Il y a des photographes qui capturent l’instant, et d’autres qui capturent l’âme. Sebastião Salgado fait partie de ces rares artistes capables de transcender la réalité pour en révéler l’humanité profonde. C’est ce qui ressort de son travail dans les mines d’or de Serra Pelada, au cœur des famines africaines ou encore dans les forêts vierges de l’Amazonie. À travers son objectif, il n’a cessé de témoigner, avec force et dignité, de la condition humaine et de la beauté brute du monde. Plus qu’un photographe, Salgado est un conteur visuel, un témoin engagé, un passeur de mémoire… que nous n’oublierons pas.

Cet article vous plonge dans son œuvre, sa vision, et son engagement, à la croisée de l’art et de l’humanisme qui le caractérise.

Qui est Sebastião Salgado ?

Imaginez un jeune garçon né en 1944 au cœur du Brésil, dans l’état du Minas Gerais, entouré de forêts, de terres rouges et de plaines infinies. Ce garçon s’appelle Sebastião Salgado. À la base, rien ne le prédestinait à devenir photographe. Il commence à étudier l’économie à l’Université Fédérale de Minas Gerais dans les années 1960. C’est là qu’il obtient son diplôme avant de partir poursuivre ses études à Paris, où il a obtenu un doctorat en économie à l’Université Paris XIII.

Pendant ses années d’étude, il commence à découvrir le monde à travers des voyages. Il voyage notamment en Afrique pour des missions avec la Banque mondiale… mais quelque chose ne colle pas. Le monde qu’il observe lui semble trop distant, trop froid. Un jour, dans les années 70, il emprunte l’appareil photo de sa femme Lélia. Et là, c’est la révélation. Ce n’est pas avec des chiffres qu’il veut raconter l’histoire du monde, mais bien avec la lumière, des visages, des gestes.

Il décide de tout abandonner pour se lancer dans la photographie. Il débute en collaborant avec des agences prestigieuses comme Sygma, Gamma, puis Magnum Photos, aux côtés des plus grands. Son style, en noir et blanc intense, capte l’âme humaine avec une force bouleversante : les mineurs, les réfugiés, les paysans… tous trouvent une dignité nouvelle sous son regard.

En 1994, avec Lélia, il fonde sa propre agence, Amazonas Images, pour garder le contrôle total sur ses projets et leur diffusion. Ensemble, ils bâtissent une œuvre unique, sensible et engagée. Car chez les Salgado, la photographie est plus qu’un art : c’est un acte d’amour, de mémoire et de résistance.

Témoin des souffrances du monde

Sebastião Salgado a consacré une grande partie de sa carrière à documenter les souffrances humaines à travers des crises majeures. Dont les famines dévastatrices du Sahel, le génocide Rwandais, et les exodes dramatiques un peu partout en Afrique et en ex-Yougoslavie. À travers ses photographies, il offre un témoignage visuel saisissant. Pas seulement de la violence et de la misère, mais aussi de la résilience humaine face à l’adversité. Pour Salgado, la photographie n’est pas seulement un moyen d’informer, mais avant tout un acte politique et éthique.

Chaque image, prise dans des conditions souvent extrêmes, devient un appel à la conscience collective. C’est aussi une dénonciation des injustices et un moyen de sensibiliser le monde. Il explore la brutalité de ces événements tout en mettant en lumière la dignité des individus et des communautés prises dans la tourmente. En observant ses clichés, on ne peut que réfléchir sur la nature de la violence et de la souffrance humaine. Cela tout en étant témoins du courage et de la force des êtres humains pour surmonter ces épreuves. Les photographies de Salgado nous rappellent que, malgré la cruauté du monde, il existe toujours une lumière qui réside dans la capacité de l’humanité à résister, à espérer et à se relever.

Une œuvre au service de l’humain

L’esthétique en noir et blanc : une signature visuelle

Avec son traitement noir et blanc très contrastés, Sebastião Salgado a acquis une véritable signature visuelle qui joue un rôle fondamental dans la puissance de ses photographies. Ce choix n’est pas anodin : il permet de transcender la réalité, de la purifier, d’en révéler l’essence. Les noir et blanc de Salgado amplifient fortement les contrastes, accentuent les textures et plongent le spectateur dans une émotion brute et universelle.

Cette signature visuelle repose sur une maîtrise parfaite de la lumière et de l’ombre. Salgado a un sens aigu du contraste, qu’il utilise pour accentuer la dimension dramatique de ses sujets. Les ombres profondes et les lumières frappantes soulignent la dureté de la condition humaine. Tout en révélant la beauté cachée dans des situations souvent de grande précarité. Chaque image semble sculptée, presque comme une peinture, avec une grande profondeur qui semble tout droit sortie d’un autre temps.

Approche humaniste et composition

Sa capacité à capturer des expressions humaines, des gestes, et des moments intenses dans une lumière dure, lui permet de créer des images qui parlent au cœur. Pour Salgado, le noir et blanc est un outil qui l’aide à rendre l’intemporalité de ses sujets : l’humanité, la souffrance, la dignité. Ses photographies sont sans âge, réellement intemporelles, comme des témoignages universels d’un monde en constante évolution.

Sa technique est également marquée par des compositions réfléchies et un cadrage précis. Il aime la simplicité dans la scène, avec des formes géométriques qui apportent de la rigueur et de l’harmonie à ses portraits ou ses paysages.

Ses plus grandes séries documentaires

« Workers » (ou « La Main De L’Homme », sur les travailleurs du monde entier)

La série Workers est l’une de ses œuvres les plus marquantes et poignantes. Publiée en 1993, elle rassemble une série de portraits de travailleurs du monde entier, capturant leur quotidien, leur lutte, et parfois leur dignité dans des conditions de travail extrêmement difficiles. Salgado a photographié des mineurs, des pêcheurs, des agriculteurs, des ouvriers dans des usines, des bâtisseurs de routes, et bien d’autres. Tous unis par leur statut de travailleurs, souvent dans des conditions précaires.

« Exodes » (représentant les migrations, les déplacés, les réfugiés, les nomades)

Exode est également une de ses séries emblématiques, publiée en 2000. Ce projet capture les souffrances et les luttes des réfugiés à travers le monde. Avec cette série, Salgado nous plonge dans l’univers des déplacements massifs de populations, qu’il s’agisse de réfugiés fuyant les guerres, les persécutions, ou les catastrophes naturelles. Ses photographies montrent des scènes poignantes de camps de réfugiés, de familles déracinées, et de trajets pénibles. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience humaine face à l’adversité. Exode est un appel à la compassion, une réflexion sur les enjeux humanitaires contemporains, et un témoignage bouleversant des vies brisées par des événements mondiaux. Tout en offrant une vision poétique de l’espoir et de la solidarité qui naît dans la souffrance.

« Genesis » (une ode à la planète, à la nature sauvage et intacte)

Genesis est un projet monumental de Sebastião Salgado, lancé en 2004, qui représente un retour aux racines de la nature et de l’humanité. Cette série se distingue des autres travaux de Salgado par son approche plus optimiste et respectueuse de l’environnement. À travers Genesis, Salgado a exploré des régions du monde encore préservées des perturbations humaines. Telles que les forêts vierges de l’Amazonie, les paysages glaciaires de l’Antarctique, ou les terres isolées du Sahara. Son objectif était de capturer la beauté brute et la diversité de la planète. Tout en soulignant la nécessité de la préserver face à la dégradation écologique croissante. Genesis est une réflexion sur la grandeur de la Terre, un hommage à sa beauté primitive. Mais c’est aussi un appel à la responsabilité collective pour la sauvegarde de ces espaces précieux.

Une partie de son œuvre

La meilleure manière de découvrir un photographe, c’est de regarder et analyser ses images. Alors, comme je le fais en général lorsque je présente un photographe inspirant, je vous propose une série de photos. Bien sûr, celles-ci ne sont qu’une très petite partie de l’immense œuvre de Salgado.

Photos issues de sa série « Workers »

Sélection de photos issues de sa série « Exodes »

Photos issues de sa série « Genesis »

Un tournant : la beauté comme réparation

Après avoir photographié tant de souffrances humaines et naturelles, Sebastião Salgado frôle le burn-out émotionnel. Accablé par l’intensité des crises qu’il a couvertes, il cherche un refuge et retourne sur les terres de son enfance au Brésil. Là, il découvre, avec horreur, que la déforestation a dévasté les forêts qui l’avaient marqué dans sa jeunesse. Ce choc l’amène à entreprendre, avec sa femme Lélia, un projet de reforestation ambitieux. Ils plantent des millions d’arbres, redonnant vie à un écosystème en péril. Cette initiative donne naissance à l’Instituto Terra, une organisation dédiée à la restauration de la biodiversité et à la protection de l’environnement.

Parallèlement, Salgado lance la série Genesis, que j’ai mentionné plus haut et qui est un hommage à la beauté de la planète et aux peuples indigènes qui en sont les gardiens. À travers ses images, il capture la majesté des paysages vierges et la richesse des cultures ancestrales. Tout en offrant un message d’espoir et de préservation, contrastant avec la brutalité des souffrances qu’il a documentées auparavant. Genesis devient ainsi non seulement un hommage à la Terre, mais aussi un appel à l’action pour protéger ce qui reste de sa beauté sauvage.

L’impact et l’héritage de Salgado

Si vous avez lu jusqu’ici, vous l’avez compris… Sebastião Salgado est bien plus qu’un photographe de renom. C’est un militant écologiste et humaniste profondément engagé. Son travail, qui s’étend au-delà des frontières de la photographie, a inspiré des générations de photojournalistes. Ceux-ci voient en lui un modèle d’intégrité et de passion pour les causes humaines et environnementales. Ses images ont été des témoins essentiels de l’histoire, de la souffrance et de la beauté du monde. Tout en portant un message de solidarité et de préservation.

Salgado a été récompensé par de prestigieuses distinctions internationales, dont le Prix Prince des Asturies et plusieurs honneurs de l’UNESCO, qui soulignent l’impact de son œuvre. En 2014, le film documentaire Le Sel de la Terre, filmé par son fils Juliano Ribeiro Salgado et réalisé par Wim Wenders, retrace son parcours exceptionnel. Il donne au grand public un aperçu intime de la vie et de l’engagement de ce photographe hors du commun. Ce film est un hommage visuel et humain à son travail.

Pourquoi il faut encore regarder les images de Salgado aujourd’hui ?

