Le format est bien plus qu’une simple valeur ou un choix aléatoire. En effet, selon le format choisi pour cadrer votre photo, le sujet pourra être plus ou moins mis en avant. De même, le format, peut aider à exprimer certaines sensations ou émotions ou encore certains formats sont plus adaptés à certains sujets. Mais trêve de blabla, voyons ensemble ce qu’il en est.

Le format d’une image c’est quoi

Ce que l’on appelle format ou ratio d’une image, c’est le rapport entre son grand côté et son petit côté. Par exemple, si on considère le ratio le plus répandu, qui est 3/2, cela signifie que la longueur de l’image est de 3 unités et sa hauteur de 2 unités. Dans ce format, on rencontre souvent des photos en 15cm par 10cm, 30 par 20, 60 par 40,… Bien sûr, une illustration vaut mieux que mille mots, voici donc ce que ça donne en image.

Il existe bien sûr d’autres ratios dont le 4/3 assez courant, le 16/9, que l’on voit souvent en vidéo et au cinéma et enfin le format carré (1/1) moins utilisé aujourd’hui mais qui a tout son intérêt comme nous le verrons plus loin dans cet article. Évidemment, ceux-là sont les plus connus et les plus utilisés mais on peut avoir des formats totalement uniques selon le recadrage pour lequel le photographe opte.

Les principaux ratios et d’où ils viennent

Il existe quatre formats principaux, qui sont les plus courants. Il s’agit du format carré, du 3/2, du 4/3 et du format panoramique ou 16/9. Chacun d’eux a des origines plutôt liées au matériel ou aux contraintes d’utilisation à la base. Je vous donne quelques exemples…

Le format carré ou 1/1

Le format carré a longtemps été le standard en argentique moyen format. C’était en effet, le format de film (ou de photo) des Twin Lens Reflex (TSL) comme les Rolleiflex ou Yashica très utilisés dans les années 50’s à 70’s. Aujourd’hui, avec le numérique, c’est un standard qui a été remis au goût du jour ces dernières années grâce à Instagram.

Le format 3/2

Ensuite, vient ce format qui a été le plus utilisé de tous les temps, d’abord en argentique avec les appareils photo équipés de films 35mm (24×36) qui était devenu le standard de la majorité des appareils et utilisés par tous (ou presque). Et avec l’arrivée du numérique qui s’est basé sur ce standard pour concevoir les premiers capteurs… et les suivants.

Le format 4/3

Le format Micro 4/3 est plus récent et plus spécifique au numérique puisque c’est le standard choisi par certaines marques d’appareils hybrides. C’est lié à la taille et au format du capteur. Ce format est également utilisé dans les appareils compacts et autres Smartphones.

Le format panoramique ou 16/9

Le format panoramique est issu du cinéma et des grands écrans de la télévision moderne. On utilise ce ratio d’aspect en photo surtout pour les paysages mais il peut fonctionner avec beaucoup d’autres sujets horizontaux très allongés, tels que certaines scènes impliquant un mouvement.

 Le ratio d’aspect original

En général, le ratio original est déterminé par la taille (ou le format) du capteur. En effet, la plupart des capteurs plein format et APS-C ont un ratio de 3/2. Certaines marques comme Panasonic ou Olympus ont choisi d’utiliser des capteurs dits « micro 4/3 » qui comme leur nom l’indique ont un ratio de 4 pour 3 (4/3). Aujourd’hui avec les appareils hybrides, il est même possible de choisir son ratio à la prise de vue. Il est en effet courant de pouvoir régler le format de l’image sur panoramique (16/9) ou carré (1/1) et directement prendre les photos dans ces formats.

En post-traitement

Le ratio d’aspect peut aussi être modifié en post-traitement, en recadrant l’image comme on le souhaite si le format original ne nous convient pas ou si la photo doit être adaptée pour une utilisation particulière. En effet, une des questions à se poser est de savoir à quoi est destinée la photo. Selon son utilisation, et le support de présentation final, on ne choisira pas le même format.

Quel lien avec la composition

Que vous optiez pour des photos à l’horizontal ou à la verticale, la plupart des formats peuvent être utilisés. Cependant, chaque format aura ses particularités. La différence sera essentiellement le ressenti transmis par tel ou tel autre format. Plus concrètement, selon le format choisi, la composition aura une tendance à être plus dynamique ou au contraire, plus statique. D’ailleurs, certains formats conviennent mieux à certains sujets. Voyons cela en détails.

Format carré

Le ratio d’aspect 1/1 ou format carré favorise les compositions plus centrées qui auront tendance à être (ou paraître) très statiques. Ce format apporte aussi une certaine stabilité, un côté apaisant.

^{Le ressenti « apaisant » créé par la brume et le traitement N&B est renforcé par le format carré © Florent Letertre Photographe}

Format 4/3 à l’horizontal

Assez proche du format carré et ses caractéristiques, le format 4/3, aussi appelé « le format court » donnant l’impression que le sujet est plus centré que le populaire 3/2. En général avec ce format, la composition est plus ramassée. On retrouve le côté statique.

Format 3/2 à l’horizontal

C’est le format le plus populaire et celui qui est adapté à une majorité de sujets. Ce n’est pas pour rien qu’on le retrouve le plus souvent. Il représente le format rectangulaire le plus équilibré permettant des compositions assez dynamiques.

Format panoramique à l’horizontal

Ce format a une connotation cinématographique qui permet une réelle description des paysages et des scènes impliquant du mouvement. En gros, c’est le ratio d’aspect le plus dynamique qui soit. Il facilite l’utilisation des diagonales qui rend la composition dynamique. On les inclut d’ailleurs beaucoup plus instinctivement avec ce format.

Format 4/3 à la verticale

Comme pour le 16/9 à l’horizontal, le format 4/3 cadré à la verticale, pour des scènes de rue ou des paysages, permet de réduire la proportion de ciel dans l’image. Ce qui a pour effet d’équilibrer la composition et améliorer la lecture de l’image de manière générale.

Format 3/2 à la verticale

Utilisé à la verticale, le format 3/2 est également très polyvalent, il laisse beaucoup de flexibilité quel que soit le sujet. Il y a pourtant des situations où ce choix ne fonctionnera pas correctement, notamment avec la présence trop importante du ciel ou de l’avant-plan. C’est dans ces cas qu’il faudra opter pour le format 4/3.

Format panoramique à la verticale

Très souvent, le format panoramique ne fonctionne pas à la verticale. Il semble trop long. Mais il peut malgré tout être utilisé lorsqu’on veut insister sur la grande taille et plus particulièrement sur la hauteur du sujet.

Et dans la pratique comment on fait

Je peux concevoir que malgré les explications et les exemples sur le sujet, savoir quel format d’image utiliser puisse encore sembler compliquer. Vous vous demandez peut-être encore si vous devriez changer de format, et quand vous devriez le faire, et pourquoi. C’est normal ! Et c’est justement ce qui fait la difficulté ET la complexité de la composition en photographie… En fait, dites-vous bien qu’il n’y a pas de réponse toute faite, ni d’ailleurs de réponse unique.

Pour vous aider à vous approprier cette notion, je vous dirais que la seule chose que vous pouvez faire, c’est vous demander si un format améliore votre photo. Si le fait d’utiliser un ratio d’aspect plutôt qu’un autre apporte un plus à votre image. Mais vous pouvez aussi choisir intentionnellement un certain ratio et de faire des séries d’images avec cette contrainte. Vous seriez surpris de ce que vous obtiendrez.

Quoi qu’il en soit, abusez des changements de formats, expérimentez, amusez-vous avec ce paramètre et faites des photos

L’article Les différents formats de photo, leur origine et l’importance de les considérer tous pour de meilleures compositions est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Dans cet article, je partage avec vous huit des principes de composition photographique les plus courantes. Toutes liées à des méthodes éprouvées pour améliorer la disposition de vos images. Alors lisez l’article. Mémorisez ces principes. Et regardez ensuite vos photos se transformer !

1. La règle des tiers

La règle des tiers est le principe de composition le plus célèbre qui soit, un des premiers rencontrés par les débutants et pour cause : c’est vraiment un excellent moyen de produire des compositions équilibrées et dynamiques, et elle est assez facile à maîtriser. Mais comment fonctionne-t-elle ?

La règle des tiers stipule que vous devez placer les éléments clés de votre composition à un tiers du cadre. Elle s’accompagne même d’un ensemble pratique de lignes de quadrillage pour vous aider :

Ainsi, si vous photographiez un coucher de soleil sur une plage, au lieu de placer la ligne d’horizon en plein milieu du cadre, il est préférable de la placer le long du tiers supérieur ou inférieur de la grille. Ces lignes de tiers sont appelées lignes de force.

Et si vous photographiez un groupe d’arbres dans un champ, au lieu de placer les arbres au centre de la photo, vous voudrez les positionner à un tiers du bord droit ou gauche. À propos, si vous pouvez placer votre sujet principal à l’intersection de deux lignes de la grille, appelé point fort (en rouge sur la première image), vous obtiendrez un résultat encore plus puissant.

En général, les compositions fondées sur la règle des tiers sont équilibrées. Elles sont dynamiques, et non statiques, ce qui aide le spectateur à mieux s’impliquer dans la photo. Pas mal, non ?

2. Le principe de l’espace

Le principe de l’espace est une technique de composition couramment utilisée par les photographes de portraits, les photographes d’événements, les photographes animaliers, les photographes d’oiseaux et même les photographes automobiles. En fait, tout groupe de photographes qui s’occupe d’humains, d’animaux ou de sujets en mouvement.

Pourquoi ? Parce que le principe de l’espace stipule que vous devez laisser de l’espace à votre sujet :

• dans la direction de son regard
• devant lui lorsqu’il se déplace (en marchant ou en courant)

Imaginons que vous photographiez un oiseau perché. Si vous suivez la règle des tiers, vue plus haut, vous devez placer l’oiseau à un tiers du cadre. Mais doit-il regarder vers le vide ou vers le bord du cadre ? Selon le principe de l’espace, l’oiseau doit regarder vers l’espace vide, et non vers le bord du cadre. De cette façon, l’image semble plus ouverte et moins exiguë.

