le Z6 a 24,3 Megapixels et le Z7 45,6 Megapixels. Dans ce cas précis, le Z7 sera plus sensible à la diffraction que le Z6.

Comment l’éviter

A ce stade (si vous avez lu tout l’article jusqu’ici), vous en savez plus sur la diffraction et sur ce qui la cause. Du coup, vous aimeriez sans doute savoir comment l’éviter ou la supprimer. Malheureusement, la mauvaise nouvelle, c’est que la diffraction est un phénomène qu’on ne peut pas éviter. Et cela quelque soit la qualité de votre objectif. Même les objectifs professionnels n’y échappent pas. La seule chose à faire c’est de réduire les situations où elle apparaît en ne fermant pas votre diaphragme de manière excessive comme je l’ai expliqué plus haut.

Vous l’aurez compris, on peut tenter de l’éviter mais on ne peut pas la corriger. Il est donc important de connaître la valeur au-delà de laquelle ne pas aller. En général, c’est f/16 qu’il ne faut pas dépasser. Ensuite, si on doit fermer le diaphragme en raison d’une quantité de lumière trop importante, le mieux est de favoriser les filtres ND. De cette façon, on peut continuer de photographier à l’ouverture qui offre la meilleure netteté tout en limitant les trop fortes lumières.

Pour résumer

Il n’est jamais bon d’utiliser un objectif dans ses valeurs d’ouverture maximales, que ce soit les plus ouvertes ou les plus fermées. A pleine ouverture, on aura une légère perte de netteté et d’autres risques de défauts comme les aberrations chromatiques. Tout comme le risque de diffraction lorsqu’il sera fermé à ses plus grandes valeurs. Donc, pour garantir un maximum de netteté sans connaître son matériel, il est courant d’utiliser un objectif au moins deux valeurs « entières » en dessous de l’ouverture maximale. Et de la même manière, au moins deux valeurs « entières » au-dessus de la plus petite ouverture. En général, un objectif donne le meilleur entre f/5.6 et f/8.

L’article Qu’est-ce que la diffraction, ses causes et comment l’éviter ou la corriger est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Je vais vous expliquer en détails et de manière simple tout ce qui concerne l’aberration chromatique. Et comme rien ne vaut les images, je vous mets quelques exemples dont un plus concret.

L’aberration chromatique, c’est quoi ?

C’est une distorsion de la couleur qui crée un contour coloré non désiré à certaines parties du sujet photographié. Elle est d’ailleurs aussi connue sous le nom de franges de couleur. Et elle se voit le plus souvent entre des éléments clairs et sombres dans les zones à fort contraste.

Pour aller un peu plus loin, c’est un défaut optique produisant une série de mises au point différentes en fonction de la longueur d’onde. Cela engendre une image floue dont les contours s’apparentent à des franges colorées. En effet, suite à la décomposition de la lumière blanche, plusieurs bandes de couleurs peuvent apparaître sur les bords de certains sujets. 

Vous l’avez sans doute compris, en photographie, l’aberration chromatique peut être une cause de dégradation de la qualité d’une image. On essaiera donc de l’éviter ou de la corriger au développement.

Cause de l’aberration chromatique

L’aberration chromatique est due à la variation de l’indice de réfraction du matériau qui compose les lentilles en fonction de la longueur d’onde de la lumière les traversant. Ce qui est également appelé « dispersion » du verre. De ce fait, la distance focale dépend de la longueur d’onde, ce qui fait que la mise au point ne peut plus être effectuée de la même manière pour les différentes couleurs du spectre lumineux.

Autrement dit, ces différentes longueurs d’onde de la lumière traversent les lentilles de l’objectif à des vitesses différentes, ce qui ne permet pas de focaliser chaque teinte sur le même plan (le capteur) en fonction de l’objectif utilisé. Concrètement, si la mise au point est faite pour le rouge, le bleu sera flou. Donc, pour la photo d’un sujet blanc, on observera l’apparition de franges dans le bleu-jaune. Dans d’autres cas, ces franges peuvent être rouge-vert ou magenta-violet.

L’aberration chromatique peut être de deux types. Soit longitudinale quand les couleurs sont focalisées à des distances différentes. Soit transversale quand les couleurs sont focalisées à différents endroits du plan focal, le grossissement d’une lentille pouvant également varier avec la longueur d’onde.

Comment la corriger

Le problème de l’aberration chromatique est connu depuis longtemps dans le domaine de l’optique. Ce phénomène existait déjà à l’époque de l’argentique et les fabricants d’objectifs utilisaient différentes solutions pour corriger ses effets néfastes. Dans certains cas, en utilisant des verres optiques de très haute qualité, pour réduire la dispersion chromatique. Parfois, en ajoutant un filtre qui ne laisse passer qu’une bande spectrale étroite. Ou encore utilisant un montage de lentilles en « doublet », appelé achromat et qui corrige directement la réfraction excessive. 