Il est essentiel de continuer à regarder les images de Sebastião Salgado aujourd’hui. Elles sont intemporelles et puissantes, bien au-delà de leur époque. Dans un monde saturé d’images numériques, où le côté éphémère et la superficialité dominent, ses photographies nous rappellent la force d’un regard lent et profond, capable de capter l’essence humaine et naturelle.

Chaque image de Salgado parle à notre conscience collective, nous confrontant à la réalité des souffrances humaines et des défis environnementaux. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience. Ses photographies ne se contentent pas de documenter. Elles appellent à l’action, à la compassion et à la prise de responsabilité. Elles nous poussent à réfléchir sur notre impact sur le monde. Et à agir pour préserver ce qui reste de notre planète et de son humanité. Les images de Salgado sont un héritage visuel qui nous engage à ne pas détourner le regard.

Ses plus beaux livres

« Workers – La Main de l’Homme »

« Exodes »

« Genesis »

Nous voilà arrivés au bout de cet article, j’espère vous avoir fait découvrir Sebastião Salgado. Ou au moins un ou l’autre aspect de sa vie ou de son œuvre. Bien sûr cet article n’a pas pour but de transmettre entièrement qui était Sebastião Salgado. Mais plutôt d’ouvrir une porte… D’un côté, savoir qui il était si vous ne le connaissiez pas. Et de l’autre, vous donner envie de creuser un peu plus son travail, son œuvre et qui sait son histoire et sa personnalité.

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Par ailleurs, aimer et vouloir systématiquement obtenir des photos plus claires (ou plus foncées) peut être un choix purement artistique, un style ou même être en lien direct avec votre identité visuelle. Nous parlerons donc de photo « mal exposée » lorsqu’elle sera vraiment trop claire ou trop foncée. C’est-à-dire quand certains détails du sujet ou de la situation photographiés seront perdus dans les zones claires (surexposition) ou dans les zones foncées (sous-exposition).

Dans l’exemple ci-dessus, la partie centrale est « idéalement » exposée et représente ce que l’appareil photo pourrait donner par défaut en mode automatique. C’est ce qui s’apparente à une exposition standard. Les deux autres parties, sont soit légèrement surexposée (à gauche), soit légèrement sous-exposée (à droite). Cependant, on constate que tout est visible et qu’il n’y a pas de perte d’information ou de détails. On voit encore bien la texture des nuages, même s’ils sont très clairs. On a des détails dans les ombres qui ne sont pas « bouchées ». Par contre, si on va au-delà en surexposant plus, on perdra les détails présents dans les nuages (zones claires ou hautes lumières). De même, si on sous-expose plus encore, on perdra les détails dans les arbres et la montagne (zones sombres ou ombres).

Qu’est-ce que c’est l’exposition ?

L’exposition est le procédé par lequel l’appareil photo capte la quantité de lumière « idéale » lorsque le photographe crée son image. Ce qui reproduit au mieux l’ambiance lumineuse présente au moment de la prise de vue. En effet, si la quantité de lumière qui arrive sur le capteur à un moment donné est trop importante ou si la durée pendant laquelle la lumière atteint ce même capteur est trop longue, nous obtiendrons une image trop claire ou « surexposée » .

Si au contraire, le capteur reçoit une quantité de lumière insuffisante ou si le temps de pose (vitesse d’obturation) est trop court, nous aurons une photo sombre ou « sous-exposée » . Afin de mesurer la quantité de lumière, les appareils sont équipés d’un posemètre intégré. C’est un outil qui permet de déterminer l’indice de lumination et de donner les informations d’exposition au photographe.

Comment l’obtenir ?

L’exposition est basée sur la mesure de la lumière et ses différents modes. Elle est régie par trois éléments principaux qui travaillent ensemble pour déterminer la quantité de lumière atteignant le capteur. Ces trois paramètres sont l’ouverture du diaphragme, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO. On les retrouve à travers le triangle d’exposition que je vous explique un peu plus loin.

En gros, pour obtenir une bonne exposition, il est faut régler ces différents paramètres au moment de la prise de vue. De manière à accumuler la bonne quantité de lumière, avant de déclencher. Ces paramètres étant interdépendants, ils ont une influence les uns sur les autres. Notez également qu’ils ont également chacun leurs propres effets et caractéristiques comme le montre l’image ci-dessous. Ces trois paramètres sont détaillés dans les articles dédiées du blog.

Résumé

Pour résumer ces différents effets, l’ouverture du diaphragme joue sur la profondeur de champ. La vitesse d’obturation sur le mouvement, flou ou figé. Et la sensibilité ISO sur l’apparition ou non de bruit numérique. Plus l’ouverture du diaphragme sera grande (petite valeur) et plus la zone de netteté sera étroite. Créant du flou à l’arrière plan et à l’avant plan, alors que si elle est petite (grande valeur), elle sera plus étendue et tout sera net. Pour la vitesse d’obturation, plus elle sera élevée, plus on pourra figer un sujet en mouvement. Enfin, pour la sensibilité, plus sa valeur sera grande et plus on aura de risque d’avoir une forte pixellisation dans l’image (le bruit numérique).

Le Triangle d’exposition

Pour mieux comprendre la notion d’exposition, rien de tel que d’analyser le triangle d’exposition. L’image ci-dessous donne un aperçu des rendus (extrêmes) obtenus suivant le réglage choisi. Le triangle d’exposition est un concept fondamental en photographie. On parle de triangle car il représente l’interaction entre les trois paramètres qui déterminent l’exposition d’une photo. A savoir, l’ouverture, la vitesse d’obturation et l’ISO. Ces trois éléments sont interconnectés, et leur combinaison détermine la quantité de lumière qui atteint le capteur de l’appareil photo.

L’importance de l’histogramme

L’histogramme, ce graphique que vous pouvez voir sur l’écran de votre appareil photo. Il représente la répartition des tonalités dans l’image peut vous aider à évaluer si l’exposition de l’image est correcte. Un histogramme équilibré montre une image bien exposée. Si la majorité des tons sont trop à gauche (zones sombres), ça vous informe que l’image est sous-exposée. Si l’histogramme est tiré vers la droite (zones claires), c’est que votre photo est surexposée.

Conseils pour maîtriser l’exposition

Pour terminer, gardez à l’esprit que pour maîtriser l’exposition la meilleure chose à faire est de pratiquer constamment. Une des clés est de faire des essais et même de se tromper pour comprendre plus rapidement comment chaque paramètre (ouverture, vitesse, ISO) affecte l’image. Une autre méthode pour apprendre et comprendre pleinement l’exposition est d’utiliser le mode manuel. Ne vous fiez pas uniquement aux modes (semi-)automatiques.

En espérant avoir pu vous aider à éclaircir cette notion de base capitale. Vous l’avez compris, elle est nécessaire à la compréhension et à la pratique de la photographie. Si ce n’était pas le cas, laissez-moi un petit mot ou une question en commentaire, ci-dessous.

L’article Qu’est-ce qu’une bonne exposition en photographie et comment l’obtenir est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Cette semaine, lors d’un des ateliers photo que j’anime, la question est remontée. Comme nous préparons une exposition, forcément les questions de la taille d’impression, de la résolution et de la valeur PPI se sont reposées. « Mais jusqu’à quelle taille peut-on imprimer nos photos sans qu’elles soient floues ? ». Et il y a eu une certaine confusion, avec au final l’impossibilité de répondre de manière précise. J’ai donc décidé de me replonger dans la compréhension de cette notion et par la même occasion de vous l’expliquer le plus clairement possible. Alors, si vous voulez simplement comprendre ce que cachent ces fameux « PPI », « DPI » et autres termes barbares, cet article va vous y aider. Je vais tout expliquer, sans jargon inutile, et avec des exemples concrets. Alors, let’s go !

1. Rappel Définition et résolution, rappel

Avant d’aborder le sujet principal de cet article, à savoir les PPI, commençons par rappeler les notions de définition et de résolution d’une image. ces deux notions sont souvent confondues ou utilisées dans les mauvaises situtations.

La définition d’une image

C’est la quantité de pixels disponible pour une image. C’est-à-dire la quantité de détails qu’une image peut afficher, généralement mesurée en termes de dimensions (largeur x hauteur) en pixels. Une photo de 3000px par 2000px a une définition de 6 millions de pixels ou 6 MégaPixels. Une autre de 6000px par 4000px a une définition de 24 million de pixels ou 24 MégaPixels. La définition décrit donc la taille numérique de l’image. Plus une image a de pixels, plus elle est détaillée et peut être agrandie sans perte de qualité. Elle peut être liée à la taille du capteur, avant recadrage.

La résolution d’une image numérique

La résolution, elle, représente la densité de pixels par unité de longueur. En termes simples, cela décrit combien de pixels sont concentrés dans un espace donné (en général, un pouce ou un centimètre). La résolution est exprimée en Pixels Per Inch (PPI) ou Pixels Par Pouce (PPP). La résolution définit à quel point une image imprimée (ou affichée) sera nette. Plus la résolution est importante et donc le PPI est élevé, plus l’image est précise et détaillée lorsqu’elle est imprimée (ou affichée).

La résolution d’un écran

En photographie numérique, il est également important de considérer l’écran. Tout comme l’image numérique, la qualité d’un écran est définie par sa résolution maximale. Selon la taille de l’écran, l’utilisateur peut choisir sa résolution. Plus celle-ci est importante, plus il y aura de détails dans l’image, comme le montre l’exemple ci-dessous (cliquez à droite pour faire passer les images du diaporama).

Comme je l’ai dit, les deux termes, sont étroitement liés, mais la définition fait référence à la quantité totale de pixels, tandis que la résolution indique la manière dont ces pixels sont répartis, affichés ou imprimés en fonction d’une certaine dimension.

2. Pixel, PPI, DPI… on fait le tri !

Lorsque l’on parle d’images numériques, on entend souvent parler de Pixels. Mais parfois aussi de ses dérivés, tant en français qu’en anglais. Si c’est pour imprimer, ce sera les « Pixels Per Inch » (PPI) ou « Pixels Par Pouce » (PPP) et les « Dots Per Inch » (DPI) ou « Points Par Pouce » (aussi PPP d’ailleurs, vive la confusion), ou encore les « Pixels Par Centimètre » (PPCM) comme nous l’avons vu juste avant. Et il y a vraiment de quoi s’y perdre ! Mais clarifions un peu tout ça ensemble.