De même, si vous photographiez un avion en mouvement, le principe de l’espace vous encourage à inclure beaucoup de ciel vide devant l’avion (et très peu de ciel derrière lui), afin que votre sujet principal ait de la place pour « bouger ».

Maintenant, comme les autres principes de composition de cet article, vous n’avez pas toujours besoin de suivre le principe de l’espace. L’ajout d’un espace négatif derrière le sujet (plutôt que devant) peut créer une sensation de tension intéressante. Mais en général, ce principe fonctionne bien, alors je vous encourage à l’essayer !

3. Les lignes directrices

Les lignes directrices sont des éléments qui guident l’œil dans la scène. Elles constituent un moyen efficace de créer un flux, d’ajouter de la profondeur et de mettre en valeur le sujet principal.

Les lignes directrices sont fréquemment utilisées par les photographes paysagistes pour diriger le spectateur du premier plan vers l’arrière-plan. Le photographe dispose la scène avec un sujet en arrière-plan (comme une montagne, un arbre ou un coucher de soleil), puis trouve une sorte de ligne de premier plan qui guide le regard de l’observateur. L’image qui en résulte présente une grande profondeur et un flux important de l’avant-plan vers l’arrière-plan. Et le sujet de l’arrière-plan est mis en valeur comme il se doit.

Parmi les lignes directrices les plus courantes, citons

• Le routes
• Les troncs d’arbres tombés
• Les rivières
• Les lignes dans le sable
• Les fissures dans la glace
• Les roches déchiquetées
• …

Cela dit, les lignes directrices peuvent également être utilisées dans la photographie de portrait, la photographie de rue, la photographie d’architecture, et bien plus encore. Un bras tendu peut guider l’œil dans une scène de rue vers une interaction entre des sujets, tandis qu’une main subtilement pliée peut conduire le spectateur vers le visage d’un sujet de portrait.

Lorsque vous commencez à utiliser les lignes directrices, vous pouvez avoir du mal à les trouver, mais n’abandonnez pas. Entraînez votre esprit à rechercher les lignes pertinentes, réelles ou imaginaires, et bientôt, vous les verrez partout.

4. Le principe des impairs

Selon le principe des impairs, les compositions les plus agréables comprennent un nombre impair d’éléments. Ainsi, si vous photographiez un groupe d’oiseaux de rivage, vous voudrez inclure trois, cinq ou sept bécasseaux. Si vous photographiez un paysage rural, vous voudrez inclure un, trois ou cinq fils téléphoniques, silos à grains ou granges. Et si vous photographiez un plat de nourriture, vous voudrez inclure trois, cinq, sept ou neuf raisins, myrtilles ou oranges.

Les photographes ne s’entendent pas sur ce qui fait du principe des impairs une technique de composition aussi efficace. Mais cela pourrait être lié à notre capacité à regrouper des éléments. Le cerveau regroupe par paires, de sorte que si un nombre pair d’éléments est facilement mis en groupe, un nombre impair d’éléments laissera toujours de côté l’élément final, ce qui incitera le spectateur à s’engager davantage.

Le principe des impairs est le plus souvent utilisée par les photographes de natures mortes, de nourriture et de produits. Il est facile d’ajuster un arrangement de nature morte pour inclure trois, cinq ou sept vases, et les compositions qui en résultent sont étonnantes.

Bien entendu, vous pouvez également utiliser ce principe pour améliorer vos images de paysages, de portraits de groupe et même d’architecture. Il suffit de compter vos éléments, d’exclure ou d’inclure certains d’entre eux si nécessaire, puis de capturer l’image finale.

5. Les diagonales

Les diagonales sont comme des lignes directrices, sauf qu’elles traversent le cadre en diagonale et ne conduisent pas nécessairement l’œil vers quoi que ce soit. Les diagonales sont plutôt utilisées pour créer une impression de mouvement, de flux ou d’énergie, avec des résultats souvent magnifiques.

Ainsi, lorsque vous êtes à l’extérieur avec votre appareil photo, essayez de rechercher des objets inclinés, tels que des arbres penchés, des toits de maisons et des rampes d’immeubles. Changez ensuite d’angle, zoomez, prenez du recul et faites tout ce que vous pouvez pour les inclure dans vos photos. Il peut être utile de s’approcher et de remplir le cadre avec la diagonale, bien que cela ne soit pas toujours nécessaire.

Et si vous ne trouvez pas de bonnes diagonales, vous pouvez toujours en créer une vous-même en inclinant votre appareil photo. Cette technique n’est peut-être pas très conventionnelle, mais elle insufflera beaucoup d’énergie à vos photos ! C’est une technique très utilisée en photographie sportive.

6. La symétrie

La symétrie fait référence aux zones de réflexion dans le cadre. C’est un excellent moyen de produire des images puissantes et directes, le genre qui présente beaucoup de tension. Tout en faisant attention à ne pas créer des photos trop statiques, comme je l’ai mentionné dans le point précédent sur la règle des tiers, ci-dessus !

Vous pouvez créer une symétrie verticale en incluant des sujets qui se reflètent sur l’axe horizontal. Vous pouvez aussi créer une symétrie horizontale en incluant des sujets qui se reflètent sur l’axe vertical. Et vous pouvez éventuellement créer une symétrie diagonale en incluant des sujets qui se reflètent sur une diagonale. Toutes ces options peuvent fonctionner, bien que chaque effet vous donne un résultat différent. Je vous encourage donc à expérimenter et à voir ce que vous en pensez.

Le plus difficile dans l’utilisation de la symétrie est de trouver des sujets symétriques. N’oubliez pas, cependant, que vous pouvez toujours créer un effet symétrique en mettant en scène des éléments qui sont « presque » symétriques (comme la photo ci-dessous). Les arbres, par exemple, sont des sujets à peu près symétriques. Vous pouvez donc en placer un au centre du cadre pour qu’il divise la composition en deux.

Conseil de pro : pour obtenir les meilleurs résultats, essayez de remplir le cadre avec vos éléments symétriques. Rapprochez-vous physiquement ou utilisez un téléobjectif pour bien cadrer.

7. Les espaces négatifs

L’espace négatif désigne les zones de vide dans une image, telles que :

• un ciel blanc
• une étendue de mer
• le côté d’un bâtiment métallique

Notez que l’espace négatif peut également être constitué de zones si fortement texturées qu’elles semblent vides, comme :

• un mur de briques
• un peuplement d’arbres feuillus
• une pelouse

Quel est donc ce principe de composition ? Il est simple : les meilleures images ont tendance à comporter beaucoup d’espace négatif, car cela aide le spectateur à respirer et aller directement à l’essentiel, le sujet. En d’autres termes, ne composez pas vos photos avec trop d’espace actif (ou d’espace positif), le résultat sera écrasant. Proposez plutôt un mélange d’espaces positifs et négatifs, comme les notes et les silences d’une partition musicale.

Une technique intéressante consiste à trouver un sujet principal, un point central dans votre composition, puis à l’entourer d’espaces négatifs. L’espace négatif orientera le spectateur vers le sujet principal, et la composition sera beaucoup plus puissante.

Et si vous cherchez à créer une composition très respirante et paisible, essayez de choisir un sujet principal isolé, puis remplissez le reste de l’image d’espaces négatifs. La composition finale sera magnifiquement minimaliste !

8. Le nombre d’or

Le nombre d’or est de 1,618, un chiffre que l’on retrouve constamment dans la nature et qui a tendance à être très agréable lorsqu’il est intégré à des compositions. Il fait référence à la suite de Fibonacci.

Qu’entend-t-on par là ? Eh bien, retenez seulement qu’il est possible de créer un guide visuel en utilisant le nombre d’or, que l’on appelle la grille de Phi. Cela fonctionne plus ou moins comme la règle des tiers. Le but est de positionner les éléments clés le long des lignes de la grille, bien que celle liée au nombre d’or soit légèrement plus comprimée au centre.

Vous pouvez également utiliser le nombre d’or pour produire une superposition en « spirale dorée », qui ressemble à la spirale d’une coquille de nautile. Ensuite, en alignant les éléments de composition clés sur la spirale, vous pouvez prendre des photos exceptionnellement dynamiques.

La plupart des photographes trouvent la grille du nombre d’or beaucoup plus facile à utiliser, mais si vous voulez vraiment faire passer vos compositions au niveau supérieur, mémorisez la spirale dorée, puis recherchez les compositions qui semblent s’y adapter. Notez cependant qu’il est difficile de trouver une disposition d’éléments qui reflète parfaitement la spirale dorée. Recherchez plutôt des éléments qui suivent approximativement la spirale, vous obtiendrez toujours un effet puissant, mais avec un peu moins de frustration.

Conclusion sur ces 8 principes de composition essentiels en photographie

Voilà, vous avez compris les huit principes de composition les plus utiles en photographie. Je n’ai évidemment pas abordé tous les principes, il y en a tellement, mais ceux-ci font partie des plus importants. Et si vous pouvez juste les mémoriser et appliquer quelques uns d’entre-eux, vos compositions s’amélioreront à pas de géant.

Alors bonne chance et amusez-vous à composer !

Dans cette série, quelle est votre principe de composition préféré ? Laquelle comptez-vous utiliser dès demain ? Lequel appliquez-vous déjà et en êtes-vous satisfait ? N’hésitez pas à partager vos idées avec moi en commentaire ci-dessous.

A bientôt

L’article 8 principes de composition que tout photographe devrait connaitre est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Et comme vous pouvez utiliser le triangle d’or avec de nombreux types de sujets et de genres photographiques différents, il convient à presque tout le monde ! Si vous êtes prêt à améliorer vos compositions, plongeons directement dans le vif du sujet. Mais nous allons commencer par une définition de base. Qu’est-ce que le triangle d’or en photographie ? Le triangle d’or est formé par une ligne qui s’étend d’un coin du cadre à son opposé, créant une diagonale dans l’image. Deux autres lignes viennent des autres coins pour rejoindre cette diagonale avec un angle de 90 degrés, ce qui crée un ensemble de quatre triangles.