En photographie numérique, c’est un défaut qui est également très présent en fonction du type d’objectifs et de leur qualité. Il est donc possible de prévenir l’aberration chromatique en utilisant des objectifs de haute qualité. De fait, les objectifs de meilleure qualité sont très souvent équipés de dispositifs intégrés pour corriger les aberrations chromatiques.

Avant qu’elles ne se produisent…

Malgré tout, il y a des situations connues qui produisent plus fréquemment ces aberrations. Il s’agit de l’utilisation d’objectifs grand-angle et l’utilisation des (très) grandes ouvertures du diaphragme.  Donc, pour éviter cette distorsion des couleurs, favorisez un diaphragme pas trop ouvert, soit des valeurs supérieures à f/1.8. Surtout avec des objectifs de moindre qualité. En général, à partir de f/5.6, il y a beaucoup moins de chance de voir apparaître ces franges de couleur. Si vous aimez les grandes ouvertures, essayez de compenser la perte de lumière réduisant la vitesse d’obturation ou en augmentant la sensibilité ISO. Ou pourquoi pas, en utilisant un flash.

En utilisant des longueurs focales plus courtes, par exemple, 16mm, 18mm ou 24mm, c’est l’extrémité de la lentille frontale qui capte les rayons lumineux. Ce qui favorise l’apparition des franges de couleur. Vous pouvez dès lors utiliser les longueurs focales intermédiaires. Par exemple, avec un objectif de kit 18-55mm, favorisez des longueurs focales autour de 30mm. Vous réduirez fortement vos chances de voir les aberrations chromatiques s’inviter sur vos images.

… et même après !

A cela vient s’ajouter la possibilité de corriger le tir en post-traitement, grâce aux logiciels de traitement d’image. Il faut cependant favoriser l’utilisation du format RAW pour profiter de toutes les possibilités du logiciel sans dégrader la qualité de l’image.

Avec Lightroom, ça se fait de manière assez simple. Dans l’outil correction de l’objectif, il y a une case « supprimer l’aberration chromatique » qui fait disparaître les franges de couleur. Il est aussi possible de le faire manuellement en utilisant la pipette et de la positionner sur la zone d’aberration chromatique. Comme le montre l’exemple ci-dessous.

Exemple concret

J’espère que cet article vous a permis de comprendre ce qu’est l’aberration chromatique. Et surtout comment la prévenir ou la supprimer en post-traitement. N’hésitez pas à me laisser votre avis sur cet article dans les commentaires ci-dessous.

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Taille et définition d’une image

La notion de taille s’utilise essentiellement pour une image physique et imprimée, un tirage, un cadre alors que la notion de définition est dédiée à l’image numérique. Les photos papier peuvent avoir différentes tailles, en centimètres, dont les plus courantes 10×15, 20×30, 40×50,… mais tout est possible. Par contre, les images numériques elles, ont une définition. Celles-ci sont de fait « définies » par le nombre de pixels du grand côté multiplié par le nombre de pixels du petit côté.

Par exemple, comme l’image ci-dessous le montre, si vous avez une photo de 6000px de large par 4000px de haut, on dit que sa définition est de 6000 x 4000px ou de 24 000 000px, soit 24 millions de pixels ou 24MP. La définition correspond en général à la taille du capteur si la photo n’a pas été recadrée. C’était d’ailleurs souvent ce sur quoi les vendeurs appuyaient pour nous convaincre d’acheter tel ou tel appareil photo. Si l’image est recadrée, vous pourriez avoir pour une photo une résolution de 12 000 000px, alors qu’elle a été prise avec ce même capteur de 24MP. En effet, il suffit que vous ayez recadré cette image à 4000px par 3000px en post-traitement. Dans ce cas, sa résolution ne sera plus que de 12MP.

Le poids d’une image

Son poids correspond à la mémoire ou l’espace qu’elle prendra sur votre support de stockage. C’est-à-dire la carte de votre appareil photo, une clé USB ou un disque dur. Mais comment connaître le poids d’une photo ? C’est assez simple… Je vous explique ça sans trop rentrer dans les détails techniques. Comme vous le savez sans doute déjà, une photo numérique est composée de pixels. Les pixels sont ces points de l’image qui contiennent un certain nombre d’information appelés octets et qui sont codés en binaire (1 et 0). Ces informations sont basées sur la lumière, les couleurs,… Du coup, plus la définition est importante, plus il y a de pixels et plus le fichier généré sera lourd.

En général, le mode de codage le plus utilisé est le Rouge-Vert-Bleu (RVB), ce qui signifie que les pixels sont codés sur trois octets. Donc pour connaître le poids brut théorique d’une photo, on multiplie sa définition par 3. Par exemple : si on prend une photo de 24 000 000px (capteur de 24MP), en la multipliant par 3, elle aurait un poids brut théorique (maximal) de 72Mo (prononcé MégaOctets). Ce poids concerne évidemment un fichier brut (RAW), qui n’est absolument pas compressé. Une fois traitée et exportée en JPEG, la photo sera plus ou moins compressée et donc plus légère.