Pixels

Ce sont les petits carrés (ou points) de couleur qui composent une image numérique. Plus il y a de pixels, plus l’image contient de détails et plus vous pouvez imprimer grand. Le nombre de pixels permet de connaître la définition de l’image, comme nous l’avons vu plus haut. Par exemple, une photo de 4000 x 3000 pixels contient 12 millions de pixels, soit 12 mégapixels.

PPI « Pixels Per Inch (ou PPP « Pixels Par Pouce » en français)

C’est l’unité de mesure de la résolution d’une image. On parle aussi de densité de pixels par pouce, c’est-à-dire combien de pixels sont contenus dans 1 pouce (2,54 cm). Plus le chiffre est élevé, plus les pixels sont serrés, et plus l’image paraît nette à l’œil. Surtout lorsqu’on la regarde de près, que ce soit sur écran ou sur papier.

Quelques repères simples
– 300 PPI pour des photos de qualité professionnelle (album, cadre, exposition, regard plus proche)
– 240 PPI pour des photos de très bonne qualité, observées d’un peu plus loin
– 150 PPI souvent suffisant pour les grands formats vus à distance

DPI « Dots Per Inch » (ou PPP « Points Par Pouce » en français)

Ce terme est principalement utilisé dans le contexte de l’impression. Il décrit la densité des points d’encre qu’une imprimante peut appliquer sur un pouce carré de papier. Il est donc essentiel pour comprendre la qualité de l’impression d’une image. Lorsque vous imprimez une photo, une affiche, ou tout autre document d’image, le DPI détermine la quantité de détails que l’imprimante peut reproduire.

Plus le DPI est élevé, plus les détails sont précis, et donc l’image imprimée sera nette. C’est particulièrement important pour les impressions photos professionnelles, où des détails fins doivent être rendus avec fidélité. Pour les impressions de grande taille (comme des bâches, des affiches publicitaires, ou des panneaux d’exposition), un DPI plus bas (souvent autour de 100 à 150 DPI) peut suffire. Cela est dû au fait que ces images seront vues de plus loin, et la perception de la qualité visuelle dépend moins de la densité des points.

Comme vous l’avez sans doute constaté, en français, ces deux notions ont la même abréviation. Donc, pour réduire la confusion, dans cet article, je n’utilise que les termes anglais. Alors, à ce stade, ce qu’il faut retenir et qui nous intéresse vraiment, c’est le PPI, car c’est lui qui va déterminer la qualité de l’image lorsqu’elle est affichée ou imprimée.

3. Doit-on utiliser les centimètres ou les pouces ?

Personnellement, j’ai choisi de présenter cette notion avec les termes anglais pour réduire la confusion possible. Cela implique aussi d’utiliser les pouces au lieu des centimètres. Mais on peut évidemment parler en centimètres plutôt qu’en pouces si on le souhaite… et heureusement ! D’ailleurs, selon l’imprimeur que vous choisirez, il y a de grandes chances pour qu’il travaille en centimètres. À ce moment-là, il suffit de convertir les pouces en centimètres à la fin de vos calculs. Et notez aussi que dans ce cas, on utilise le terme PPCM au lieu de PPI.

Il faut savoir que 1 pouce (ou inch) = 2,54 cm

Donc, si on décide d’imprimer avec une résolution de 300 PPI (pixels par inch), cela correspond à 300 ÷ 2,54 ≈ 118,11 PPCM (pixels par centimètre).

Et inversement, si on connait le nombre de pixels par centimètre : 118,11 PPCM × 2,54 = 300 PPI (Pixels Par Inch)

4. Taille d’impression, Pixels et PPI ?

Pour vous aider à y voir plus clair en terme de taille d’impression, imaginons que nous ayons une image de 3000 x 2000 pixels. Et que l’on se pose la question de savoir si c’est suffisant pour imprimer une photo au format A4 ? Eh bien la réponse est simple… tout dépend du PPI que vous choisissez ! Il existe une formule simple pour calculer et déterminer la taille d’impression d’une photo numérique sur papier.

La formule magique :

Exemple :

• Si on a une image de 3000 pixels de large
• Et qu’on veut l’imprimer en 300 PPI

Donc :

• 3000 / 300 = 10 inches (ou pouces), soit 2,54 cm de large

Si on souhaite imprimer plus grand, il faudra soit baisser les PPI (et donc perdre un peu en qualité), soit utiliser une image de plus grande définition (un plus grand nombre de pixels).

5. Quelle valeur de PPI faut-il choisir ?

Vient alors la question de savoir quelle valeur PPI utiliser quand vous voulez l’imprimer. Et tout dépend de ce qu’on veut faire avec notre image, et surtout de la distance à laquelle elle sera regardée.

Voici une grille simple à retenir

Règle d’or : plus l’image sera regardée de près, plus il faut un PPI élevé. C’est le cas, par exemple, des photos papier d’exposition ou des livres photo.

Quelques exemples

6. La clé souvent oubliée : la distance de vision

Au-delà de la taille, ce qui est important pour déterminer la résolution d’une image, c’est la distance à laquelle elle va être regardée. Imaginez une photo de 40 x 60 cm affichée en expo. On ne va pas coller notre nez dessus. On la regarde depuis une distance d’environ 1 mètre à 1 mètre cinquante. Et c’est là que la magie opère : plus vous regardez de loin, moins vous avez besoin d’un nombre faramineux de pixels par pouce pour percevoir une image nette. Bien sûr, la distance de visionnage peut être calculée pour chaque format ou taille de photo.

Une règle toute simple :

Distance de vision idéale = 1,5 à 2x la diagonale de l’image

Donc, pour une affiche de 40 x 60 cm (à peu près 72 cm de diagonale), idéalement, il faudrait la regarder à 1,1 à 1,5 m. Dans ce cas, 200 PPI est largement suffisant. Et si votre photo est propre et bien traitée, 150 PPI peuvent même faire l’affaire.

7. Comment vérifier ou changer le PPI de son image ?

Il est possible de voir ou de modifier le PPI d’une image avec la plupart des logiciels d’image. Mais voyons deux exemples particuliers avec deux des logiciels les plus populaires.

Avec Photoshop :

• Image > Taille de l’image (Ctrl + Alt + i)
• Là, vous pouvez voir les dimensions en pixels, la résolution (en PPI), et la taille d’impression.

NOTE :
Cochez « rééchantillonner » permet de maintenir la résolution lorsque agrandissez l’image ou augmentez le nombre de pixels. Photoshop rajoute des pixels pour garder la résolution et la qualité de l’image

Avec Lightroom :

• Quand vous exportez une image pour imprimer, vous pouvez choisir la résolution d’exportation. La valeur peut être modifiée selon l’utilisation que vous allez en faire. (par défaut : 240 ou 300 PPI pour une impression papier).

8. Cas pratiques

Bon, je vous l’accorde, pas mal de calculs et d’explications techniques jusque là… du coup j’espère que je ne vous ai pas perdu ? Si c’est le cas, rassurez-vous, je vais maintenant vous donner des cas concrets pour que vous puissiez vous faire une meilleure idée et surtout l’appliquer à vos besoins quand vous voulez imprimer vos photos.

Cas n°1 : Pour l’impression d’un tirage 30 x 20 cm

Distance d’observation : 1,5x à 2x la diagonale, soit de 54cm à 72cm

À 300 PPI, il faudra avoir :

• Largeur = 30 cm → 30 ÷ 2,54 × 300 ≈ 3543 pixels
• Hauteur = 20 cm → 20 ÷ 2,54 × 300 ≈ 2362 pixels

Donc, vous devriez utiliser une photo de 3500 x 2300 pixels minimum pour être à l’aise.

Cas n°2 : Pour l’impression d’un tirage 60 x 40 cm

Distance d’observation : 1,5x à 2x la diagonale, soit 72cm à 144cm

À 300 PPI, il faudra avoir :

• Largeur = 60 cm → 60 ÷ 2,54 × 300 ≈ 7086 pixels
• Hauteur = 40 cm → 40 ÷ 2,54 × 300 ≈ 4724 pixels

Donc, vous devriez utiliser une photo de 7000 x 4666 pixels minimum pour être à l’aise.

À 200 PPI, il faudra avoir :

• Largeur = 60 cm → 60 ÷ 2,54 × 200 ≈ 4725 pixels
• Hauteur = 40 cm → 40 ÷ 2,54 × 200 ≈ 3150 pixels

Donc, vous devriez utiliser une photo de 4700 x 3133 pixels minimum pour être à l’aise.

Cas n°3 : Pour la publication sur un blog photo

Pour le web, 72 à 150 PPP suffisent. Ce qui compte dans ce cas, c’est plus la largeur en pixels (ex : 1200 px pour le corps du blog, 2048 px max pour un affichage plein écran). On peut donc redimensionner nos images pour alléger les fichiers sans perte de qualité visuelle à l’écran.

Petit bonus : outils utiles

• Calculateur en ligne PPI <> taille d’impression et le nombre de pixels de l’image
• Un analyseur de qualité d’image en ligne
• Un exemple de service d’impression en ligne qui prévient si la résolution est trop faible

En résumé

La résolution d’image, exprimée en pixels et PPI (pixels par pouce), joue un rôle crucial dans la qualité d’affichage ou d’impression de vos photos. Les pixels représentent les éléments de base d’une image numérique, et plus une image en contient, plus elle offre de détails. Le PPI détermine la densité des pixels dans un pouce linéaire, ce qui influence directement la netteté de l’image lorsqu’elle est imprimée ou affichée à l’écran. Par exemple, une image à 300 PPI est idéale pour des impressions de haute qualité, tandis que des images à 150 PPI ou 72 PPI conviennent mieux pour des impressions plus grandes ou des affichages à plus grandes distances.

En effet, la taille d’impression d’une image dépend directement du nombre de pixels qu’elle contient et de son PPI. Une image de 3000 x 2000 pixels, imprimée à 300 PPI, donnera une taille d’impression nette de 10 x 6,67 pouces (environ 25 x 16 cm). Si cette même image est imprimée à 150 PPI, sa taille d’impression peut doubler, mais la qualité visuelle en pâtira légèrement. Comprendre cette relation permet de préparer des images adaptées, que ce soit pour le web, une présentation, ou des tirages papier, en garantissant une qualité optimale à chaque utilisation.

• Les pixels déterminent la taille et les détails de l’image.
• Le PPI détermine comment ces pixels seront répartis à l’écran ou sur le papier.
• Pour une impression haute qualité, obtez plutôt pour 300 PPI.
• Pour le web ou l’affichage de loin, on peut descendre jusqu’à 150, voire 72 PPI sans souci.
• Toujours vérifier avant d’imprimer que l’image a une résolution suffisante pour le format choisi.