Ces lignes et triangles peuvent ensuite servir de guides, en suggérant où positionner les éléments importants dans le cadre. En d’autres termes, si vous prenez des photos en gardant à l’esprit le principe du triangle d’or, vous obtiendrez des compositions solides. Le fait de diviser l’image et de positionner les éléments en fonction du triangle d’or donnera à chaque image un sentiment de fluidité et de clarté.

Lorsque vous composez vos photos, imaginez trois lignes créant les quatre triangles. Notez que la ligne la plus longue peut aller du haut à gauche vers le bas à droite (ou dans l’autre sens). Ce qui compte, c’est la façon dont les éléments de votre composition vont être disposés à l’intérieur de ces triangles.

Quand pouvez-vous utiliser le triangle d’or ?

Vous pouvez utiliser le triangle d’or chaque fois que vous prenez une photo. Mais vérifiez que cela convient au sujet que vous essayez de capturer.

Comme tout principe de composition, le triangle d’or ne fonctionne pas toujours et vous ne devez pas le forcer à s’adapter au sujet que vous photographiez. Il faut que cela vous convienne. Tout comme vous ne pouvez pas toujours utiliser la règle des tiers, les lignes directrices ou la symétrie, vous ne pourrez pas toujours faire entrer votre sujet dans le triangle d’or, et ce n’est pas grave.

Lorsque vous vous placez pour prendre une photo, pensez aux formes et aux lignes que vous pouvez voir. Imaginez une ligne qui traverse le cadre d’un coin à l’autre. Puis formez les autres lignes dans votre esprit. Votre sujet s’inscrit-il naturellement dans les formes triangulaires ? Si ce n’est pas le cas, essayez d’autres approches de composition. Mais si le sujet s’inscrit dans le triangle d’or, prenez le temps de vous assurer que tout est parfaitement positionné avant d’appuyer sur le déclencheur.

Remarque : il est parfois évident que le sujet que vous photographiez ne correspond pas au triangle d’or. Mais si vous n’êtes pas sûr, essayez de vous déplacer un peu à droite ou à gauche. Prenez un peu de hauteur ou accroupissez-vous pour obtenir un angle plus bas. Même un léger mouvement peut modifier radicalement la composition, et vous serez peut-être surpris de constater que le triangle d’or convient à votre scène.

Travailler avec des compositions en triangle d’or : les bases

Pour utiliser l’approche du triangle d’or, commencez par trouver des sujets qui comportent des lignes diagonales fortes. Composez ensuite vos photos de manière à ce que la ligne suive la diagonale du triangle d’or (d’un coin à l’autre). Pour ce type d’image, le défi créatif consiste à trouver d’autres éléments qui respectent ce principe. Comme pour tout principe de composition, il est préférable d’aborder le triangle d’or avec un esprit flexible. Comme je l’ai souligné plus haut, si la scène ne correspond pas au triangle d’or, ne la forcez pas – mais si le sujet semble correspondre à la règle, essayez-le et voyez ce que vous pouvez créer.

D’après mon expérience, une ligne diagonale forte est un bon début. Mais s’il ne se passe rien aux intersections des deux autres lignes, l’approche risque de ne pas fonctionner et vous devrez peut-être expérimenter d’autres compositions. Votre point de vue est essentiel. Souvent, si vous vous déplacez légèrement, vous pouvez recadrer votre composition pour que la règle s’applique. Je préfère recadrer en gardant l’œil sur le viseur de l’appareil photo? De cette façon, je sais exactement comment les changements de position de l’appareil affectent la composition. Et lorsque je me déplace, je peux clairement voir comment les relations entre les éléments de mon cadre changent. Cela me permet de m’assurer que tout se met en place et respecte le principe du triangle d’or.

Pensez à la longueur focale

Si votre composition ne correspond pas tout à fait au triangle d’or, vous pouvez également essayer de modifier la longueur focale de l’objectif. Lorsque vous zoomez ou lorsque vous changez d’objectif, votre composition sera radicalement modifiée. Et comme vous le savez probablement, les objectifs grand-angle et téléobjectif produisent des compositions très différentes. Compositions qui mettent en scène des relations très différentes entre les éléments de l’image.

Parfois, vous aurez la possibilité de manipuler les éléments de vos scènes. Avec la photographie de produits, les natures mortes et d’autres sujets modulables, vous pouvez délibérément arranger vos compositions de manière à ce qu’elles respectent les directives du triangle d’or. Prenez votre temps pour placer et déplacer les objets afin qu’ils épousent les lignes du triangle. C’est le moyen le plus facile d’amener votre sujet à s’aligner sur ce principe de composition (et sur d’autres).

Comment améliorer votre photographie du triangle d’or

La meilleure façon d’utiliser un principe de composition est de l’appliquer naturellement. Mais lorsque vous prenez des photos, il peut être difficile de savoir quel principe de composition correspond le mieux à votre sujet. Identifier systématiquement le principe parfait pour un sujet donné demande une réelle compétence.

La meilleure façon d’apprendre à intégrer n’importe quel principe de composition, y compris celui du triangle d’or, est de sortir et de s’entraîner. Entraînez-vous tellement à utiliser ce principe que vous serez capable de l’appliquer sans y penser consciemment.

Nous, photographes, ne sommes pas souvent enclins à pratiquer une technique jusqu’à ce qu’elle soit parfaite. (Je pense que cela peut être lié aux niveaux d’automatisation présents dans les appareils photo modernes). Plutôt que de nous entraîner à faire quelque chose que nous voulons bien faire, nous avons tendance à compter sur nos appareils photo pour le faire à notre place. Mais lorsqu’il s’agit de maîtriser les techniques de composition, une approche passive ne fonctionne pas !

Entraînez-vous à prendre des photos en suivant le principe du triangle d’or chaque fois que vous prenez votre appareil. Une fois que vous le maîtriserez, vous n’aurez plus besoin de vous entraîner autant. Il vous viendra naturellement dès que vous commencerez à cadrer une scène. Vous verrez les lignes, les formes et les intersections qui forment le triangle d’or. Et vous pourrez utiliser votre subconscient pour créer une photo bien composée.

C’est un peu comme en musique, où les musiciens jouent les mêmes notes encore et encore jusqu’à ce qu’ils arrivent à saisir la mélodie de base. Ils peuvent alors commencer à jouer avec des variations. La mélodie sonnera toujours de la même façon, mais elle sera chaque fois subtilement différente. Un autre exemple par lequel nous sommes pratiquement tous passés, c’est la conduite automobile. Rappelez-vous, vous réfléchissiez pour chaque opération (débrayer, passer la vitesse,…), aujourd’hui, vous le faites sans réfléchir. Vous pouvez faire de même si vous vous entraînez à capturer des compositions en triangle d’or !

Photographie du triangle d’or : quelques mots pour conclure

Les principes de composition sont incroyablement utiles, mais n’oubliez pas : Ce sont des lignes directrices ou des guides, pas des lois ou des règles (comme on l’entend souvent). Vous devez les utiliser quand elles vous conviennent et les ignorer quand elles ne vous conviennent pas.

Cela dit, si vous ne vous entraînez pas à utiliser différents principes, vous ne saurez jamais vraiment lequel utiliser dans une situation donnée. Veillez donc à consacrer beaucoup de temps à l’expérimentation des différentes options possibles. Et familiarisez-vous avec la superposition du triangle d’or. Réfléchissez à la manière dont les lignes s’emboîtent. Enregistrez cela dans votre esprit, puis utilisez-le dès que l’occasion se présente !

Que pensez-vous de l’approche du triangle d’or ? L’utilisez-vous déjà ? Allez-vous l’essayer sur vos photos ? Partagez vos réflexions dans les commentaires ci-dessous !

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Vous l’avez certainement déjà remarqué en photographie, on crée des images en deux dimensions à partir de scènes de notre environnement qui elles sont en trois dimensions. On perd donc la sensation de volume et de profondeur. Grâce à différentes techniques graphiques, on peut reproduire une impression de volume dans nos images (plates), ce qui permettra de créer plus de réalisme et donner de la force à vos photos.

Perspectives et lignes de fuite

Une des manières d’intégrer de la perspective dans une image, c’est d’utiliser les lignes de fuite. C’est souvent la technique la plus simple à mettre en œuvre. En effet, comme le montre les deux exemples ci-dessous, il suffit d’intégrer une route ou une rampe d’escalier pour rapidement percevoir de la profondeur dans l’image. Et cela fonctionne également avec des lignes imaginaires (ou induites).

Attention cependant, intégrer une ou plusieurs lignes de fuite peut vous jouer de mauvais tours. Car ces lignes guident naturellement le regard à travers l’image. Ce qui signifie que si le sujet n’est pas placé sur une de ces lignes ou à une de leur intersection, le lecteur risque de passer à côté du sujet principal. Dans ce cas, le résultat est souvent très moyen et parfois même mauvais.

Utilisez donc les lignes de fuite avec soin et anticipez la façon dont le lecteur aura tendance à les regarder et à les suivre. Notez aussi que même si le fait d’inclure les perspectives fonctionne plutôt bien en général, toutes les bonnes photos n’utilisent pas systématiquement ce principe de composition. Et on peut même dire que toutes les photos qui l’utilisent ne sont pas nécessairement bonnes ! Il ne faut donc pas chercher à mettre de la perspective à tout prix, mais il peut être intéressant de l’inclure si elle est présente dans la scène.

Influence de la distance au sujet

Il existe un second facteur qui intervient sur la perception des distances et donc qui influence la perspective, c’est la distance par rapport au sujet. Utilisons différentes longueurs focales pour photographier deux sujets à une certaine distance l’un de l’autre et observer ce qui se passe. Mais d’abord, je vous présente mes modèles du jour pour l’exercice. Mis côte à côte, le chien tirelire est plus grand que la figurine Mickey, comme le montre la photo suivante.