Et pour l’impression

Lorsque l’on cherche à imprimer ses photos, on parlera de résolution. La résolution est une information qui est uniquement utilisée lors de l’impression des images numériques. En effet, la résolution permet de déterminer la taille maximale de l’image « imprimée » à partir de la définition de l’image numérique.

La résolution, c’est la densité de pixels linéaire, soit un nombre de points sur une longueur donnée de l’image. La résolution d’une image est donc exprimée en « Pixels Per Inch » (PPI) ou « Pixels Par Pouce » (PPP) en français. Ce qui veut dire, que plus il y aura de Pixels Par Pouce dans une image, plus il y aura d’information. Et plus celle-ci sera nette, précise et riche en détails. Il y a aussi les « Dots Per Inch » (DPI). Ceux-ci concernent uniquement l’imprimante puisqu’il s’agit du nombre de points d’encre envoyés par celle-ci lors de l’impression et qui déterminera également la netteté et les détails de l’image papier. J’en parlerai dans un autre article.

Petit calcul

Il existe un calcul simple pour connaître la taille maximale de l’impression en fonction de la définition d’une photo numérique. Si une photo de très bonne qualité suffit, on divise sa définition par 30. Si vous préférez viser la haute définition (HD), il faut diviser par 60. En divisant le nombre de pixels des côtés de vos images, vous obtenez la dimension maximale en centimètres. Comme le montre l’exemple ci-dessous.

Selon qu’on souhaite une image de bonne qualité ou en haute définition, on divise la définition de l’image par 30 ou 60.

Souvent on recommande d’utiliser 300ppp mais il a été admis que 250ppp suffisent pour une impression de qualité. D’ailleurs, si le tirage est prévu pour être regarder de plus loin (au moins 1 mètre), 150ppp seront suffisants. Notez également que la résolution d’une image n’a aucun impact sur le poids du fichier.

En espérant que cet article est clair et que ces trois notions n’auront plus de secret pour vous. Et qu’il vous donnera l’envie de développer vos photos pour les rendre vivantes

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Vous souhaitez savoir une bonne fois pour toute comment le type de capteur impacte vos images ? Alors, allons-y !

Qu’est-ce qu’un capteur plein format, un appareil APS-C et un appareil Micro 4/3 ?

Le capteur est le composant de l’appareil photo qui capture les images. Il emmagasine la lumière pour ensuite la convertir en données image. Il existe sur le marché différents types d’appareils qui proposent des capteurs de tailles diverses. C’est la différence fondamentale entre les appareils plein format, APS-C et Micro 4/3.

Les appareils plein format possèdent un capteur de taille équivalente à la pellicule argentique 35mm (24mm x 36mm). C’est la taille de capteur la plus grande disponible sur le marché tout publique. Il existe en effet des appareils moyen format numériques, qui sont encore plus grand mais ils sont plutôt destinés au marché des professionnels, donc, je n’en parle pas plus ici.

Nous avons d’un autre côté, les appareil APS-C qui eux ont un plus petit capteur. Leurs spécificités dépendent de la marque mais la taille du capteur tourne en général autour de 16m x 24mm. Soit environ 1/3 plus petit.

Enfin, nous avons les appareils Micro 4/3, qui ont, eux, des capteurs Micro 4/3. Et qui sont encore plus petits, avoisinant les 13 mm x 17,3mm. Maintenant, à part les dimensions physiques, il y a de nombreuses différences importantes entre ces trois types de capteurs. Voyons ensemble les facteurs touchés par les tailles de capteur. A commencer par :

Le facteur de recadrage ou « crop factor »

Prenons la focale standard de 50mm montée sur un appareil plein format. Lorsque vous appuyez sur le déclencheur, il capture une image à 50mm. C’est logique n’est-ce pas ? Un objectif de 50mm capture une image de 50mm. C’est simple. Mais que se passe-t-il si vous montez ce même objectif de 50mm sur un appareil APS-C ? Prendra-t-il réellement une image de 50mm ? La réponse est non.

À partir du moment où le capteur APS-C est plus petit qu’un capteur plein format, le capteur « recadre » ce format standard. Cela vous donne une image qui semble avoir été recadrée ou zoomée, comme si vous aviez pris une photo avec un objectif de 75mm plutôt qu’un objectif de 50mm. Ne soyez pas troublé. L’effet produit est similaire au fait de prendre une photo avec un objectif de 50mm, puis de rentrer chez vous et de recadrer votre photo sur votre ordinateur. Vous aurez un cliché plus serré, comme si vous l’aviez pris avec une plus grande longueur focale.