Et vous ?

Vous êtes-vous déjà fait surprendre par une impression floue ? Vous souhaitez partager vos réglages préférés pour le web ou pour le tirage ? Dites-moi tout en commentaire ci-dessous !

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Quel matériel utiliser en Street Photography

De mon point de vue, bien souvent, le matériel est secondaire. Et ça se vérifie en photo de rue. Ça ne veut pas dire qu’il n’est pas important, juste que dans une majorité de situation, la plus value sera minime. D’ailleurs, il ne faut pas oublier, l’appareil  photo n’est en fait que l’outil du photographe, ce n’est pas le seul élément de réussite ou d’échec.

« Le meilleur appareil photo c’est celui
que vous avez avec vous… »

Chase Jarvis                           

L’appareil photo

Si on entre dans le vif du sujet, voici quelques-uns des principaux critères de choix d’un appareil pour la photo de rue. Il doit d’être léger et discret (idéalement noir) pour ne pas attirer le regard des passants. En street photography, mieux vaut passer pour un touriste que pour un photographe professionnel. Vous pouvez éventuellement aussi cacher la marque et le modèle. Pour favoriser le succès de vos sorties, il doit également être rapide au déclenchement et idéalement avoir un autofocus réactif.

Cet appareil peut-être un reflex, un hybride, voir un compact « expert ». Permettant de prendre le contrôle de certains paramètres de prise de vue et garantissant une certaine qualité d’images. Évidemment, aujourd’hui, ce pourrait aussi être un bon Smartphone, qui est finalement un outil photographique comme un autre. Il a surtout l’avantage qu’on l’a presque tous toujours sur nous. Par contre, gardez à l’esprit que la taille de son capteur est considérablement moins importante que la plupart des appareils photo. Ce qui n’empêche pas Oliver Lang de faire de la photo de rue uniquement au Smartphone.

L’objectif

Pour les objectifs, favorisez les focales fixes, qui sont souvent plus discrètes et plus légères avec l’avantage des grandes ouvertures. Par ailleurs, en général, elles ont un meilleur piqué (netteté) et sont moins coûteuses. De plus, utiliser une longueur focale unique permet de s’habituer à l’angle de champ couvert et d’anticiper le résultat. Les longueurs focales les plus utilisées en street photography sont 50mm et 35mm en plein format (ou équivalent APS-C). Parfois, certains photographes utilisent aussi la focale de 28mm mais elle demande d’être encore plus proche ce qui n’est pas de goût de tous.

Essayez de toujours utiliser le même matériel ou au moins la même focale pour tenter de garder une certaine cohérence dans vos projets photographiques.

Qu’en est-il des réglages

Oubliez l’appareil et déclenchez !

Pour cette partie, j’ai envie de dire « faites simple », choisissez un réglage et photographiez. En gros, décidez des paramètres que vous allez utiliser en fonction du sujet que vous voulez photographier. Ensuite, ne pensez plus à l’appareil, ni aux réglages. Concentrez-vous sur ce qui se passe autour de vous, observez et quand quelque chose se présente ou attire votre regard, cadrez et déclenchez. En street photography, c’est le regard avant tout, entraînez-vous.

Voyons malgré tout les quelques paramètres importants et réglages indispensables avec lesquels vous devez jongler en street photography.

Les modes de prise de vue

Dans un premier temps, favorisez le mode P. Il permet de ne plus penser du tout aux réglages au moment de la prise de vue. C’est un mode automatique programmé. En effet, vous avez le contrôle sur certains paramètres (dont la compensation d’exposition, la sensibilité ISO et la mise au point entre autres).

Une fois plus à l’aise, vous pouvez passer au mode A/Av. C’est le mode priorité à l’ouverture du diaphragme. Avec ce mode, vous gardez le contrôle sur la profondeur de champ (zone de netteté). Le mieux dans ce cas est de choisir l’étendue de la zone de netteté selon le sujet photographié. Avec ce mode, l’appareil calcule automatiquement la vitesse d’obturation adaptée.

Dans le cas où votre sujet est en mouvement, si vous voulez être sûr qu’il soit figé, optez pour le mode S/Tv. Le mode priorité à la vitesse (d’obturation) vous donne le contrôle sur le temps de pose, plus court ou plus long. Ce qui permet de favoriser le flou ou la netteté quand le sujet photographié est en mouvement. Avec ce mode, l’appareil calcule automatiquement l’ouverture de diaphragme adaptée.

La compensation d’exposition

Il arrive que les photos prises soient systématiquement trop sombres ou trop claires. On peut alors corrigez l’exposition proposée par l’appareil. Cette compensation peut être de +1IL, +2IL ou +3IL (ou -1IL, -2IL, -3IL) par exemple, mais ces valeurs peuvent aussi être des tiers. L’idéal est de tester les réglages avant de photographier le sujet, pour éviter les surprises ou les échecs au moment opportun.

La sensibilité ISO

C’est un des trois paramètres du triangle d’exposition (Ouverture  –  Vitesse  –  Sensibilité ISO). Parfois, il n’y a pas assez de lumière qui donne un « mauvais » couple vitesse/ouverture. La seule solution pour garder une bonne exposition est alors d’augmenter la sensibilité. Il faut cependant éviter de dépasser les valeurs maximales acceptables pour éviter le bruit numérique. Selon les appareils, ces valeurs sont souvent de 800 à 3200 ISO mais elles peuvent être bien supérieures sur les appareils les plus récents.

L’autofocus

Un autre paramètre essentiel en street photography, c’est la mise au point. Il faudra veiller à placer le collimateur au bon endroit pour avoir le sujet net. Il y a surtout deux modes de mise au point à utiliser en fonction des sujets et situations. Tout d’abord, le mode autofocus statique (AF-S/One Shot) qui mémorise la mise au point pendant un certain temps avant de déclencher. Ensuite, le mode continu (AF-C/AI-Servo) qui s‘adapte au sujet en mouvement tant que le déclencheur est légèrement enfoncé avant de déclencher. En photographie de rue, il existe également une autre méthode pour garantir la netteté d’un sujet. C’est l’utilisation de la distance hyperfocale. Pour cela, on sélectionne une ouverture de diaphragme entre f/8 et f/16 et on place la zone de netteté autour de l’endroit où le sujet va passer.

Lumière

La photographie de rue peut se pratiquer par toutes les saisons et toutes les conditions météo. Cela implique que les conditions de lumière peuvent être très différentes et plus ou moins facile à gérer selon les situations. Connaître les avantages et les inconvénients de chacune d’elles peut vous aider à anticiper et choisir les réglages les plus appropriés. 

Temps couvert et brouillard (le plus facile)

Par temps couvert, la lumière est filtrée par les nuages (ou le brouillard). Dans ces deux situations, on a une lumière diffuse, homogène et douce. C’est souvent la configuration lumineuse la plus facile à gérer, on n’a pas besoin de se positionner de manière particulière et le sujet sera éclairé de la même façon (ou presque) quel que soit l’angle de vue choisi. Si vous débutez, optez plutôt pour ce genre de lumière. Elle permet de se concentrer sur le sujet et les scènes environnantes sans trop s’en faire pour les réglages.

Temps pluvieux (assez facile)

Une autre configuration assez simple à gérer, c’est la pluie. On a une lumière douce et diffuse comme avec le temps couvert. Ça peut être le choix idéal pour la photo de rue. Car au-delà de la facilité de gestion de la lumière, les situations qui peuvent se présenter sont souvent intéressantes. En effet, les gens n’aiment pas ça, ils se dépêchent, cherchent à se protéger, agissent dans la précipitation. Et ils ne feront plus vraiment attention à vous. De plus, il y a de chouettes ambiances et la présence de reflets qui apportent de l’originalité. Donc, n’ayez pas peur de mouiller votre appareil, au pire protégez-le et sortez !

Temps ensoleillé (plus compliqué)

Contrairement au deux premières options, on pense souvent qu’une belle journée ensoleillée est la meilleure chose pour sortir faire des photos. Eh bien pas vraiment . En effet, on a des lumières dures et des contrastes forts et les appareils ne gèrent pas nécessairement bien ça. Par ailleurs, Les lumières intenses sont souvent directionnelles. Ce qui nécessite de bien se positionner selon l’orientation de la source de lumière. Il faut, entre autre, oubliez les portraits à cause des ombres fortes et disgracieuses sur les visages. Si vous voulez malgré tout sortir photographier, pas de souci, il n’y a effectivement pas de mauvais moment ou de mauvaise lumière. Mais dans ce cas, favorisez les contre-jours et les silhouettes, en général, c’est ce qui fonctionne le mieux.

De nuit (spécial)

Dernière situation de lumière pour la photo de rue, c’est la photo nocturne. Il y a souvent moins de lumière mais souvent il est possible de faire des photos malgré tout. Pensez aux grandes villes dans lesquelles vous trouverez des lampadaires, des enseignes,… Ces sources lumineuses pourront être suffisantes la plupart du temps et créeront des effets particuliers. Les couleurs présentes apportent aussi pas mal d’originalité et des ambiances uniques. Vous pouvez utiliser un trépied au besoin. Et ne négligez pas non plus la possibilité des poses longues.

Normalement avec ces quelques informations vous devriez être paré à vous lancer dans la photo de rue. N’oubliez pas que le plus important c’est de sortir et d’essayer, vous vous prendrez sans doute rapidement au jeu et le plaisir de photographier la rue ne fera que s’accroître avec le temps et la pratique.

Bien sûr, si vous pratiquez déjà, n’hésitez pas à laisser un commentaire ci-dessous pour partager votre avis et les réglages que vous utilisez en photo de rue, il y a autant de méthodes et de techniques qu’il y a de photographes !

L’article La photographie de rue ou street photography, quel matériel et quels réglages utiliser est apparu en premier sur initiationphoto.com.

La première réponse, un peu rapide sera de dire OUI, mais la deuxième en y réfléchissant un peu sera MAIS ce n’est pas si simple ! Les objectifs ont des montures différentes en fonction de l’appareil sur lequel ils peuvent être montés. Et c’est là qu’il faut être vigilant pour ne pas se tromper et risquer de ne pas pouvoir l’utiliser. J’ai donc creusé un peu pour en savoir plus et je vais partager ce que j’ai trouvé à ce propos. Avec cet article, je vais vous présenter une grande partie de ce qui existe. Et vous dire comment utiliser la plupart des objectifs sur votre appareil photo préféré.