Ensuite, je les ai décalés l’un de l’autre de manière à ce qu’ils aient approximativement la même taille dans le cadre et j’ai pris trois photos (d’une distance d’environ 50 centimètres de Mickey), une à 35mm, une à 23mm et la dernière à 18mm (capteur APS-C). Et j’ai recadré les trois photos dans Photoshop pour que les sujets prennent la même place dans le cadre.

Après recadrage, pour obtenir un cadrage similaire pour ces trois photos, on constate qu’il n’y a pas de variation de distance visible entre ces deux sujets malgré les différentes longueurs focales utilisées. Par contre, avec la longueur focale la plus courte, si on veut conserver la taille du sujet le plus éloigné (le chien), sans recadrer, on doit se rapprocher physiquement. On s’aperçoit alors qu’il y a une modification des perspectives lorsque l’on s’approche vraiment très fort. Le sujet le plus proche devient beaucoup plus grand et paraît même plus grand que le sujet de l’arrière-plan. Cette fois, j’étais à environ 20 centimètres de Mickey.

Conclusion

Comme vous avez pu le constater avec cet exemple, les perspectives sont fortement influencées par l’utilisation de focales plus courtes. Il faut donc être prudent lorsque vous photographiez au grand-angle ou à l’ultra grand-angle. En effet, au-delà des déformations possibles, l’effet des perspectives est renforcé.

J’espère que vous comprenez un peu mieux la notion de perspectives, comment elles fonctionnent et leurs effets en fonction de l’angle de vue et de la distance par rapport au sujet. Elles ont une grande influence sur la composition des images et elles sont partout (ou presque) tout autour de nous.

Et vous ? Utilisez-vous les perspectives dans vos images ? Comment les utilisez-vous et aimez-vous les intégrer dans vos compositions ? Dites-moi tout en commentaire ci-desous.

L’article Jouer avec les perspectives en photographie, quel intérêt et comment s’y prendre est apparu en premier sur initiationphoto.com.

La lumière

Si vous avez lu mon premier article sur la lumière, vous avez déjà acquis une bonne base sur les divers éléments qui la constituent, dont la lumière du jour. Vous avez également appris le vocabulaire spécifique, ce qui est indispensable. Pour savoir définir et comprendre ce qu’est un contraste ou une valeur de gris. Et d’être conscient de l’angle de la lumière et des noms associés (frontale, latérale, contre-jour,…). Tout cela est utile à chaque fois qu’on réalise une image ou que l’on veut l’expliquer ou la défendre.

Par ailleurs, comme dans tout domaine, il est important de parler le bon langage pour se faire comprendre. Il est maintenant temps de voir que pour exercer votre œil, il est indispensable de bouger… vos pieds . Blague à part, c’est une réalité que malheureusement trop de photographes ignorent ou ne mettent pas en pratique. D’ailleurs quand on demande à René Burri ce qui fait un beau cliché, il répond :

« Un mariage de réalité et d’émotion bien cadré. Pour faire une bonne photo,
il faut se servir de sa tête, de son œil, de son cœur et surtout de ses pieds ! »
René Burri

Le photographe et son espace

Le photographe est comme un danseur (ou une danseuse) avec un appareil photo ! Mais pourquoi cette étrange analogie ?

Tout simplement pour vous faire prendre conscience de l’importance de bouger ses pieds durant tout le processus photographique. En effet, imaginons un photographe d’1m90 qui a les deux pieds attachés. Il prendra continuellement ses images à environs 1m75 du sol, la hauteur de son regard. Et toujours du même endroit et dans la même direction, sans nuance d’angle ou de point de vue. Autant dire, qu’à ce prix-là, fixer l’appareil à un poteau vous donnera le même résultat (ou presque).

Revenons à la lumière, vous l’avez compris, c’est une source vivante. Même si elle semble toujours présente et plutôt constante, en réalité, elle est très joueuse. Et elle peut varier en intensité, en qualité, en couleur et en direction sur une période donnée. Et lorsqu’elle ne bouge pas, ce sont les sujets qui bougent autour de vous. Gardez toujours à l’esprit que vous n’êtes pas un poteau ! Vous évoluez continuellement dans un environnement qui évolue constamment tout autour de vous.

Organiser l’espace

Retenez que parmi les paramètres que le photographe en quête de bonnes images devra prendre en compte, il y a la dimension et l’organisation de l’espace. S’approcher et chercher à occuper l’espace au mieux et dans son ensemble permet de rendre le cadrage plus dynamique en jouant avec les lignes, les perspectives et les espaces.

En respectant cela, à l’avenir, vous ne serez plus un simple « porteur d’appareil photo » mais réellement une personne en mouvement avec un regard de photographe.

Tourner autour du sujet

Vous voilà donc devenu danseur dans un monde inondé de lumière. Vous allez donc pouvoir nous montrer comment vous savez bouger . Il est évident que la pratique de la photographie demande une bonne santé générale mais aussi et surtout un maximum de souplesse (dans tous les sens du terme d’ailleurs !)

« Puisque la montagne ne vient pas à nous, allons à la montagne »
Mahomet

En photographie, on dit souvent qu’il faut tourner autour de son sujet, et ce n’est pas pour rien. Je vais vous montrer l’intérêt de prendre ce conseil à la lettre et surtout de l’appliquer. Commencez par essayer de garder votre appareil autour du cou ou dans votre sac. Et concentrez-vous sur ce que vous voyez et non sur ce que votre appareil voit pour vous, à travers l’objectif. En effet, la vision dans l’objectif vous coupe de ce que vous devriez vivre en premier : l’observation de votre sujet et de la lumière qui l’entoure.

Comment procéder avec la lumière ?

C’est exactement dans ces moments d’observation que vous allez commencer à bouger. Laissez-vous guider par ce qui retient votre attention. Une jolie lumière sur un visage, l’ombre des nuages dans un paysage ou encore un reflet un peu magique dans une vitre.

Essayez de comprendre ce qui vous captive et repensez à ce que vous avez appris sur les caractéristiques de la lumière. Maintenant, vous êtes capables de décoder avec des mots ce qui vous plaît dans une scène ou à travers une ambiance. Tels qu’un contraste très prononcé, une ambiance plus douce, la chaleur enveloppante de cette lumière ou une ombre projetée très dure qui donne l’impression de se confondre avec le mur.

Dès lors que vous en avez conscience, vous commencez à élargir votre champ de vision. Faites alors quelques pas en arrière, prenez du recul… vous voyez vous commencez à danser . En restant focalisé sur le sujet qui vous captive, il se peut que vous passiez à côté d’une lumière ou d’une vue plus intéressante encore. En général, le sujet fait partie d’un ensemble qui pourrait-être plus intéressant que le sujet seul ou en détail. Mais si cet ensemble ne vous satisfait pas, vous pourrez toujours revenir sur vos pas, vers votre cadrage initial.

Et commencez à danser…

Ce moment de réflexion sur la globalité de la scène qui vous est offerte est souvent bénéfique et permet de ressentir ce que vous êtes sur le point de capturer. Évidemment, ne vous limitez pas à « danser » d’avant en arrière en ligne droite. Si le sujet le permet, prenez un peu de temps pour tourner autour et l’observer sous différents angles. Cela prendra quelques secondes, il n’est pas nécessaire d’y passer des heures. Parfois, attendre plus longtemps que la lumière bouge peut s’avérer intéressant, mais en général, vous pourrez appréhender votre sujet par la droite, puis par l’arrière et par la gauche en moins d’une minute.

Ce n’est pas tout ! Repensez au poteau d’1m90, vous pourriez le rallonger ou le plier en deux… Votre angle de vue serait alors encore différent. Et c’est à cet instant que le mot souplesse prends tout son sens . Donc, faites ce qu’un trop petit nombre de photographes fait naturellement, prenez de la hauteur ou baissez-vous.

Se positionner par rapport à la lumière en pratique

En résumé, des gestes simples tels que se baisser, monter sur un mur ou sur un chaise, gravir quelques marches ou les descendre, en gros chercher à bouger et à changer de point de vue est une attitude payante qui amène souvent non seulement à un nouveau regard sur la lumière mais également sur la perspective que l’on a de la scène.

Cette approche du regard dans le mouvement permet d’élargir non seulement ce que les yeux observent, la lumière, mais elle permet aussi d’élargir la conscience que l’on a des éléments à proximité du sujet principal, les autres objets ou personnes visibles dans la scène.

Par exemple, vous alliez peut-être vous concentrer sur un enfant et en prenant le temps d’élargir votre regard, de faire quelques pas en arrière, vous remarquez qu’un adulte s’approche de lui. Peut-être que son passage va faire varier un peu la lumière qui sera plus agréable. Il se pourrait peut-être aussi qu’ils interagisse et que la scène soit plus intéressante.

Les exemples où la position par rapport à la lumière et au sujet est un facteur clé de réussite de l’image sont infinis. Ce n’est évidemment pas le seul facteur mais si la lumière est flatteuse et qu’elle vient jouer avec le sujet pour le mettre en valeur, c’est un excellent début !

Conclusion

Cette fois ça y est, vous devriez être en voie de devenir un(e) photographe danseur(euse). Dès lors, vous ne devriez plus jamais rester statique face à votre sujet. Vous allez chercher le bon angle, la bonne perspective. Vous allez tourner, vous baisser, prendre de la hauteur, vous allez bouger votre œil et vos pieds jusqu’à ce que la lumière soit la plus intéressante.

A vous ! Sautez dans une bonne paire de chaussures confortables pour être plus souple physiquement lors de vos sorties photo, ça vous aidera… Et pensez toujours à bouger, un pas en arrière, en avant ou sur le côté pour élargir votre vision… Pensez Salsa En commentaires ci-dessous, dites-moi si vous faites déjà naturellement des pas de danse pour trouver des angles de vue plus originaux et les meilleures lumières ou si vous avez plutôt tendance à rester statique, à hauteur d’œil pour prendre vos photos ?