Standard et crop factor par l’exemple

Et c’est ce que signifie le terme « crop factor ». Il fait référence aux différents effets de recadrage créés par les différentes tailles de capteur. Le capteur plein format est considéré comme étant le standard, il n’a pas de coefficient de recadrage. Ensuite, vient le capteur APS-C, plus petit, qui a un coefficient de recadrage de 1,5 fois (sur les appareils Nikon et Sony) ou 1,6 fois (sur les appareils Canon). On a enfin, le capteur Micro 4/3, encore plus petit, qui recadre encore plus fort, environ 2 fois. Comme je l’ai expliqué plus haut, le coefficient de recadrage affecte votre champ de vision. Comme le montre la série d’image ci-dessous :

L’image de gauche a été prise avec un appareil photo plein format. Si vous appliquez le facteur de recadrage APS-C, vous avez une image plus serrée (au centre). Utilisez un appareil Micro 4/3 et vous aurez un résultat encore plus serré (l’image de droite). C’est comme si vous aviez utilisé des objectifs de longueurs focales différentes.

Capteur et longueur focale

Un facteur de recadrage a un effet prévisible sur la longueur focale de votre objectif. Comme je l’ai mentionné plus haut, la mesure de la longueur focale d’un objectif donné est basé sur le format standard du film 35mm argentique. Dès lors, un appareil photo APS-C (ou un Micro 4/3) réduit les bords du cadre et vous vous retrouvez avec une longueur focale « effective » qui correspond directement à la longueur focale originale multipliée par le facteur de recadrage.

Par exemple, un appareil photo à petit capteur (APS-C) tel que le Nikon D5600 possède un facteur de recadrage de 1,5 fois. Donc, si je monte un objectif de 35mm sur ce Nikon D5600, il multipliera la longueur focale par 1,5. Ce qui donnera une longueur focale effective d’environ 52,5mm. Mais si vous montez ce même objectif sur un boîtier Nikon plein format comme le D750, il gardera se longueur focale « réelle » de 35mm.

De la même manière, si vous montez un objectif de 35mm sur un appareil Micro 4/3 qui a un facteur de recadrage de 2 fois, il doublera la longueur focale effective, soit environ 70mm.

Capteur et profondeur de champ

Comme pour la longueur focale, un facteur multiplicateur est appliqué à l’ouverture lorsqu’on utilise des appareils APS-C ou Micro 4/3, par rapport aux standards des appareils plein format. L’ouverture (ou f-stop) est un des nombreux facteurs déterminant de la profondeur de champ.

Donc, un appareil Micro 4/3 nous donne plus de profondeur de champ, ou zone de netteté en comparaison avec un appareil plein format, en considérant qu’on utilise la même longueur focale sur les deux types d’appareil. De même avec les appareils APS-C en comparaison avec les appareils plein format, vous aurez plus de profondeur de champ en utilisant l’appareil APS-C à longueur focale équivalente.

Par exemple, une image prise à f/1.8 sur un appareil Micro 4/3 donne une ouverture effective à une image prise à f/3.6 sur un appareil plein format et à f/2.7 sur un appareil APS-C. Cela en considérant que la longueur focale effective et les autres paramètres de prise de vue restent les mêmes.

La taille de l’appareil photo

Les capteurs plein format sont plus grands que les capteurs APS-C et Micro 4/3. Donc, vous l’imaginez bien, les appareil à capteur plein format ont tendance a être plus volumineux et plus lourds que leurs homologues à capteurs APS-C et Micro 4/3.

Pour certains photographes, cela n’aura pas tellement d’importance. Si vous photographiez en studio tous les jours, un plus petit appareil type Micro 4/3 n’offrira pas un réel avantage. Mais si vous êtes un photographe de voyage qui a besoin d’un équipement aussi léger et compact que possible, un boîtier Micro 4/3 est une option fantastique.

De plus, les appareils APS-C et Micro 4/3 sont plus pratiques. Vous pouvez les porter autour du cou ou les garder dans un sac à dos toute une journée sans avoir l’impression de transporter une brique.

Capteur et performances en basse lumière

Généralement, les appareils plein format possèdent des performances en basse lumière et en haute sensibilité ISO supérieures. Cela résulte dans des images de bien meilleures qualité en comparaison avec les appareils APS-C et Micro 4/3. Mais pourquoi les appareils plein format se comportent-ils mieux en basse lumière ?

Tout simplement, parce qu’en ayant de plus grands capteurs, ils sont capables de capturer plus de lumière que les appareils à plus petits capteurs. Ce qui minimise également le bruit parasite sur les images. Par exemple, les appareils photo Micro 4/3 ne se comportent pas très bien dans les environnements de basse lumière, où il faut augmenter la sensibilité ISO, disons au-dessus de 1600 ISO.

Notez qu’un appareil plein format offre également une meilleure plage dynamique, ce qui vous permet de capturer plus de détails dans une seule image. Pour toutes ces raisons, même si les appareils plein format peuvent être plus chers , plus volumineux et ennuyeux à emporter partout, ils sont encore le standard de l’industrie et le choix préféré de la plupart des travaux photographiques professionnels.

Plein format ou APS-C ou Micro 4/3, conclusion !