Les objectifs

Comme vous le savez peut-être déjà et comme c’est souvent le cas en photographie, ce qui peut vraiment faire la différence c’est l’objectif. Différence de qualité bien sûr mais aussi d’angle de vue, de piqué et même de rendu, sans oublier le fameux bokeh. Et les « vieux » objectifs ne font pas exception. De tous temps, il y a eu des objectifs exceptionnels ou tout au moins remarquables. Pour aller plus en profondeur, je commencerai par dire qu’un objectif n’est qu’un bon gros morceau de verre. Évidemment, un morceau de verre bien préparé et affûté pour l’utilité que les photographes en font. Tout ça pour dire que ce qui fait la qualité d’un objectif c’est sa conception optique et sa fabrication, pas la marque ou l’appareil sur lequel il est monté. Donc théoriquement, tout objectif pourrait être utilisé sur n’importe quel appareil.

Sauf qu’il y a un « mais » ! Le problème vient du fait que les constructeurs développent des objectifs pour leur propre marque et avec leur propre monture. Dans le passé, des marques comme Nikon ou Zeiss,… produisaient essentiellement des objectifs pour les constructeurs d’appareils. Du coup, ils les dérivaient en plusieurs versions qui pouvaient être installées sur différents appareils de différentes marques. C’est ce que font encore aujourd’hui des marques comme Sigma ou Tamron. Les objectifs sont conçus et produits pour être utilisés sur les trois plus grandes marques du marché en terme de ventes (Nikon, Canon et Sony) au minimum.

Les montures les plus courantes

La monture est le système permettant d’installer l’objectif sur l’appareil. Pour vous donner une idée de ce qui existe, je vais vous présenter les principales montures utilisées aujourd’hui. Selon les marques, les types ou les séries d’appareils. Avec ces informations, vous pourrez plus facilement déterminer quel(s) objectifs vous devez choisir pour votre appareil. En effet, tout est indiqué sur l’objectif.

Les montures Canon

• Monture EF (depuis 1987) Utilisée comme standard en argentique et numérique avec l’introduction des boîtiers EOS. Cette monture est apparue pour remplacer la monture FD vieillissante. Canon a voulu créer une monture entièrement électronique, surtout pour intégrer le système autofocus qui n’avait pas été anticipé. Ils l’ont fait avec la monture EF.

• Monture EF-S (2003) Dérivée de la monture EF mais exclusivement dédiée au format de capteur APS-C. Vous pouvez retrouver la liste des appareils Canon au capteur APS-C.

• Monture EF-M (2012) Conçue pour les hybrides (Mirrorless) à capteur APS-C. Les objectifs EF et EF-S peuvent être utilisés sur ces appareils grâce à une bague adaptatrice.

• Monture RF (2018) Comme Nikon, fin 2018, Canon fête l’arrivée de son hybride numérique plein format, le Canon EOS-R. Avec lui, l’apparition de la nouvelle monture RF. Développée pour offrir plus de possibilités liées à la technologie hybride (sans miroir). Les objectifs EF peuvent également être utilisés avec la monture RF grâce à une bague adaptatrice.

Chez Fuji

• Monture X (2011) Réapparu bien après l’apparition du numérique, Fuji a développé ce standard pour sa série d’appareils photos hybrides numériques Fuji conçus et produits depuis 2011. Il existait déjà une monture X créée par Fuji dans les années 70 pour la série d’appareils photo argentiques Fujica. Fuji ayant abandonné la photographie argentique au milieu des années 80, cette monture est peu courante. Attention également que ces deux montures X sont très différentes et non-compatibles.

• Monture G (2017) La monture G est la dernière née de Fuji. Elle est utilisée sur les appareils numériques moyen format de la marque (GFX Series)

Les montures Nikon

• Monture F (depuis 1959) Depuis ses débuts, Nikon a toujours utilisé sa monture initiale, la monture F (F mount) apparue en 1959. A part sur ses tout premiers modèles, Nikon a très vite opté pour la baïonnette type F sur ses reflex. Durant toutes ces années, celle-ci n’a que très peu bougé. Elle a évolué pour intégrer les nouveautés technologiques comme la mesure de lumière et l’autofocus. Mais la majorité des objectifs à monture F peuvent être utilisés sur les appareils photo numériques. Attention cependant, il se peut que certains automatismes ne fonctionnent pas sur votre boîtier de dernière génération.

• Monture Z (2018) En 2018, pour la sortie de ses deux hybrides Plein Format le Z6 et le Z7, Nikon annonce une toute nouvelle mouture, la monture Z. Plus grande, elle permet de pouvoir envisager des objectifs à très grande ouverture comme le 58mm f/0.95. Heureusement, Nikon a prévu ce changement et propose une bague d’adaptation FTZ (F To Z) qui permet d’utiliser une majorité d’anciens objectifs à monture F. Cependant, certains modèles plus anciens comme la série d’objectifs AF-D perdent l’autofocus.

Le cas Pentax

• Monture K (1971) Pentax comme beaucoup d’autres constructeurs d’appareils a d’abord utilisé la monture métrique M42 avant de développer sa propre monture K à partir de 1971. Cette monture est installée sur la plupart des modèles argentiques de la marque. Très proche de la monture F de Nikon, elle ne se bloque cependant pas étant donné l’inversion du sens de rotation.

• Q mount (2011) Cette monture est développée par Pentax pour démarrer sa série d’appareils hybrides Pentax Q dès 2011. Ces appareils seront en 2012 les plus petits appareils photo numériques à objectifs interchangeables.

Et chez Sony

• Monture A (2006) Empruntée à Minolta, cette monture est devenue la référence sur les appareils photo Sony α depuis l’arrivée de Sony en photographie numérique en 2006. Par conséquent, toutes les optiques à monture A Minolta peuvent être utilisées sur les appareils photo reflex de la marque Sony.

• Monture type E (2010) Depuis 2010, Sony a intégré sa nouvelle monture E sur sa gamme de produits. Cette monture équipe tous les appareils hybrides (mirrorless) de la marque mais également les systèmes vidéo « Camcorder ». Il existe une variante de la monture E nommée FE. Il faut savoir que la monture est la même mais que les objectifs E sont optimisés pour les capteurs APS-C. Les objectifs FE sont conçus pour les capteurs plein format (24×36). Ils peuvent tous être montés mais soit vous perdrez une partie du champs, non couvert, soit il y aura perte de piqué dans certaines zones.

Les autres

Certaines montures sont plus anciennes, d’autres peu utilisées ou obsolètes. Je me devais cependant de les citer pour votre culture générale en matière d’appareil photo . Plus sérieusement, la raison de cette liste est que la plupart des objectifs peuvent aujourd’hui être utilisée sur les appareils Hybrides grâce à une bague d’adaptation. De quoi bien s’amuser .

La monture M39

Elle a été la monture la plus répandue, celle que la plupart des marques utilisaient dans les années 40-60. C’était également la monture référence sur les appareils à visée télémétrique de ces années-là. Leica bien sûr, mais d’autres marques comme Fed, Zorki,… ont également choisi ce standard. Ce qui fait qu’on trouve toutes sortes d’objectifs en monture M39 sur le marché de l’occasion. Il s’agit d’une monture simple composée d’un pas de vis métrique de 39mm. Il y en a de toutes les marques et toutes les qualités.

La monture M42

Pas mal utilisée dans les années 70, cette monture passe-partout était surtout utilisée sur les appareils russes type Zenit,… mais aussi sur les premiers Fujica. Cette monture qui comme la M39, est composée d’un filet métrique, n’est pas la plus intéressante même s’il existe quelques objectifs de qualité dans ce format. Par exemple, le superbe Carl Zeiss Planar 50mm f/1.7. Si vous souhaitez voir un test de cet objectif je vous recommande cette vidéo.

Les montures Leica

La monture Leica M est une des plus anciennes montures ayant persisté dans le temps. Il s’agit de la monture utilisée sur la gamme M de Leica entre 1954 et aujourd’hui. Le premier fût le M3 et les derniers M9 et M10 numériques en sont encore équipés. Un grand avantage pour tout possesseur de Leica. D’autres constructeurs comme Minolta, Konica, Voigtlander,… ont également choisi cette monture à certains moments.

• La monture Leica R est propre aux modèles R argentiques. Leica ayant choisi de ne pas produire de version numérique de ces boîtiers contrairement à la série M. Cependant, il existe de nombreux objectifs à monture R d’excellente qualité. Il peut donc être intéressant d’en trouver un et de l’essayer.

Les autres montures Nikon

• La monture Nikon S fur la première monture utilisée sur les premiers appareils (télémétriques) de Nikon. Le 1, M, S, S2, SP, S3 et finalement le S4 entre 1946 et 1960.
• La monture Nikon 1 est spécifique à l’hybride compact du même nom, produit entre 2011 et 2016. Il n’a malheureusement pas vraiment fait fureur.

Les autres montures Canon

Chez Canon, les montures ont évolué au cours du temps et des évolutions technologiques. Malheureusement, ces différentes montures Canon ont peu de points communs et ne sont pas interchangeables. Il existe cependant certaines exceptions.

• La monture Canon R (1959 à 1964) est pratiquement la première monture que Canon a développé. A ne pas confondre avec la dernière monture RF de l’hybride Canon EOS R.
• La monture Canon FL (1964 à 1971) a rapidement remplacé la monture R.
• La monture Canon FD (1971 à 1987) est la dernière monture non électronique de Canon. Celle-ci est remplacée par la monture EF.

Et les bagues d’adaptation ?

C’était un peu le but original de cet article de vous parler des bagues . En effet, les bagues d’adaptation sont une solution relativement bon marché pour utiliser des anciens objectifs avec votre appareil photo numérique. Grâce à elles, vous pouvez pratiquement installer n’importe quel objectif sur votre appareil. Evidemment, vous perdez certains automatismes. Principalement l’autofocus. Mais qui n’a jamais eu envie de faire la mise au point manuellement ? A part pour des sujets rapides ou pour du reportage, faire la mise au point soi-même est même un exercice amusant.

Il existe bien sûr différentes bagues permettant de monter un objectif d’une autre marque. Vous pouvez par exemple opter pour une bague d’adaptation M39-EF si vous avez un appareil Canon 70D et un objectif Leica en filet M39. De même, si vous avez un hybride Fuji, monture X, il est possible d’utiliser un objectif Nikon en installant une bague X-to-F. Voici une liste (non-exhaustive) des principales bagues d’adaptation que vous pouvez trouver par couples appareil-objectifs. Il en existe certainement d’autres mais je n’ai pas encore trouvé le lien pour les obtenir facilement.