L’article Se positionner par rapport à la lumière… pourquoi est-ce important et comment s’y prendre ? est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Vous allez surtout découvrir :

• Comment guider le lecteur dans la scène (et lui donner l’envie d’en vouloir plus).
• Comment placer votre horizon pour un maximum d’équilibre et de dynamique.
• Une astuce simple pour des clichés de paysage minimalistes.
• Une technique sympa pour capter le lecteur exactement à l’endroit où vous le souhaitez.
• Et plus encore…

Donc, si vous êtes prêt à amener vos compositions de paysage au niveau supérieur, allons-y, commençons avec ma première technique la plus utile

1. Inclure un sujet principal pour engager le lecteur

Pour instantanément monter de niveau avec vos compositions de paysage, vous devriez commencer par inclure un sujet clair et identifiable dans chacune de vos photos. Le sujet peut être n’importe quoi, un caillou, une montagne, une rivière, un coquillage sur une plage, des vagues qui s’écrasent sur la côte, un éclair dans le ciel.

Le truc est d’inclure au moins un élément sur lequel le lecteur puisse s’accrocher, quelque chose qui les capte, qui les aspire dans le cadre et attise leur intérêt. Sans quoi, votre lecteur sera confus. Ils ne sauront pas où regarder et passeront à une autre image sans revenir à la vôtre… ce qui n’est pas votre but en tant que photographe !

Ici, le sujet principal est la tente, c’est ce qui attire l’attention du lecteur.

Est-ce bien d’inclure plusieurs points d’intérêt ? Absolument ! En fait, de nombreux photographes de paysage actuels se spécialisent dans le fait d’introduire un sujet à l’avant plan et un autre à l’arrière-plan dans une seule image (plus à ce sujet plus loin dans l’article). Mais attention de ne pas incorporer trop de sujets ce qui pourrait perdre le lecteur dans sa lecture de votre photo. Dans le doute, la simplicité reste toujours la meilleure solution.

2. Considérer l’intérêt de l’avant-plan pour créer de la profondeur

La plupart des photos de paysage, même les plus médiocres incluent un point d’intérêt dans l’arrière-plan, tel qu’une montagne distante, un couché de soleil dramatique ou une maison sur une falaise. Mais si vous souhaitez réellement des photos de paysage d’un niveau supérieur, je recommande fortement d’ajouter un point d’intérêt dans l’avant plan. Il devrait se situer quelque part entre votre appareil et l’arrière-plan.

Ceci est un outil puissant, particulièrement utilisé par les photographes de paysage professionnels du moment. Et pourquoi cette technique est-elle si populaire ? Simplement parce qu’elle permet de créer une illusion de profondeur dans la scène. Par exemple, une photo d’une montagne éloignée peut paraître attrayante mais souvent elle apparaît plutôt plate. Mais ajouter un sujet comme une barrière ou un pont proche de l’appareil et ça approfondit immédiatement l’ensemble de la composition. Le lecteur se concentre d’abord sur la barrière de l’avant plan, bouge ensuite vers le plan médian et fini par voir les superbes montagnes du fond (arrière-plan).

Donc la prochaine fois que vous rencontrez un magnifique sujet d’arrière-plan, comme les montagnes que j’ai mentionné plus haut…

… prenez un moment pour observer les points d’intérêt potentiels dans l’avant plan. Combinez ensuite ces deux parties en une seule photo. Notez que le point d’intérêt de l’avant plan peut être un sujet discret, comme un carré d’herbe. Ou simplement quelque chose qui peut guider l’œil dans le cadre, comme nous le verront au point 6 de cet article.

3. Utiliser la règle des tiers pour positionner les éléments principaux

La règle des tiers est un de mes outils de composition favoris en photographie de paysage. C’est une excellente manière de débuter avec la composition qui vous donnera une façon d’organiser facilement les éléments clé dans votre cadre. Dont votre sujet principal, votre horizon et les autres éléments qui permettront de renforcer le tout.

Pour celles et ceux qui ne sont pas familiers avec elle, la règle des tiers vous dit de partager votre composition en tiers verticaux et horizontaux de manière à obtenir une grille de neuf zones rectangulaires. Pour des compositions plus puissantes, vous devriez placer les éléments principaux de votre composition sur ces lignes, ou mieux encore (quand c’est possible) sur les points d’intersection.

Cela entre souvent en jeu lorsqu’on utilise les lignes d’horizon. Plutôt que de placer l’horizon pile poil au centre du cadre, vous pouvez le mettre le long d’une ligne de tiers (ou ligne de force). La ligne de tiers supérieure si vous avez un avant plan particulièrement intéressant. La linge de tiers inférieure si vous avez un ciel coloré ou dramatique. Pour l’image ci-dessous, le ciel était coloré et intéressant mais montrer le contexte et l’environnement si particulier de la Toscane était plus important.

Vous pouvez aussi utiliser la règle des tiers pour positionner votre sujet principal. En le plaçant le long d’une des lignes de tiers verticales, ou mieux encore sur un point fort (intersection de deux lignes de force).

Un petit mot d’avertissement cependant. La règle des tiers est une technique utile mais malgré son nom ce n’est pas une règle de composition « ultime » pour paysage. Plutôt un guide, donc vous ne devez pas l’utiliser systématiquement. Alors, utilisez-la lorsque ça fonctionne et contournez-la quand ce n’est pas le cas. Ça a du sens pour vous ?

4. Utiliser les cadres naturels pour guider le regard du lecteur

Comme nous l’avons vu plus haut dans cet article, les points d’intérêt dans l’avant plan sont une très bonne manière de donner de la profondeur aux compositions de paysage. Cependant, parfois vous rencontrez des éléments de premier plan qui ne peuvent pas tout à fait fonctionner comme un élément de composition discret. Mais il pourrait être utilisé au bord de votre cadre pour créer un cadre dans le cadre.

Cette technique photo de cadrage pour les paysages consiste à inclure des éléments tangents au(x) bord(s) de l’image et de les utiliser pour diriger le regard du lecteur vers les points d’intérêt du plan principal ou de l’arrière-plan. Dans l’exemple ci-dessous, le regard est guidé vers le phare de l’arrière-plan grâce aux rochers de l’avant plan.

Vous pouvez aussi utiliser des branches surplombant la scène majestueuse ou un tunnel de pierres menant vers un coucher de soleil.

Dans les grands espaces, trouver des cadres peut être difficile. Mais si vous photographiez dans un paysage plus chaotique, vous pouvez souvent trouver des arbres ou des rochers pour créer un cadre. En fait, ce sont souvent ces cadres simples qui font passer une bonne composition au niveau supérieur. Ils aident le lecteur à se concentrer sur un endroit de l’image en lui montrant exactement où regarder. Et lorsqu’ils sont positionnés avec soin, ils peuvent également bloquer les éléments gênants.

5. Faire usage (abusif) des espaces négatifs pour créer des paysages minimalistes

De nos jours, le minimalisme fait fureur en photographie de paysage. Mais comment ça fonctionne ? Pour commencer, il faut trouver une scène pleine d’espace négatif. L’espace négatif fait référence à une composition vide, comme une grande zone de ciel bleu, une énorme étendue d’herbe verte, une plage lisse et stérile,…

Ensuite, cherchez un petit sujet isolé et paraissant seul, comme un arbre dans un champ, un rocher sortant d’un paysage plat, ou le plus souvent, une personne. Et pour finir, placez votre sujet isolé de manière à ce qu’il soit petit dans le cadre et entouré de cet énorme espace négatif. Dans ce cas, il est souvent pertinent de briser la règle des tiers. Plutôt que de mettre votre sujet sur un point fort (point d’intersection de la règle des tiers), vous pouvez le placer proche des bords du cadre, ce qui renforcerait l’impression de vide.

Vous obtiendrez une photo accrocheuse, à la fois contemporaine et intemporelle.

6. Utiliser les lignes directrices pour aspirer le lecteur dans la scène

Les lignes directrices sont les lignes qui guident le lecteur à travers la scène. Généralement, elles démarrent dans l’avant plan de la composition et partent loin, loin, loin… jusqu’à atteindre un sujet éloigné de l’arrière-plan. Dans la photo ci-dessous, la route agit comme une ligne directrice, qui nous emmène vers cette grosse montagne volcanique.

La route n’est pas un sujet discret mais peut fournir un intérêt de l’avant plan qui fait voyager le lecteur vers l’arrière-plan.

D’ailleurs, vous pouvez créer des lignes directrices à partir de pratiquement n’importe quoi. Je vous recommande chaudement de jeter un œil à certaines de vos photos de paysage favorites et regarder comment elles intègrent les lignes directrices. Vous trouverez toutes sortes de compositions créatives, avec des lignes créées à partir de routes, rivières, arbres, fougères, petits sentiers,… et plein d’autres.

7. Utiliser les couches pour simplifier la scène

La technique des couches est très appréciée en photographie de paysage car elle rend les scènes plus simples, plus digestes et magnifie tout ce qui les entoure. Lorsque vous sortez avec votre appareil, cherchez simplement une couche inférieure, une couche intermédiaire et une couche supérieure dégagées (même si plus de couches fonctionne aussi !).

Un des grands avantages des compositions en couche c’est quelle fonctionne quels que soient la longueur focale ou le sujet choisis. Vous pouvez créer des images en couche au grand-angle en incorporant trois couches dégagées et distinctes pour les trois plans de la composition (avant plan, plan moyen et arrière-plan).

Comme vous pouvez créer des images en couche au téléobjectif en compressant les différents éléments distants les uns des autres. Dans l’exemple ci-dessous, nous avons des montagnes mais il est aussi possible de travailler en couches avec les arbres, les dunes et bien d’autres.

Il n’est pas toujours possible de travailler en couche pour chaque composition mais lorsqu’on trouve une scène avec des éléments qui se répètent ou se chevauchent, c’est un bon signe que cela est possible. Je vous recommande de tenter cette technique de ces cas-là.