Maintenant que vous avez terminé cet article, vous devriez (je l’espère) avoir compris les différences entre ces trois types de capteur et pourquoi vous devriez en choisir un plutôt qu’un autre.

Rappelez-vous surtout que chacun d’entre eux, le plein format, l’APS-C et le Micro 4/3 sont tout à fait capable de capturer de superbes photos. Alors, ne vous préoccupez pas trop de ces différences, choisissez l’appareil qui vous convient et faites-vous plaisir…

A vous maintenant ! Avez-vous un type de capteur favori ? Lequel des trois utilisez-vous le plus souvent ? Et pourquoi ? Laissez-moi vos avis et commentaires ci-dessous.

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La lumière

Si vous avez lu mon premier article sur la lumière, vous avez déjà acquis une bonne base sur les divers éléments qui la constituent, dont la lumière du jour. Vous avez également appris le vocabulaire spécifique, ce qui est indispensable. Pour savoir définir et comprendre ce qu’est un contraste ou une valeur de gris. Et d’être conscient de l’angle de la lumière et des noms associés (frontale, latérale, contre-jour,…). Tout cela est utile à chaque fois qu’on réalise une image ou que l’on veut l’expliquer ou la défendre.

Par ailleurs, comme dans tout domaine, il est important de parler le bon langage pour se faire comprendre. Il est maintenant temps de voir que pour exercer votre œil, il est indispensable de bouger… vos pieds . Blague à part, c’est une réalité que malheureusement trop de photographes ignorent ou ne mettent pas en pratique. D’ailleurs quand on demande à René Burri ce qui fait un beau cliché, il répond :

« Un mariage de réalité et d’émotion bien cadré. Pour faire une bonne photo,
il faut se servir de sa tête, de son œil, de son cœur et surtout de ses pieds ! »
René Burri

Le photographe et son espace

Le photographe est comme un danseur (ou une danseuse) avec un appareil photo ! Mais pourquoi cette étrange analogie ?

Tout simplement pour vous faire prendre conscience de l’importance de bouger ses pieds durant tout le processus photographique. En effet, imaginons un photographe d’1m90 qui a les deux pieds attachés. Il prendra continuellement ses images à environs 1m75 du sol, la hauteur de son regard. Et toujours du même endroit et dans la même direction, sans nuance d’angle ou de point de vue. Autant dire, qu’à ce prix-là, fixer l’appareil à un poteau vous donnera le même résultat (ou presque).

Revenons à la lumière, vous l’avez compris, c’est une source vivante. Même si elle semble toujours présente et plutôt constante, en réalité, elle est très joueuse. Et elle peut varier en intensité, en qualité, en couleur et en direction sur une période donnée. Et lorsqu’elle ne bouge pas, ce sont les sujets qui bougent autour de vous. Gardez toujours à l’esprit que vous n’êtes pas un poteau ! Vous évoluez continuellement dans un environnement qui évolue constamment tout autour de vous.

Organiser l’espace

Retenez que parmi les paramètres que le photographe en quête de bonnes images devra prendre en compte, il y a la dimension et l’organisation de l’espace. S’approcher et chercher à occuper l’espace au mieux et dans son ensemble permet de rendre le cadrage plus dynamique en jouant avec les lignes, les perspectives et les espaces.

En respectant cela, à l’avenir, vous ne serez plus un simple « porteur d’appareil photo » mais réellement une personne en mouvement avec un regard de photographe.

Tourner autour du sujet

Vous voilà donc devenu danseur dans un monde inondé de lumière. Vous allez donc pouvoir nous montrer comment vous savez bouger . Il est évident que la pratique de la photographie demande une bonne santé générale mais aussi et surtout un maximum de souplesse (dans tous les sens du terme d’ailleurs !)

« Puisque la montagne ne vient pas à nous, allons à la montagne »
Mahomet

En photographie, on dit souvent qu’il faut tourner autour de son sujet, et ce n’est pas pour rien. Je vais vous montrer l’intérêt de prendre ce conseil à la lettre et surtout de l’appliquer. Commencez par essayer de garder votre appareil autour du cou ou dans votre sac. Et concentrez-vous sur ce que vous voyez et non sur ce que votre appareil voit pour vous, à travers l’objectif. En effet, la vision dans l’objectif vous coupe de ce que vous devriez vivre en premier : l’observation de votre sujet et de la lumière qui l’entoure.

Comment procéder avec la lumière ?

C’est exactement dans ces moments d’observation que vous allez commencer à bouger. Laissez-vous guider par ce qui retient votre attention. Une jolie lumière sur un visage, l’ombre des nuages dans un paysage ou encore un reflet un peu magique dans une vitre.

Essayez de comprendre ce qui vous captive et repensez à ce que vous avez appris sur les caractéristiques de la lumière. Maintenant, vous êtes capables de décoder avec des mots ce qui vous plaît dans une scène ou à travers une ambiance. Tels qu’un contraste très prononcé, une ambiance plus douce, la chaleur enveloppante de cette lumière ou une ombre projetée très dure qui donne l’impression de se confondre avec le mur.