Canon

a. Reflex Canon EOS EF – Objectifs M42
b. Reflex Canon EOS EF – Objectifs Pentax K
c. Reflex Canon EOS EF – Objectifs Canon FD
d. Reflex Canon EOS EF – Objectifs Nikon F

Nikon

a. Reflex Nikon F – Objectifs M39
b. Reflex Nikon F – Objectifs M42
c. Reflex Nikon F – Objectifs Canon FD
d. Hybride Nikon Z – Objectifs M42
e. Hybride Nikon Z – Objectifs Canon EOS

Fuji

a. Hybride Fuji X – Objectifs M42
b. Hybride Fuji X – Objectifs Pentax K
c. Hybride Fuji X – Objectifs Leica R
d. Hybride Fuji X – Objectifs Nikon S
e. Hybride Fuji X – Objectifs Nikon F (excepté type G)
f. Hybride Fuji X – Objectifs Nikon F (type G)
g. Hybride Fuji X – Objectifs Canon FD
h. Hybride Fuji X – Objectifs Canon EOS EF

Sony

a. Reflex Sony type E – Objectifs M39
b. Reflex Sony type E – Objectifs M42
c. Reflex Sony type E – Objectifs Pentax K
d. Reflex Sony type E – Objectifs Leica M
e. Reflex Sony type E – Objectifs Leica R
f. Reflex Sony type E – Objectifs Nikon F (excepté type G)
g. Reflex Sony type E – Objectifs Nikon F (type G)
h. Reflex Sony type E – Objectifs Canon EOS EF/EF-S

Quelle utilité de savoir tout cela ?

Au-delà de pouvoir choisir le bon objectif qui se monte et fonctionne correctement sur votre boîtier, le fait de connaître les différentes possibilités permet d’envisager des objectifs divers et variés provenant de toutes les époques et d’un peu partout dans le monde. Découvrir des optiques de légende comme les Leitz  ou les Super Takumar qui procurent des rendus uniques et reconnaissables. Le deuxième avantage est de pouvoir utiliser un objectif de longueur focale que l’on possède dans une autre monture ou dans notre parc argentique. Il m’arrive parfois de monter mon vieux Nikon 100mm f/2.8 argentique ou mon zoom Nikon 70-200mm sur mon hybride Fuji pour lequel je n’ai pas de téléobjectif. Et à moindre coût, ça fonctionne parfaitement.

Conclusion

Personnellement, j’ai opté très tôt pour les appareils Nikon. Ensuite j’ai découvert la gamme Fuji pour laquelle je n’ai pas beaucoup d’alternatives au 35mm. Bien que je pense que la plupart des constructeurs se valent avec leurs avantages et leurs inconvénients. Je suis content d’avoir fait ces choix à une période où je n’avais aucune idée de toutes ces différences et de toutes ces possibilités. Cela m’a permis récemment de tester d’anciens modèles d’objectifs sur mes boîtiers numériques et de creuser cette possibilité que j’ai pu vous détailler dans cet article. Ceci reste mon expérience personnelle mais je suis sûr que certains d’entre vous on pu tester également. Ou le feront après avoir lu cet article.

Dites-moi quelle est votre expérience à ce sujet, avez-vous testé et trouvez-vous cette solution sympa ou intéressante ? Si vous avez aimé, partagez cet article autour de vous et à vos amis photographes de tous bords .

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Le photographe dont je vais vous parler dans cet article est particulièrement inspirant. Il est en effet le précurseur de pas mal d’aspects de la photographie. Dont l’utilisation de la couleur et la représentation du mouvement grâce aux vitesses d’obturation plus lentes… Mais sa vision des choses et son histoire sont également très intéressantes à découvrir. Le photographe inspirant que je vous présente aujourd’hui, c’est Ernst Haas.

Biographie

Ernst Haas est né le 2 mars 1921 à Vienne, en Autriche, dans une famille d’origine juive. Son père, Frederic Haas, était un avocat de haut rang, ce qui a permis à la famille de jouir d’un certain confort et statut social avant l’annexion de l’Autriche par l’Allemagne nazie en 1938. Cette période a marqué un tournant dramatique dans la vie de la famille, avec l’application des lois raciales nazies qui ont interdit à son père de pratiquer le droit et ont progressivement détruit la sécurité financière et sociale de sa famille.

Éducation

Il envisage initialement des études de médecine, mais les restrictions imposées par les lois nazies sur l’éducation des Juifs ont limité ses options. Il doit abandonner ses études secondaires suite à l’annexion de l’Autriche. C’est pendant cette période difficile qu’il commence à s’intéresser à la peinture, puis à la photographie, des domaines qui ne nécessitent pas de diplôme universitaire, qui sont hors de portée pour lui à cette époque. Il apprend la photographie de manière autodidacte, en lisant des livres, en visitant des expositions. Et en expérimentant avec un appareil photo Voigtländer que lui a donné son père.

Carrière et débuts professionnels

Après la Seconde Guerre mondiale, il se lance dans le photojournalisme. La photographie devient un moyen pour lui de documenter et de traiter les horreurs de la guerre et ses conséquences sur son pays natal. Ses premiers travaux représentent la vie dans la Vienne d’après-guerre et le retour des prisonniers de guerre. Ceux-ci sont remarqués par des magazines locaux et internationaux en 1947. Ce qui lui ouvre la voie à une carrière professionnelle. Et c’est en 1949, Robert Capa l’invite à rejoindre l’agence Magnum Photos, ce qui l’amena à déménager à New York en 1950.

Œuvre et style

L’innovation en couleur et techniques

Ernst Haas est l’un des premiers photographes à avoir pleinement exploré et exploité les possibilités de la photographie couleur. Cela à une époque où la majorité des photographes professionnels privilégiait encore le noir et blanc pour sa valeur artistique et documentaire. Il a vu dans la couleur un moyen d’exprimer plus vivement les émotions et de capter l’essence du temps et de l’espace de manière plus réaliste et dynamique.

Il choisit méticuleusement ses palettes de couleurs pour renforcer l’ambiance d’une scène. Haas joue souvent avec des contrastes chauds et froids pour créer une dynamique visuelle ou pour guider l’œil du spectateur à travers l’image. Un autre aspect intéressant est qu’il exploite la lumière naturelle pour améliorer les teintes et les ombres dans ses compositions. Par exemple, il utilise souvent le lever ou le coucher du soleil pour obtenir des couleurs plus chaudes, plus douces et plus nuancées.

Approche thématique

Ernst Haas ne se limite pas à un seul genre photographique. Son œuvre couvre une vaste gamme de sujets, incluant des portraits, des paysages, des scènes de rue et des compositions abstraites. Il excelle dans la capture de paysages, transformant des scènes naturelles en œuvres d’art avec des compositions réfléchies. À cela s’ajoute un usage expert de la couleur pour capturer des moments de transformation, comme le changement des saisons ou des conditions météorologiques.

La majeure partie de son œuvre est composée de photographies de grandes villes. Dont certaines pour lesquelles il a reçu de nombreux prix, dont Paris et Venise mais surtout New-York. Dans ses photographies urbaines, il capture souvent le mouvement et la vie de la ville avec une sensibilité qui transcende la simple documentation. Ses images de New York, par exemple, montrent une ville vibrante et perpétuellement en mouvement. Il utilise entre autres des techniques comme le flou de mouvement pour créer un sentiment de dynamisme.

Techniques photographiques

Pour moi, Ernst Haas est un maître du flou de mouvement qu’il utilise pour transmettre le mouvement et la sensation du temps qui passe. Cette technique, qu’il maîtrise, est particulièrement évidente dans ses photographies de sports ou de véhicules en mouvement. Photos où le flou donne une impression de vitesse et d’énergie.

Il emploie des compositions innovantes, souvent en optant pour des angles inhabituels. Ou en incorporant des éléments graphiques forts comme des lignes, des formes et des motifs répétitifs. Ces choix ne servent pas seulement à guider l’œil mais aussi à interpréter le sujet de manière plus abstraite ou émotionnelle.

Inspirations & Influences

Cinéma

Ernst Haas a été profondément influencé par le cinéma. En particulier par les courants du néo-réalisme italien et les œuvres de réalisateurs tels que Federico Fellini et Luchino Visconti. Ces films, connus pour leur approche réaliste et souvent poétique de la vie quotidienne, l’ont inspiré à adopter une approche similaire dans ses photographies. Il cherchait à capturer des moments de vie réels avec une touche de lyrisme visuel. Utilisant la couleur et la composition pour raconter des histoires et évoquer des émotions.

Peinture

La peinture a également joué un rôle crucial dans le développement de son style. Il admirait les impressionnistes pour leur utilisation de la couleur et de la lumière. Ce qui a influencé sa propre façon de voir et de représenter le monde. Les œuvres de peintres comme Claude Monet et Vincent van Gogh l’ont aidé à comprendre comment la couleur pouvait être utilisée pour transmettre non seulement la réalité visuelle, mais aussi les ambiances et les émotions.

Influences photographiques

Le fait de rejoindre l’agence Magnum a été déterminant dans sa carrière. Cette coopérative, fondée par des photographes de renom tels que Robert Capa et Henri Cartier-Bresson, a été un environnement stimulant qui valorisait la liberté créative et l’innovation. L’approche documentaire humaniste de Cartier-Bresson a particulièrement influencé Haas. Bien qu’il ait choisi de se distancer du style strictement noir et blanc et documentaire de Cartier-Bresson pour explorer plus avant les possibilités de la couleur.

Les collaborations avec d’autres photographes et artistes ont également nourri sa créativité. Haas a travaillé avec de nombreux autres membres de Magnum sur divers projets et missions. Ce qui lui a permis de développer une approche plus nuancée et diversifiée de la photographie. Ces interactions l’ont aidé à élargir sa perspective artistique et à expérimenter avec de nouvelles techniques et approches.

Sélection de photos

L’œuvre de Ernst Haas, comme celle de nombreux photographes de son calibre, est composée d’une quantité astronomique de bonnes photos. Mais certaines ont plus de sens et d’intérêt pour moi. Ce sont celles-là que je vais partager ici. Sachant que vous pouvez en trouvez beaucoup d’autres ici ou là, dans ses livres ou sur d’autres sites.