8. Intégrer les lignes diagonales pour ajouter du mouvement

C’est un des outils de composition de paysage plus avancé et l’effet peut être subtile. Mais lorsqu’il est utilisé correctement, il peut élever une bonne photo vers une excellente photo. Les lignes diagonales sont une manière efficace de faire voyager l’œil dans la scène et rendre l’image plus fluide. Elles vont soigneusement guider le lecteur vers le sujet principal. Tout en l’invitant à prendre du plaisir à voyager dans votre photo.

Pour commencer, je vous recommande d’identifier votre sujet principal. C’est lui qui sera le point d’accroche de votre image et l’endroit où vous souhaitez que vos lignes diagonales mènent. Déplacez-vous alors pour chercher pour trouver les diagonales potentielles pointant vers (et non partant de) votre sujet. Vous devrez être créatifs. Toutes les options peuvent être considérées, les chemins, les lignes d’arbres, les rivières, les clôtures, une ombre et même les nuages.

Enfin, composez votre image en incluant au moins une ligne diagonale positionnée vers votre sujet et sentez-vous libre d’utiliser deux, trois ou quatre lignes si vous les trouvez. Notez que les lignes diagonales peuvent être des lignes directrices de l’avant plan, mais ce n’est pas nécessaire. Il est préférable de trouver des lignes diagonales qui prennent leur source de plus loin dès qu’elles s’orientent vers le sujet principal.

9. Oser se rapprocher ou cadrer plus serré

La plupart des photographes font de la photographie de paysage avec des objectifs grand-angle. Et en général, ça fonctionne vraiment bien. Vous pouvez capturer l’immensité d’une scène tout en mettant en évidence des sujets dans l’avant plan et l’arrière-plan. Cela dit, il est parfois plus intéressant de zoomer serré en utilisant un téléobjectif. Un 70-200mm ou un 100-400mm fera très bien le boulot.

Cette technique fonctionne particulièrement bien avec les sujets relativement plats avec des lignes graphiques comme une chute d’eau distante, des fissures dans la paroi d’une falaise ou une succession de montagnes. Zoomer compressera la scène, donc les conseils sur l’ajout de profondeur ont tendance en éclat et ce n’est pas grave .

A la place, concentrez-vous sur les outils de composition de paysage comme la règle des tiers pour créer équilibre et fluidité. Et comme je l’ai dit au début de cet article, faites en sorte d’inclure un point d’intérêt clair !

10. Utiliser la géométrie et plus particulièrement les triangles pour ajouter de la fluidité et de la stabilité

En photographie de paysage, la géométrie est votre amie. Plus précisément, vous pouvez inclure des formes telles que des triangles, des carrés et des cercles dans vos compositions. Cela vous aidera à créer fluidité et stabilité, en plus, elles donnent un rendu très sympa, spécialement lorsque c’est fait avec subtilité.

Par exemple, pensez à considérer le triangle, l’une des formes les plus puissante pour le photographe de paysage. Il inclut des lignes diagonales et par conséquent ajoute une bonne dose de mouvement. Il a aussi tendance à être très stable, merci à ses bords solides et sa large base.

Les cercles sont super aussi ! Des cercles partiels créent de très jolies courbes donnant une belle impression de stabilité. Et les cercles complets sont de très bons points d’intérêt pour attirer le regard. D’ailleurs il n’est pas nécessaire de trouver ou utiliser des formes complètes en paysage. Ça fonctionne très bien en utilisant n’importe caillou circulaire, une montagne vaguement triangulaire,…

L’idée est d’inclure des éléments ressemblant à des formes connues quand vous pouvez, sans trop stresser de savoir si vous avez une forme parfaite ou une forme implicite. De cette manière, vous créez des compositions fortes qui restent naturelles. Vous voyez un peu ?

Pour conclure

Bien, cette fois, vous les avez… 10 techniques pour améliorer considérablement vos compositions en photographie de paysage. Pratiquez-les ! Et avant tout, amusez-vous ! 

Et vous, laquelle de ces astuces de composition pour le paysage utilisez-vous le plus ou préférez-vous ? Laquelle allez-vous essayer en premier ? Dites-le moi en commentaire sous cet article.

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Quand on apprend la photographie on nous dit de nous concentrer sur le sujet, de faire en sorte qu’il soit visible et identifiable. De ce fait on a tendance à négliger tout ce qu’il y a autour. Pourtant l’environnement et l’arrière-plan ont également toute leur importance. Éviter les éléments perturbateurs ou tout autre sujet non désiré qui attireraient l’œil peut avoir un réel effet bénéfique sur le rendu de vos photos.

Les espaces positif et négatif

Mais qu’est ce que c’est que cet espace négatif ? Pour mieux comprendre cette notion, commençons par voir ce qu’est l’espace positif. Comme vous le savez certainement, en photographie, il y a des règles. Certaines d’entre elles, qui font partie des règles de composition, recommandent de choisir un sujet, de faire en sorte que celui-ci soit net et de le faire ressortir de son environnement en jouant avec la profondeur de champ, par exemple.

Eh bien, dans une photo, l’espace positif représente toute la partie principale et active de l’image, c’est-à-dire celle essentiellement composée par le sujet. Cependant, on peut faire ressortir son sujet en contournant les règles de composition, grâce à l’espace négatif. En opposition à l’espace positif, l’espace négatif est la zone dans laquelle on retrouve tous les éléments non-actifs. En gros, l’arrière-plan et tout ce qui entoure le sujet.

L’exemple un peu simpliste ci-dessus montre l’espace positif avec le sujet, ce chat noir. Mais également l’espace négatif, le fond blanc qui représente les mains d’une personne. On voit bien ici que sans l’espace négatif, le sujet serait beaucoup moins facilement identifiable. Dans cet exemple, la partie blanche apporte réellement un plus à l’image. Elle renforce et clarifie le message. Voila l’intérêt de l’espace négatif que nous pouvons tout à fait appliquer à la photographie.

Les fonctions de l’espace négatif

1. Faire ressortir le sujet

En indiquant clairement le sujet principale de notre cliché, il devient plus simple d’exprimer des sentiments sur l’image et donc plus facile à comprendre pour le lecteur. Ce qui permet de transmettre directement un message clair et concis.

2. Déterminer le sujet (et le nuancer)

Comme le spectateur ne se fatigue pas à chercher un sens à la photo, pour maintenir son attention dans notre image, nous devons définir clairement le sujet ou l’objet principal. C’est l’arrière-plan ou autrement dit l’espace négatif qui nous permet de délimiter le début et la fin du centre d’intérêt de notre photo.

Comment l’identifier

Dans une image, le fond (notre espace négatif) a un rôle de remplissage mais il ne doit en aucun cas prendre le dessus sur le sujet principal. Il a donc une fonction essentielle pour rendre la photo harmonieuse. Une photo harmonieuse est une image dans laquelle il y a une sorte d’équilibre entre le sujet principal et le fond qui le met en évidence. C’est pour cela que toutes les compositions, couleurs ou textures ne se valent pas.

Une image se compose de trois parties. Le cadre, l’espace positif et le négatif.

• Le cadre impose les limites de l’image, autrement dit ses bords.
• L’espace positif comprend le sujet principal, ce que l’on veut montrer

L’espace négatif représente l’arrière-plan ou disons la fondation de l’image. Il est utile pour donner le contexte d’un situation ou le sentiment à transmettre. L’espace négatif est d’ailleurs primordial lorsque l’on souhaite traduite des sentiments.

Dans l’exemple ci-dessus, je vous montre les différentes parties. Vous pouvez voir le cadre qui délimite l’image, l’espace positif comprenant le sujet et l’espace négatif formé par ce qui entoure le sujet (l’avant plan dans ce cas-ci.

Comment le gérer en pratique

En pratique, il est important d’observer l’environnement du sujet et analyser s’il peut apporter un plus, aider à mettre le sujet en évidence ou plutôt distraire le lecteur. Il faut surtout faire attention à une chose pour que l’impact de votre image soit vraiment fort : l’espace négatif doit être franchement majoritaire. Il faut que l’intention photographique soit évidente sans quoi vous risquez l’erreur de composition

Comme dans l’exemple ci-dessous, en donnant de l’importance à l’espace négatif, on met son sujet, donc l’espace positif, en avant. Une grande zone de vide dans votre composition va renforcer le sujet en l’isolant. Il faut cependant respecter quelques principes pour que la composition soit réussie. Pour mieux briser les règles de composition classiques, il faut respecter certaines règles. L’espace négatif doit

• être neutre, voir uni.
• être (très très) important/grand.
• s’utiliser dans des compositions plutôt minimalistes.

Quelques exemples

L’utilisation de l’espace négatif s’applique à la plupart des domaines des la photographie. En photo de paysage, de portrait, d’objet ou documentaire. En paysage par exemple, cela permet de renforcer l’impression d’espace comme le montre l’image du voilier perdu dans l’immensité de l’océan ci-dessous.

De même, on peut utiliser cette technique pour isoler un objet et renforcer une sensation de solitude. C’est le cas de la photo de la tasse de café ci-dessous.

La photographie macro ne fait pas exception, la technique fonctionne également.

Pour conclure, la technique de l’espace négatif est assez simple à mettre en place. Elle permet d’ajouter un peu d’originalité à vos photos tout en permettant d’augmenter le niveau de lecture. C’est donc une approche à utiliser de temps en temps, même si nous avons naturellement tendance à placer notre sujet au centre de la composition.

A vous d’essayer cette technique et de partager vos photos sur le sujet plus bas en commentaire de cet article. Et n’hésitez pas à partager avec vos amis photographes si vous avez trouvé le sujet intéressant.