Dès lors que vous en avez conscience, vous commencez à élargir votre champ de vision. Faites alors quelques pas en arrière, prenez du recul… vous voyez vous commencez à danser . En restant focalisé sur le sujet qui vous captive, il se peut que vous passiez à côté d’une lumière ou d’une vue plus intéressante encore. En général, le sujet fait partie d’un ensemble qui pourrait-être plus intéressant que le sujet seul ou en détail. Mais si cet ensemble ne vous satisfait pas, vous pourrez toujours revenir sur vos pas, vers votre cadrage initial.

Et commencez à danser…

Ce moment de réflexion sur la globalité de la scène qui vous est offerte est souvent bénéfique et permet de ressentir ce que vous êtes sur le point de capturer. Évidemment, ne vous limitez pas à « danser » d’avant en arrière en ligne droite. Si le sujet le permet, prenez un peu de temps pour tourner autour et l’observer sous différents angles. Cela prendra quelques secondes, il n’est pas nécessaire d’y passer des heures. Parfois, attendre plus longtemps que la lumière bouge peut s’avérer intéressant, mais en général, vous pourrez appréhender votre sujet par la droite, puis par l’arrière et par la gauche en moins d’une minute.

Ce n’est pas tout ! Repensez au poteau d’1m90, vous pourriez le rallonger ou le plier en deux… Votre angle de vue serait alors encore différent. Et c’est à cet instant que le mot souplesse prends tout son sens . Donc, faites ce qu’un trop petit nombre de photographes fait naturellement, prenez de la hauteur ou baissez-vous.

Se positionner par rapport à la lumière en pratique

En résumé, des gestes simples tels que se baisser, monter sur un mur ou sur un chaise, gravir quelques marches ou les descendre, en gros chercher à bouger et à changer de point de vue est une attitude payante qui amène souvent non seulement à un nouveau regard sur la lumière mais également sur la perspective que l’on a de la scène.

Cette approche du regard dans le mouvement permet d’élargir non seulement ce que les yeux observent, la lumière, mais elle permet aussi d’élargir la conscience que l’on a des éléments à proximité du sujet principal, les autres objets ou personnes visibles dans la scène.

Par exemple, vous alliez peut-être vous concentrer sur un enfant et en prenant le temps d’élargir votre regard, de faire quelques pas en arrière, vous remarquez qu’un adulte s’approche de lui. Peut-être que son passage va faire varier un peu la lumière qui sera plus agréable. Il se pourrait peut-être aussi qu’ils interagisse et que la scène soit plus intéressante.

Les exemples où la position par rapport à la lumière et au sujet est un facteur clé de réussite de l’image sont infinis. Ce n’est évidemment pas le seul facteur mais si la lumière est flatteuse et qu’elle vient jouer avec le sujet pour le mettre en valeur, c’est un excellent début !

Conclusion

Cette fois ça y est, vous devriez être en voie de devenir un(e) photographe danseur(euse). Dès lors, vous ne devriez plus jamais rester statique face à votre sujet. Vous allez chercher le bon angle, la bonne perspective. Vous allez tourner, vous baisser, prendre de la hauteur, vous allez bouger votre œil et vos pieds jusqu’à ce que la lumière soit la plus intéressante.

A vous ! Sautez dans une bonne paire de chaussures confortables pour être plus souple physiquement lors de vos sorties photo, ça vous aidera… Et pensez toujours à bouger, un pas en arrière, en avant ou sur le côté pour élargir votre vision… Pensez Salsa En commentaires ci-dessous, dites-moi si vous faites déjà naturellement des pas de danse pour trouver des angles de vue plus originaux et les meilleures lumières ou si vous avez plutôt tendance à rester statique, à hauteur d’œil pour prendre vos photos ?

L’article Se positionner par rapport à la lumière… pourquoi est-ce important et comment s’y prendre ? est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Une fois que vous aurez compris ces erreurs et que vous saurez comment y remédier, vous aurez fait un pas supplémentaire dans votre apprentissage de la photographie.

1. Une vitesse d’obturation trop lente

Lorsqu’il y a moins de lumière dans la scène et que votre diaphragme n’est pas assez ouvert, la vitesse d’obturation tend à diminuer pour compenser ce manque de luminosité. Si vous avez une vitesse d’obturation trop lente, de l’ordre du 1/30s ou en dessous, vous risquez de rater une photo à cause du flou de bouger. En effet, à ces vitesses, le moindre petit mouvement de l’appareil génère un flou qui dégrade la netteté et le détail de votre image.