Mouvement

Venise

New York

Divers

Conclusion

La vie d’Ernst Haas a été marquée par des défis significatifs dès son plus jeune âge, avec l’avènement du nazisme qui a bouleversé sa famille et ses aspirations initiales. Son parcours vers la photographie, bien que non conventionnel et largement autodidacte, illustre sa résilience et sa capacité à transformer l’adversité en opportunité artistique. Il a non seulement survécu à une époque de profondes perturbations, mais il a également prospéré, laissant une marque indélébile dans le monde de la photographie. Son histoire personnelle ajoute une profondeur émotive à son œuvre, reflétant souvent une quête de beauté et de signification dans les vestiges du chaos et de la destruction.

Il a été un pionnier qui a non seulement embrassé la photographie couleur à une époque où elle était souvent reléguée à des fins commerciales, mais l’a aussi élevée au rang d’art. Ses techniques et son approche thématique ont enrichi la palette narrative de la photographie, faisant de lui une figure incontournable dans l’histoire de ce médium. Le travail d’Ernst Haas a eu un impact profond sur le monde de la photographie, prouvant que la couleur peut porter une charge émotionnelle et artistique comparable, voire supérieure, à celle du noir et blanc. Ses images restent étudiées et admirées pour leur audace technique et leur profonde beauté.

Ernst Haas a toujours exprimé sa volonté d’utiliser la photo comme un langage universel. Même si son œuvre en noir et blanc a été éclipsée par ses recherches sur la photographie couleur dont il fut l’un des précurseurs. Son travail a connu un immense succès et dans les années 60 et 70, il est devenu un modèle et une référence pour la communauté des photographes amateurs d’aujourd’hui.

Avis & Recommandation

J’espère que cet article vous a inspiré, que vous l’avez trouvé intéressant et qu’il vous a donné envie d’en savoir plus sur ce photographe inspirant. Et si cet article ne vous suffit pas et que vous souhaitez en savoir plus sur Ernst Haas ou découvrir plus de photos de son oeuvre, je vous conseille ses livres photo « New York in Color » ou encore « The American West« 

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Le ressenti que l’on a en regardant une photo est très souvent influencé par l’effet que la lumière va créer sur certaines parties de l’image. Une zone peut être très sombre alors qu’une autre est très claire. Ce qui permet en général au lecteur d’être attiré par les éléments mis en évidence par ce rendu et si le sujet est placé dans une de ces zones. De même, il y a des photos d’une douceur extrême qui nous transmettent une émotion par leur seule ambiance… Si vous ne l’avez pas encore compris, c’est bien du contraste dont je vais vous parler ici.

Le contraste est un élément fondamental de la photographie. Il joue un rôle crucial dans la création d’images visuellement saisissantes et expressives. Le comprendre, découvrir ses variantes et ses applications est essentiel pour les photographes de tous niveaux. Je vous propose de voir de quoi il retourne.

Définition

Pour commencer, je vous donne une définition très générale de la notion de contraste. Pour vous permettre de mieux comprendre ce qui va suivre. Les différents dictionnaires que j’ai consulté disent la même chose pour définir le contraste : “Opposition de deux choses, dont l’une fait ressortir l’autre”. Ce qui signifie que par leur différence, ces deux choses sont renforcées l’une par l’autre. Pour simplifier, il faut comprendre que deux éléments pris individuellement ont moins d’importance que lorsqu’ils sont associés. C’est donc quand on les met ensemble pour qu’ils prennent toute leur importance.

En photographie, le contraste fait souvent et avant tout référence à la différence entre les tons clairs et les tons foncés dans une image. Il est déterminé par la variation de luminosité entre les parties lumineuses et les parties sombres de la photo. Il joue un rôle essentiel dans la création d’images dynamiques et intéressantes. Car il peut mettre en valeur les détails, créer une atmosphère particulière et ajouter de la profondeur à une image.

Bien sûr, vous allez le voir, ce n’est pas le seul genre de contraste qu’on peut rencontrer en photographie. En effet, il en existe plusieurs types dont je vous parle ci-dessous. Par exemple, une couleur peut en faire ressortir une autre ou  se renforcer grâce à une autre. De même, un certain sujet peut totalement contraster avec un autre dans une même image.

Les différents types de contraste

Comme je vous l’ai annoncé, il existe plusieurs types de contraste en photographie. Dont le contraste tonal et le contraste de couleur qui sont les plus connus. Le premier est celui que la plupart des gens connaissent d’instinct mais les deux ont autant d’importance. Tout comme les autres types, plus subtils ou plus complexes, que l’on peut utiliser en photographie. Voyons en détail chacun d’eux.

1. Contraste tonal (ou de luminosité)

Il se réfère à la différence de luminosité et de tons entre les parties claires et les parties sombres de l’image. Une photo avec un fort contraste tonal aura des zones très lumineuses et des zones très sombres avec peu de nuances intermédiaires. Alors qu’une image moins contrastée aura de nombreuses nuances de gris mais pas de zones très claires et très foncées comme le montre l’exemple-ce dessous.

2. Contraste de couleur

En dehors du contraste tonal, il est également possible d’avoir une photo contrastée grâce aux combinaisons de couleurs d’une image. Par exemple, une image avec des couleurs complémentaires comme le bleu et l’orange ou le jaune aura un contraste de couleur fort et accrocheur. Le bleu renforçant le jaune et inversement. De même, un sujet coloré ressortira facilement dans une scène monochrome, une autre manière de faire contraster les couleurs.

3. Contraste de texture

Pour aller plus loin, le photographe peut aussi créer un contraste grâce à la différence de texture entre différentes surfaces dans l’image. Par exemple, une forte différence de texture entre une surface rugueuse et une surface lisse crée un intérêt visuel. Un éclairage directionnel permet d’accentuer les contrastes de texture. Celui-ci crée des ombres et des reflets mettant en valeur la texture des surfaces.

4. Contraste de taille

Le contraste de taille se manifeste lorsque des objets de tailles différentes sont placés dans la même image. Par exemple, un petit objet placé à côté d’un plus grand crée un contraste de taille. Ce choix peut être utilisé pour attirer l’attention sur un élément spécifique de l’image ou pour créer un sens de l’échelle ou d’immensité.

5. Contraste de forme

Ce contraste se produit lorsque des formes distinctes ou opposées sont mises en relation dans une même image. Contrairement à d’autres types de contrastes qui se concentrent sur les variations de luminosité, de couleur ou de texture, le contraste de forme met en évidence les différences dans les lignes et les contours des éléments présents dans la composition photographique. Par exemple, cercle et carré, courbes et angles droits, formes naturelles et formes artificielles, contraste entre le plein et le vide,…

On optera pour l’utilisation de ce type de contraste si on souhaite ajouter de la dynamique et de l’intérêt visuel à une photographie ou renforcer le sujet de l’image. Mais également pour évoquer des concepts ou des émotions, en exploitant les associations symboliques des différentes formes. En jouant avec les formes et en les juxtaposant de manière créative, le photographe peut créer des images expressives et captivantes qui maintiennent l’attention du spectateur.

6. Contraste d’idées (ou de sujets)

C’est un contraste qui utilise la juxtaposition d’idées, de concepts ou de thèmes opposés au sein d’une même image. Contrairement aux autres types de contraste qui se concentrent principalement sur des éléments visuels tels que la luminosité, la couleur ou la texture, le contraste d’idée repose sur la signification symbolique ou narrative des éléments de l’image. Par exemple, jeunesse et vieillesse, richesse et pauvreté, urbanisation et nature, captivité et liberté, guerre et paix,…

Le contraste d’idées peut être très puissant car il invite le lecteur à réfléchir et à interpréter les implications symboliques de ce qu’il voit. On peut utiliser ce type de contraste pour transmettre des messages sociaux, politiques ou émotionnels profonds. Il peut créer une tension narrative ou conceptuelle qui stimule l’imagination et l’engagement du lecteur. En maîtrisant le contraste d’idée, le photographe peut créer des images qui vont au-delà de la simple esthétique pour susciter une réflexion plus profonde sur le monde qui nous entoure.

Importance du contraste

Quel que soit le type de contraste, il joue un rôle fondamental en photographie. Car il contribue à donner de la profondeur, de la dimension et de l’intérêt visuel à une image. En contrôlant les contrastes, le photographe peut influencer la perception et l’émotion du lecteur. Les contrastes de luminosité, de couleur, de forme, de texture et d’idée offrent une variété d’outils pour créer des compositions visuellement dynamiques et captivantes.

Un contraste tonal fort peut produire des images dramatiques et saisissantes, tandis qu’un contraste plus doux peut apporter une atmosphère plus subtile ou plus calme. Le contraste de couleur, lui, peut ajouter de la vivacité et de la richesse à une photo, tandis que le contraste de forme peut créer des compositions géométriquement intéressantes.

En manipulant les différents contrastes, le photographe peut diriger l’attention du lecteur là où il le souhaite dans l’image, vers des éléments spécifiques et créer des hiérarchies visuelles. De plus, on peut utiliser le contraste, sous toutes ses formes, pour transmettre des messages symboliques, explorer des thèmes ou encore raconter des histoires.

En résumé, les contrastes sont essentiels pour créer des photographies captivantes et significatives, car ils permettent de jouer avec la lumière, la couleur et la forme pour susciter des émotions, des réflexions et des réactions chez les lecteurs.

Ajustement du contraste tonal

Un avantage avec le contraste tonal, c’est qu’il est possible de l’ajuster. Il existe différentes manières de le faire, que ce soit lors de la prise de vue ou pendant le post-traitement. Certaines sont plus faciles que d’autres ou dépendent des conditions de prise de vue. Voyons-les ensemble…

• Contraste naturel
  La lumière naturelle et les conditions météorologiques peuvent fortement l’influencer. Par exemple, une lumière directe et vive peut créer un contraste plus marqué entre les zones ombragées et éclairées, alors qu’un ciel couvert génère une lumière diffuse et des ombres douces donnant un faible contraste.
   
• Contrôle de l’exposition
  En ajustant l’exposition de l’appareil photo, vous pouvez également influencer le contraste de l’image. Une exposition plus longue peut créer des tons plus doux et réduire le contraste, tandis qu’une exposition plus courte peut accentuer les différences entre les zones claires et sombres.
   
• Utilisation de la lumière
  Vous pouvez manipuler les ombres et les reflets pour créer des contrastes dramatiques ou subtils, en utilisant des sources de lumière artificielle ou en déplaçant la source de lumière naturelle.
   