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La lumière est nécessaire pour faire de la photographie, ça vous le savez déjà ! Mais comment seraient vos photos si vous pouviez l’observer et voir les effets positifs (ou négatifs) qu’elle peut apporter à vos images au moment de la prise de vues. Quand vous savez vraiment comment vous en servir à votre avantage, elle permet de créer des atmosphères particulières ou désirées. Elle peut aussi permettre de situer le moment de la scène capturée. Bref, voyons ensemble ce qu’est la lumière pour les photographes que nous sommes et comment parvenir à l’apprivoiser.

Qu’est-ce que la lumière

Commençons par quelques définitions de la lumière :

• Rayonnement électromagnétique dont la longueur d’onde, comprise entre 400 et 780 nm, correspond à la zone de sensibilité de l’œil humain, entre l’ultraviolet et l’infrarouge (cf Larousse).
   
• Clarté émise par le soleil, qui éclaire les objets et les rend visibles : Laisser pénétrer la lumière dans la pièce (cf Larousse).
   

Dans son sens particulier le plus courant, la lumière est un phénomène physique qui peut produire une sensation visuelle. La physique détermine qu’il s’agit d’ondes électromagnétiques dont les longueurs d’onde dans le vide sont autour de 550 nm, plus ou moins un tiers, ces limites imprécises et variant selon les espèces correspondant, par un effet d’adaptation à l’environnement, à la région du spectre électromagnétique où l’éclairement énergétique solaire est maximal à la surface de la Terre (cf Wikipédia).

On comprend que la lumière est un rayonnement qui éclaire des éléments ou des sujets afin de les rendre visibles pour l’œil humain. Plus particulièrement en photographie, vous devez comprendre que c’est le moyen de mettre en valeur votre sujet. Ou, autrement dit, que vous devez apprendre à vous en servir pour mettre votre sujet en valeur.

Selon ses caractéristiques et la façon donc vous l’utilisez, la lumière crée un modelé différent sur votre sujet, quel qu’il soit. Certaines lumières seront flatteuses et agréables alors que d’autres seront totalement néfastes et à éviter. Pour cela, commencez par déterminer les sources disponibles autour de vous et voyez comment vous en servir.

Les sources de lumière

La lumière est partout, qu’elle soit naturelle ou artificielle… heureusement, sinon je ne vous dis pas la galère dans le noir complet ! On a le soleil durant la journée bien sûr, mais aussi la lune pendant la nuit. Ces sources naturelles peuvent être complètement visibles ou partiellement voire totalement cachées par des nuages ou autres. Ce qui change totalement la façon dont les éléments seront éclairés. On ne parle là que des sources naturelles.

Les sources artificielles sont infiniment plus nombreuses, lampes, bougies, flashs, éclairages de studio, vitrines, écrans et j’en passe. En studio, par exemple, c’est le rôle du photographe de préparer ses éclairages et de les disposer de la meilleure manière pour obtenir le résultat qu’il recherche. Il peut choisir leur position, plus proche ou plus lointaine par rapport au sujet. S’il veut mettre un diffuseur type softbox pour adoucir le rendu ou laisser les rayons lumineux atteindre le sujet en direct,…

Les caractéristiques de la lumière

Tout au long d’une journée, vous ne trouverez pas les mêmes lumières. Si vous changez d’endroit et plus encore de latitude, elles seront aussi très différentes. Cela est dû aux caractéristiques de la lumière.  Elle possède quatre grandes caractéristiques qui la déterminent : son intensité, sa direction, sa qualité et sa chaleur. Chacun de ces facteurs influence le rendu de la lumière qui éclaire une scène. Nous allons détailler ces quatre facteurs et voir leurs effets sur la scène ou le sujet.

1. L’intensité de la lumière

L’intensité correspond à la quantité de lumière disponible arrivant sur le sujet. Selon sa taille, sa matière et sa couleur, chaque sujet réfléchit la lumière différemment d’un autre. Ils n’ont donc pas besoin de la même intensité pour être éclairés. Il n’y aura pas la même intensité lors d’une journée de ciel dégagé qu’un jour de pluie. Et pourtant le soleil lui est bien le même, le sujet ne reçoit pourtant pas la même quantité de lumière. L’intensité détermine par conséquent le contraste de la scène ou du sujet éclairé.

On parle de contraste lorsqu’il y a une différence entre les tons foncés et les tons clairs. Plus le rapport entre les hautes lumières et les basses lumières (ombres) est grand, plus il y a de contraste. Avec un éclairage intense, le contraste sera naturellement plus fort qu’avec un éclairage plus doux. Pour donner un exemple plus concret, regarder les contrastes et les fortes ombres visibles sur les visages de personnes photographiées à midi lors d’une journée ensoleillée en été. En cette même journée, les lumières et les ombres seront bien plus douces, si vous attendez la fin d’après-midi ou si vous aviez choisi les premières heures du jour.

2. La direction de la lumière

Selon sa source, la lumière peut venir de divers côtés. Si on prend le cas du soleil, nous avons l’habitude qu’il vienne d’en haut avec un angle qui varie en fonction du moment de la journée ou de l’année (heures et saisons). Le photographe peut modifier l’angle ou la direction de la lumière grâce à certains accessoires comme le réflecteur.

Avec une lampe ou un flash, vous pouvez facilement choisir l’angle précis que prendra la lumière. C’est aussi possible avec la lumière naturelle même si moins facile. Ces différents angles ont des noms qu’il est bien de connaitre : Lumière…

• Frontale : comme son nom l’indique, lumière qui arrive face au sujet et donne peu de modelé.
• Oblique : lumière venant à 45° de la gauche ou de la droite du sujet créant des ombres à l’opposé.
• Latérale : plutôt extrême, le sujet n’est éclairé que d’un seul côté avec fort contraste.
• Contre-Jour : lumière venant de l’arrière du sujet et le plongeant dans son ombre (propre).
• Plongée ou Contre-Plongée : venant du haut ou du bas en face du sujet. Moins utilisé.
• Rasante : placée sur le côté, elle vient affleurer la surface éclairée faisant ressortir les moindre détails.
• Directe : lumière qui vient directement de la source pour éclairer le sujet.

Indirecte : lumière réfléchie sur une surface éclairant le sujet.

3. La qualité de la lumière

Comme je l’ai mentionné plus haut, il existe une multitude de sources lumineuses. Celles-ce peuvent en plus être utilisées de différentes manières : directe, dirigée ou diffuse. C’est selon la manière choisie ou disponible que va dépendre la qualité de la lumière et donc inévitablement aussi la qualité des ombres. La lumière est dite :

• Directe : lorsque la source est ponctuelle comme la lumière du jour ou une ampoule seule.
• Dirigée : lorsque les rayons lumineux sont concentrés en passant à travers une lentille et convergent en un faisceau. C’est le cas des projecteurs. La lumière dirigée est plus dure et contrastée avec des ombres portées plus nettes que la directe. C’est le cas de la lumière du jour qui entre par une fenêtre ou une porte entrouverte.

Diffuse : lorsqu’un écran opaque est interposé entre la source et le sujet. La lumière sera plus douce et moins contrastée que la directe. C’est le cas avec un diffuseur ou une softbox en studio mais aussi lors d’une journée nuageuse en lumière naturelle.

4. La température de la lumière

Quand on parle de chaleur de la lumière, on pense surtout à la température des couleurs et donc à la balance des blancs. Toutes les sources ont une température de couleur propre. Certaines sources sont plus chaudes comme une bougie, un coucher de soleil ou la fin de journée en automne. A l’inverse, un flash, la lumière naturelle d’une journée pluvieuse ou à l’ombre seront des sources plus froides.

Cette notion de température de couleur est surtout importante pour la balance des blancs étant donné que ces sources vont influencer la couleur renvoyée par le sujet qu’elles éclairent. Bien sûr, cela aura peu ou pas d’effet si vous photographiez en noir & blanc. Mais en couleur, soyez toujours vigilant à la température de vos sources.

S’entrainer

Le meilleur moyen d’apprivoiser la lumière en photographie est de s’entrainer. Pas nécessairement en prenant des photos. Déjà, juste en observant différentes scènes tout au long d’une journée, d’une semaine, à chaque fois que vous en avez l’occasion. Plus vous serez attentif à la façon dont la lumière éclaire et modèle une scène ou un sujet, plus vous apprendrez et plus vous serez apte à l’utiliser au mieux pour vos photos.

Pour vous entrainer, je vous propose un petit exercice pratique en deux étapes.

1. La première est de choisir un lieu près de chez vous et de vous y rendre sans appareil photo. Commencez par y aller une fois le matin, une autre fois le midi et une troisième fois en fin de journée. Observez comment la scène est éclairée, de même pour les éléments présents. D’où vient la lumière ? Est-elle directe ou indirecte, intense ou douce ? Crée-t-elle de forts contrastes et des ombres marquées ou non ? Essayez de nommer les lumières et leurs directions, …
    
2. Pour la deuxième partie, refaites la même chose qu’au point 1 mais cette fois avec votre appareil photo et tentez de capturer ce que vous voyez. Ensuite, analysez vos images pour voir si vous pouvez percevoir et décrire la lumière de la même manière.
   Note : Le noir & blanc renforce l’effet de la lumière. Vous pourrez mieux voir ses caractéristiques en photographiant en noir & blanc.

Conclusion

Pour conclure cet article sur la lumière, je dirais que quel que soit le domaine de la photographie que vous affectionnez et quel que soit votre niveau, il est toujours intéressant de considérer la lumière. Essayez toujours de l’observer avant de prendre vos clichés. Déterminer la source et ses caractéristiques. Plus vous ferez ce petit exercice, plus vous irez vite pour la voir et vous adapter au mieux. Un petit peu chaque jour, même sans avoir d’appareil photo à la main. Encore une fois, la lumière est partout, donc il ne tient qu’à vous de pratiquer Si vous avez aimez cet article et que vous souhaitez en faire profiter quelqu’un, un ami, un proche, partagez-le… vous aiderez peut-être quelqu’un à se rendre compte de l’importance de savoir lire la lumière lorsque l’on est photographe.