Comment éviter cette erreur

Pour éviter que la vitesse d’obturation ne soit trop lente, il y a plusieurs éléments de solution possibles. La quantité de lumière n’étant pas suffisante, une première solution sera d’ouvrir plus fort le diaphragme de l’objectif. S’il est déjà au maximum, vous pouvez augmenter la sensibilité ISO. Enfin, si ces deux options ne sont plus réalisables, il vous reste l’ajout d‘une source lumineuse supplémentaire. Tel qu’un flash par exemple. Dans certains cas, si une vitesse lente est désirée, le photographe favorisera simplement la solution du trépied. Cet outil l’aidera à stabiliser son appareil et à créer de jolies trainées de lumière.

2. Ouverture de diaphragme trop importante

Certains objectifs ont de très grandes ouvertures de diaphragme qui se situent entre f/2.8 et f/1.2. C’est plus particulièrement le cas des objectifs à focale fixe. Quand ils sont utilisés à ces valeurs, la profondeur de champ est fortement réduite. Selon la distance par rapport au sujet, la zone de netteté peut d’autant plus se réduire. Il arrive donc que tous les détails de l’arrière-plan d’une scène soient trop flous. Ou pire, de rater une photo parce que le sujet n’est pas suffisamment net pour une bonne lecture de l’image.

Comment éviter cette erreur

Vous le savez, l’ouverture du diaphragme a une influence directe sur la zone de netteté. Que l’on appelle aussi profondeur de champ. Selon le sujet à photographier, le photographe souhaite mettre en évidence une partie de l’image. Ou au contraire, il veut que tous les éléments soient visibles et reconnaissables. C’est donc avant de déclencher (et même de cadrer) qu’il faut définir et régler sa valeur d’ouverture. En fonction du résultat qu’il veut obtenir.

Voici deux exemples concrets. En paysage, on voudra avoir le maximum de netteté, on augmentera donc la valeur d’ouverture à f/11, f/16 voir f/22 pour étendre la profondeur de champ. En contre partie, si c’est du portrait que vous réalisé, il faut utiliser les grandes ouvertures (petites valeurs f/2.8 ou f/1.4 par exemple). Mais attention de ne pas trop ouvrir, au risque de perdre un des deux yeux dans le flou. Si vous vous rapprocher, pensez à fermer un tant soit peu, f/4 selon la longueur focale utilisée.

3. Un mode autofocus inadapté

Un autre erreur récurrente chez les débutants est le réglage du mode autofocus. Souvent, il est bloqué sur automatique (AF-A ou AI-Focus), laissant libre choix à l’appareil de faire la mise au point où bon lui semble et quand il le veut. Plus particulièrement si vous photographiez un sujet en mouvement ou des enfants en train de jouer. Si le mode autofocus n’est pas correctement choisi, vous pouvez rater une photo parce que vous ne parvenez pas à obtenir la netteté au bon endroit. Il arrive même que pendant que vous prenez toute la petite famille en photo devant le plus beau monument de la ville, un bus touristique passe derrière eux et que la mise au point se fasse sur lui à votre plus grand désarroi.

Comment éviter cette erreur

Pour celle-ci, c’est assez simple, vous avez deux options. Faire une mise au point avec l’autofocus statique (AF-S ou One-Shot) ou avec l’autofocus dynamique ou continu (AF-C ou AI-Servo). Le premier, comme son nom l’indique est utilisé pour les sujets « statiques » ou lents alors que le deuxième est essentiellement utilisé pour les sujets en mouvement plus rapides et qui nécessitent que l’autofocus s’adapte continuellement. Il vous faut donc déterminer le type de sujet que vous souhaitez photographier et faire votre choix d’autofocus en conséquence avant de prendre vos photos (et ne plus jamais utiliser le mode automatique ). Positionnez alors le collimateur de votre appareil sur le sujet et faites votre mise au point. Vous ne devriez plus avoir de mauvaises surprises de ce côté-là.

4. Un collimateur mal placé

Justement, on parlait de collimateur avec l’autofocus dans le point précédent. En effet, choisir le bon mode autofocus est primordial, vous l’avez compris. Mais si par la suite vous ne vérifiez pas que votre collimateur est bien placé sur le sujet, c’est foutu aussi. Placez le collimateur ne fut-ce que un millimètre à côté de votre sujet et votre appareil fera la mise au point derrière (ou devant) votre sujet, rendant celui-ci complètement flou. Alors, si vous avez oublié de le vérifier et qu’il est à l’opposé parce que votre sujet était de l’autre côté sur la photo précédente, vous ne risquez pas d’avoir la photo à laquelle vous vous attendiez. Voir vous rater une photo… déception donc !

Comment éviter cette erreur

Vérifiez toujours vos collimateurs… Combien vous en avez, où ils sont placés et si leur position est adaptée à la photo que vous voulez prendre. Si ce n’est pas le cas, vous pouvez encore le déplacer et avoir la meilleure configuration en fonction du sujet que vous allez capturer. Comment ? En le déplaçant à l’aide de la touche multidirectionnelle ou le bouton prévu à cet effet. Dans le doute, vous pouvez aussi simplement le mettre au centre pour toujours savoir où le trouver et recadrer lors de la prise de vue.

5. Une mauvaise mesure de lumière

La mesure de lumière est une fonction qu’il faut un peu de temps pour maîtriser. Mais avec un peu de patience et de pratique ça devient un reflex. Le problème de la mesure de lumière est qu’il existe différents modes. Selon les marques et les modèles, il y en a tellement, qu’il devient même parfois facile de se mélanger les pinceaux (bon j’exagère un peu). Quoi qu’il en soit, faire un mauvais choix de réglage peut mener à la catastrophe. Il arrive souvent que le photographe opte pour la mesure matricielle, mesure qui fait la moyenne des parties sombres et claires sur la zone cadrée. Ce qui est un bon choix en soi. Seulement, arrive le jour où se présente un contre jour et là, ça ne loupe pas, le sujet et totalement dans l’ombre et irrécupérable. C’est dommage de rater une photo pour « si peu ».

Comment éviter cette erreur

Il faut savoir que la mesure de lumière matricielle (évaluative ou multizone selon les marques) est la mesure qui fonctionne le mieux dans la plupart des situations. Seulement, il arrive que la zone cadrée comporte plus de parties claires que de parties sombre (le cas du contre-jour) ou l’inverse. Et là, la moyenne ne fonctionne plus. Menant alors à une photo sous-exposée ou surexposée selon les cas. Dans ces cas-là, il est judicieux de passer en mode de mesure Spot. La mesure de lumière se fait alors de manière ponctuelle sur le collimateur et peut-être mémorisée au besoin grâce au bouton AE-L accessible avec le pouce. La mesure spot réalisée en plaçant le collimateur pile à l’endroit que l’on souhaite exposer correctement est le meilleur moyen d’obtenir le résultat désiré dans les situations particulières.

6. Un sujet difficile à lire

En général, ce qui fait qu’une photo est bonne, c’est le fait qu’elle soit lisible par tout un chacun, que le sujet puisse être déterminé et reconnu rapidement. Il y dans les premières photos que nous faisons tous au départ, un côté fouillis. Où est le sujet ? Tiens et ça c’est quoi ? … Il est parfois perdu dans l’image, trop centré, trop petit ou peu mis en valeur. D’autres fois, c’est l’éclairage qui n’est pas adapté, ne permettant pas de bien voir le sujet ou de le reconnaître. Bref, un sujet dans la photo c’est la chose indispensable, il doit être présent comme le nez au milieu du visage. Pouvoir aisément lire la photo est donc primordial.

Comment éviter cette erreur

Il y a de nombreuses astuces pour ne plus rater une photo en la rendant plus lisible et compréhensible. Tout d’abord, la simplicité. Veillez à limiter le nombre de sujets principaux à un ou deux maximum. Sauf s’ils renforcent l’idée de votre photo. Ensuite, mettez le sujet en valeur, montrez son plus beau côté, sa plus belle face. Faites en sorte qu’on ne voit que lui. Épurez son environnement, évitez tout ce qui n’est pas nécessaire. Choisissez la meilleure lumière, celle qui le mettra en évidence. Enfin, remplissez le cadre, ne laissez pas trop d’espace autour de lui. Voilà une série d’éléments à prendre en compte si vous voulez obtenir des photos qui captent.

7. Trop d’éléments (perturbateurs)

Un peu à l’image du point précédent, il arrive qu’une photo soit remplie de petits éléments perturbateurs. Des personnes inconnues bien sûr, mais aussi des objets comme des poubelles ou des panneaux de signalisation. Il arrive que certains déchets ou papiers jonchent le sol attirant le regard du lecteur alors que ce n’est pas le but de la photo. Les éléments perturbateurs peuvent également être des zones très lumineuses ou des reflets de lumière. Mais ce peut également être des zones d’ombres très présentes et qui captent le regard plus qu’elles ne le devraient.

Comment éviter cette erreur

Au moment du cadrage, il est indispensable de jeter un œil dans le viseur et balayer le cadre (avec le regard hein ! ) pour voir s’il n’y a pas toutes sortes de choses perturbantes et inutiles qui pourraient être visibles et vous faire rater une photo. Si c’est le cas, déplacez-vous autour de votre sujet de manière à les faire sortir du cadre ou à disparaître derrière celui-ci. Voyez si vous ne pouvez pas simplement les retirer avant de prendre la photo, comme pour des morceaux de papiers ou autres emballages. Si vraiment, il vous est impossible d’obtenir un environnement sobre et propre, envisagez de changer d’endroit. Vos photos (et vos lecteurs) vous remercieront .

Normalement avec ces 7 principales manières de rater une photo, vous devriez avoir fait le tour. J’espère vous avoir éclairé sur la façon de corriger le tir et ne plus rater vos photos . S’il y a d’autres situations pour lesquelles vous ratez des photos, n’hésitez à me le mettre dans les commentaires sous cet article, je me ferai un plaisir de vous répondre. Pensez aussi à partager et diffuser cet article (et les autres ). Je suis sûr que certains seront ravis.

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