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1. Trompe-l’œil

Comme nous avons vu dans un précédent article de cette série, les perspectives permettent de donner du volume à l’image. En utilisant les perspectives différemment, il est possible de créer des illusions. Dans ce cas précis, la perception des différents plans de l’image peuvent être vus comme un seul dans lequel on aurait de grands objets (proches) face à d’autres, très petits (à cause de leur distance par rapport au photographe). Cela est produit à la prise de vue plutôt que d’utiliser n’importe quelle technique de retouche photo.

Le principe trompe l’œil ou illusion est lié au fait de créer des images décalées. De capturer des situations ou des sujets normaux mais qui expriment une autre réalité, voire qui soient complètement surréalistes. Cela pousse le lecteur (ou son cerveau) à se poser des questions et à chercher ce qui « cloche ».

2. Reflet

Utiliser les reflets est source de créativité. C’est un art qui demande de creuser dans son imagination pour découvrir la beauté cachée de vos sujets. Une image reflétée offre toujours une version différente de la scène. L’avantage de ce genre de photographies est qu’il peut être exploré facilement à travers différents type de surfaces réfléchissantes. Une vitrine, un flaque d’eau ou même un mur en marbre peuvent renvoyer l’image de votre environnement. Vous pouvez trouver des reflets dans une quantité de choses tout autour de vous. Ouvrez l’œil !

Un grand nombre de photographes utilisent les reflets naturels, tels que les surfaces citées précédemment. Mais d’autres, les créent avec différents accessoires et techniques. C’est le cas de Sam Hurd dont je vous ai déjà parlé sur le blog. Il en a d’ailleurs fait une part de son style.

3. Symétrie

La symétrie peut en partie rejoindre le principe précédent. En effet, il est possible de créer de la symétrie grâce aux reflets. Par contre, on peut aussi retrouver des éléments pour lesquels la symétrie est déjà présente dans la nature ou dans notre environnement. C’est le cas de certaines œuvres architecturales ou de sujets vivants qui capturés au bon moment peuvent entrer dans cette catégorie. Comme l’exemple des girafes ci-dessous. La symétrie amène un certain équilibre qui donne un sentiment de paix, de détente.

4. Cadre dans le Cadre

Celui-ci aussi fait partie des principes de composition assez facile à mettre en place. Utilisez les éléments de votre environnement pour créer des cadres à l’intérieur de vos images. Cette technique vous aidera à mettre en évidence votre (ou vos) sujet(s). Il existe de nombreuses possibilités de rajouter un cadre. Ce peut être une fenêtre ou toute autre cavité à travers laquelle vous pouvez prendre votre photo. C’est finalement un principe de composition relativement simple à mettre en œuvre. Cependant, veillez à ne pas en abuser car il peut être lassant, à force. Excepté si vous voulez réaliser une série sur ce thème.

5. Abstraction

Se dit d’une photo dont le sujet n’est pas clairement identifiable. Ou plutôt, dont le sujet principal n’est pas reconnaissable. Même si ce sujet est un élément courant, que tout un chacun connaît, la façon dont il est représenté rend l’image abstraite. Autrement dit, ce principe de composition, consiste à créer des images irréalistes ou artistiques pour permettre à l’imaginaire du lecteur de fonctionner. Que ce soient des formes, des couleurs ou toute autre représentation d’éléments dont la forme originale disparaît pour laisser place à quelque chose d’unique. Le mieux est de voir cela en images…

6. Équilibre

Comme on l’a vu précédemment, décaler votre sujet principal comme le recommande la règle des tiers permet de créer des photos plus intéressantes. Mais cela peut parfois laisser un grand espace libre dans la scène qui nous fait vivre une impression de vide. Vous devriez alors équilibrer le « poids » de votre sujet en incluant un autre objet de moindre importance pour remplir l’espace. Cet équilibre peut être obtenu en compensant le poids visuel du sujet principal avec un deuxième sujet plus petit ou plus lointain qui remplira ce vide. Il s’agit dans une majorité de cas de faire ce qu’on appelle un équilibre asymétrique. Il existe différents autres équilibres possibles : l’équilibre des couleurs, l’équilibre tonal ou l’équilibre conceptuel. Dans l’exemple ci-dessous le poids visuel du vélo à droite est équilibré par la fenêtre de l’autre côté de l’image.

7. Patience

Je terminerai avec celui-ci car il est pour moi le plus important mais aussi probablement le moins évident à maîtriser. Le bon moment, l’instant « idéal » où il faut déclencher pour obtenir LA photo… La seconde d’avant, trop tôt, celle d’après, trop tard. Deux moments qui ne donneraient pas la même signification à l’image. Pour obtenir le bon moment, la patience peut être la clé. Être au bon endroit et pouvoir attendre le bon moment pour déclencher !

Je vais une fois encore citer Alan Schaller car il est pour moi l’exemple même du « bon moment » en photographie. Une part non négligeable de ses images reflète des photos pour lesquelles au-delà du regard, beaucoup de patience a dû être nécessaire pour arriver au résultat. Il n’est pas le seul bien sûr !

La photo de rue est d’ailleurs une des disciplines pour laquelle la patience et la recherche de l’instant sont nécessaires. Vous pourrez donc trouver d’autres exemples en cherchant un peu à propos de la photo de rue. Mais je vous en donne un que j’aime énormément, la photo de Elliot Erwitt ci-dessous qui représente plutôt bien ce qui peut être réalisé avec de la patience et beaucoup d’observation . Pour ceux qui l’ont remarqué, cette photo pourrait également être un exemple pour le principe n°1, les illusions.

Conclusion

Comme je vous le disais au début de cet article, les principes de composition peuvent être une énorme source d’inspiration. Vous doutez, ou vous ne savez plus quoi prendre en photo. Prenez simplement un des principes de composition et choisissez en un que vous appliquez pendant une semaine (ou deux). Vous pourrez, sans aucun doute, observer votre évolution et votre envie de prendre de belles photos grandir rapidement. Essayez !

Vous m’en direz des nouvelles… Cette dernière série de principes vous a-t-elle parlé ou donné envie de les tester ? Faites-vous déjà des photos basées sur ces principes de composition ? Dites-moi tout en commentaire ci-dessous.

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1. Contraste

Commençons avec le contraste qui permet à lui seul de mettre un sujet en évidence. Il existe plusieurs types de contrastes dont le contraste de couleur et le contraste de tonalité (ou de ton). Ce qu’on appelle contraste en photographie, c’est le grand écart de luminosité ou de couleur entre deux parties de l’image. Plus cet écart est important, plus on dit que le contraste est fort. Et c’est ce grand décalage qui va permettre de renforcer la présence du sujet. Le Contraste de Tonalité Lorsqu’on photographie en noir et blanc, le contraste de ton est l’essentiel de la composition. Mettre un sujet sombre sur un fond clair ou une visage clair devant un fond noir dirige l’œil où on le souhaite. C’est accrocheur, ça ajoute de la dimension et rend l’image attrayante.

Le Contraste de Couleur

Nous avons un peu le même principe avec les couleurs. Comme vous le savez probablement, les couleurs opposées se renforcent. Par conséquent, si vous trouver à capturer des images dans lesquelles il y a un élément dont la couleur est complémentaire à la couleur dominante de votre photo, ce sera très accrocheur pour l’œil. Si vous le souhaitez, vous pouvez évidemment en apprendre un peu plus sur les couleurs complémentaires.

2. Proportion

Ce principe utilise la relation esthétique de taille entre différents éléments. Si vous photographiez en gigantesque arbre dans une forêt, comment votre meilleur amis pourrait se rendre compte de cette grandeur ? Prenez la même photo en intégrant une personne qui paraîtra si petite en comparaison et l’effet sera immédiat. Ajouter un repère « familier » dans votre image permet au cerveau de faire de lien avec ce qu’il connaît.

Décidez quel objet ou élément a une plus grande importance en jouant délibérément avec sa taille. Ce principe peut être utilisé pour mettre en évidence un élément particulier, comme dans l’exemple ci-dessous.

3. Perspective

Grâce aux perspectives, vous pouvez créer l’illusion de la 3D et créer de l’espace et de la profondeur. D’ailleurs, cette profondeur et d’échelle dans l’image sont créées en fonction de la distance, de la dimension et de la position du photographe par rapport à son sujet. Placez un objet au premier plan pour créer une distance et cherchez des lignes parallèles qui semblent converger avec la profondeur.

4. Nombre Impair (3 ou 5)

Une autre façon de créer des photos attrayantes est d’y intégrer un nombre impair de sujets similaires. Ce principe fonctionne très bien pour un nombre de cinq éléments et encore mieux avec trois. A chaque fois que vous aurez trois sujets bien placés dans votre image, il y aura une sorte d’équilibre agréable à regarder.

5. Répétition ou Motifs

L’idée ici est la duplication des éléments. En cherchant un peu, il existe beaucoup de possibilités de répétitions autour de nous. Des motifs sur les murs, certaines surfaces ou même dans la nature. Cela crée un sens du rythme qui est plaisant à regarder.

6. Harmonie

Ce principe pourrait presque être assimilé au précédent. C’est la combinaison d’éléments similaires comme les couleurs, la forme et la texture, disposés de manière cohérente. En composant une image avec les couleurs de la même palette on voit directement comment elles se mélangent. Cela ajoute une sensation agréable, qui stimule visuellement.

7. Dissonance

La dissonance est je trouve un des principes de composition les plus compliqués à observer ou retrouver. C’est l’instabilité produite lorsqu’un élément se démarque, qu’il est discordant ou déréglé. En d’autres termes, on obtient de la dissonance lorsque l’on photographie un groupe d’objets auquel on ajoute quelque chose d’étrange, de différencié. Ce qui a pour conséquence de créer de la tension et de l’étrangeté.

J’espère que ces 7 nouveaux principes de composition vous ont inspiré ? Il nous en reste plus que 7 que je vous présenterez dans le prochain article. N’hésitez pas à déjà me donner vos impressions sur ceux-ci en commentaire ci-dessous. Je me ferai un plaisir de vous lire et de vous répondre.

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