• Post-traitement
  Les logiciels de post-traitement comme Lightroom ou Darktable offrent des outils pour ajuster le contraste après la prise de vue. Vous pouvez augmenter ou diminuer le contraste, ajuster les courbes tonales et modifier la saturation des couleurs pour obtenir l’effet désiré.

En résumé, le contraste est un élément clé pour créer des images qui fonctionnent et qui capteront l’attention du lecteur. En comprenant comment manipuler le contraste, le photographe peut donner vie à sa vision artistique et capturer des moments mémorables de manière plus puissante.

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Après en avoir vaguement entendu parlé, je l’ai d’abord cherché par curiosité et j’ai décidé de l’acheter. Et une fois entre les mains, en découvrant son contenu, je l’ai dévoré et je ne peux que le recommander ! De mon point de vue, c’est un livre que tout photographe devrait avoir dans sa bibliothèque, ou tout au moins avoir lu une fois dans sa vie. Je vous dis pourquoi dans cet article et je vous donne toutes mes impressions sur ce bouquin « photo ».

L’auteur

Vincent Burgeon est un photographe, graphiste et illustrateur professionnel… et il est belge (vous comprendrez plus loin pourquoi je le mentionne ). En parallèle, il enseigne le graphisme et la photographie à l’université Paul-Valéry de Montpellier. En effet, il vit et travaille en France depuis 1999 dans les secteurs de la communication, de la publicité et de l’édition. Depuis 2010, il collabore avec les éditions Dunod pour qui il conçoit, écrit, illustre et met en page des ouvrages consacrés à la photo, en autres. Il a également traduit plusieurs livres de photographie, de graphisme et de communication.

Présentation

Il me semble pertinent de commencer par vous présenter l’ouvrage dans son ensemble. Photographix est un très beau livre, assez grand et épais avec ses 174 pages. Il tient plutôt bien dans la main et il est agréable à lire. Le papier est épais et texturé et les illustrations sont d’une grande qualité. Bien que le contenu soit très riche, le texte est aéré et la police de caractère suffisamment grande et lisible. L’histoire, divisée en neuf parties, s’étale de la création du monde avec la naissance de la lumière jusqu’à nos jours avec les technologies de l’image les plus avancées et évoluées.

On y trouve de nombreux instants importants et des évènements marquants de l’histoire de la photographie, en particulier. Tels que la découverte de certains procédés, l’innovation de techniques et d’équipements ayant fortement influencés l’évolution des pratiques et des mentalités. Mais également des incontournables de l’histoire, en général, toujours en lien avec la photo bien évidemment. Parmi ceux-ci, les premiers portraits, les grandes explorations et autres colonisations, le premier vol motorisé des frères Wright, la guerre du Vietnam ou encore Woodstock (par exemple). Le tout superbement illustré de dessins représentants ces évènements et les œuvres majeures de certains grands photographes.

Ce que j’ai aimé

Il y a vraiment beaucoup de choses qui m’ont plu dans cet ouvrage. Pour commencer, l’idée en elle-même, c’est vraiment original et je trouve intéressant de rassembler toute l’histoire dans un seul livre, tant d’éléments, condensés dans une seule source, il me semble qu’il n’existait pas à ce jour d’autre document qui le faisait. Et plus encore sous forme d’images, ou plutôt de dessins, ce qui en fait un bouquin très facile et agréable à lire.

C’est un livre riche, très riche… on sent le travail de recherche très profond de l’auteur. On a même l’impression que tout y est. Pour l’aspect technique, les explications sur la lumière et la perception qu’on en a, celles sur l’optique et la manière dont été conçus les premiers objectifs ou encore les détails sur les procédés utilisés en argentique et où la manière dont la photographie numérique a été pensée et développée. Pour les aspects historiques, les évènements, de l’antiquité au premier pas sur la lune, de la renaissance à l’avènement du cinéma. Mais aussi les acteurs de toutes les époques, de Nicéphore Niépce à Andy Warhol en passant par Pablo Picasso et Steve Jobs. Bref, c’est un superbe résumé illustré.

Enfin pour terminer sur mes impressions à propose de cet ouvrage , je voulais partager le ressenti suivant. C’est en cherchant des informations sur l’auteur que j’ai découvert qu’il était belge, ce qui m’a instantanément fait sourire. En effet, qui de mieux pour un projet de bande dessinée sur l’histoire de la photographie qu’un photographe et belge qui plus est ?

Conclusion

Si vous souhaitez en savoir plus sur la photographie et son évolution tout au long de histoire, avec légèreté, facilité et une pointe d’humour, vous apprécierez indéniablement Photographix. Ce livre dessiné, vous apprendra tout ce qu’on peut imaginer sur les techniques et les équipements ayant fait de la photographie ce qu’elle est aujourd’hui. Mais même si vous n’êtes pas un photographe chevronné, que vous débutez, je suis certain que vous apprendrez beaucoup de choses… et pas que sur la photographie. Alors, si vous voulez vous faire un cadeau que vous garderez longtemps et que vous pourrez lire et relire toujours avec la même curiosité et le même plaisir, pensez à acquérir ce merveilleux bouquin Photographix.

Si vous aussi vous avez apprécié ce livre ou que vous avez simplement envie de partager vos impressions, n’hésitez pas à laisser un commentaire ci-dessous.

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J’apprécie bien évidemment ses photos reconnaissables entre mille mais aussi et surtout son côté humain et sa volonté de montrer ce qui se passe ailleurs que sous nos fenêtres. Je vous laisse le découvrir.

Biographie

Alex Webb est un photographe américain né le 5 mai 1952 à San Francisco. Il est reconnu comme l’un des maîtres de la photographie couleur. Son travail photographique est unique et évocateur, que ce soit en tant que photojournaliste ou en tant que photographe de rue. Une œuvre qui l’a élevé au rang d’icône de la photographie contemporaine. Au cours de ses nombreux voyages à travers le monde, il a su capturer des scènes de la vie quotidienne dans des compositions riches en détails et en couleurs. Des images qui nous révèlent à sa manière la complexité et la beauté du monde qui nous entoure.

Photographe engagé

A ses débuts, Alex Webb a rapidement été attiré par la diversité culturelle du monde. Il a commencé à explorer cette diversité à travers ses voyages, mettant en avant les pays et certaines parties du monde en transition ou touchés par des événements socio-politiques. Son travail s’est doucement fait remarquer au début des années 1970, alors qu’il voyageait à travers les États-Unis pour documenter la vie quotidienne dans les régions touchées par des mouvements sociaux tels que le mouvement des droits civiques. Ces premiers travaux ont jeté les bases de sa carrière de photographe engagé.

Couleurs vibrantes et éclatantes

Il est célèbre pour ses photographies couleur intenses et riches en nuances. Alex Webb utilise la couleur de manière audacieuse, c’est d’ailleurs l’une des caractéristiques les plus distinctives de son travail. Il a été l’un des premiers photographes à exploiter pleinement le potentiel expressif de la photographie couleur. En utilisant des pellicules positives et négatives pour capturer des images riches en nuances et en contrastes, créant ainsi des compositions dynamiques et saisissantes. La plupart de ses photographies révèlent l’émotion et la vie même dans les moments les plus banals grâce à leurs couleurs intenses.

Compositions riches et complexes

Ses images se distinguent également par leurs compositions complexes et intrigantes. Il a un talent pour combiner des éléments visuels variés et créer des images multicouches qui attirent l’attention du spectateur. Des lignes, des motifs et des textures s’entrelacent dans ses photographies, créant des compositions visuellement stimulantes et captivantes. Il excelle à trouver l’équilibre entre le chaos et l’harmonie, rendant ainsi chaque image à la fois visuellement saisissante et émotionnellement engageante.

Grand voyageur et explorateur

Alex Webb est un véritable photographe explorateur. Tout au long de sa carrière, il a parcouru le monde pour capturer des instants significatifs. Il est allé dans des endroits tels que le Mexique, les Caraïbes, l’Afrique, l’Inde, l’Europe et bien d’autres. Ses photographies reflètent une curiosité profonde pour les cultures et les sociétés qu’il a rencontrées lors de ses voyages. Il est particulièrement connu pour son travail au Mexique, où il a passé de nombreuses années à documenter la vie quotidienne de ce pays riche en couleurs et en traditions.

Collaborations

En plus de ses travaux en solo, il a beaucoup collaboré avec sa femme, la photographe Rebecca Norris Webb. Leurs visions artistiques complémentaires se sont mélangées dans des livres et des projets communs, créant ainsi une symbiose unique entre leurs photographies. Parmi ces livres, « Violet Isle: A Duet of Photographs from Cuba » et « Slant Rhymes« . Ils ont tous les deux reçu de bons retours pour leur capacité à raconter des histoires poétiques à travers des images. En plus de son travail de photographe, il est également co-fondateur de Magnum In Motion, une plateforme multimédia créée pour explorer de nouvelles façons de raconter des histoires à travers la photographie.

Récompenses

Au fil des années, Alex Webb a reçu de nombreuses récompenses et distinctions pour son travail remarquable. Il a notamment reçu une bourse de la Fondation Guggenheim et une bourse de la Fondation Nationale pour les Arts. Aujourd’hui, ses photographies sont exposées dans des galeries et des musées prestigieux du monde entier. Elles inspirent de nombreux photographes et amoureux de l’art visuel. Alex Webb a également publié de nombreux livres photo, dont certains en collaboration avec sa femme, comme je l’ai mentionné plus haut.

Ses photos

Voici quelques unes de ses meilleures images

Conclusion

Alex Webb est un photographe talentueux et visionnaire dont le travail a captivé le monde avec des images éclatantes et captivantes. Ses photographies, empreintes de couleurs vibrantes et de compositions complexes, reflètent sa passion pour l’exploration du monde et des cultures qui l’habitent. Son héritage artistique perdurera à travers ses œuvres, qui continueront d’inspirer et d’émerveiller les générations futures de photographes et d’amoureux de l’art visuel.

Si vous aimez découvrir les grands photographes et leur travail photographique, n’hésitez pas à jeter un œil sur mon compte Pinterest, vous y trouverez une sélection de photographes d’hier et d’aujourd’hui et quelques unes de leurs photos. Bien que ça ne remplace pas un bon livre photo d’auteur, ça peut vous donner des pistes. Et vous quel est votre photographe préféré ? Dites-le moi en commentaire ci-dessous…

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L’indice de lumination c’est quoi

L’indice de lumination (IL), qu’il ne faut pas confondre avec la luminance de la scène, est une manière de mesurer la luminosité de la scène photographiée, caractérisée par un couple temps de pose / ouverture du diaphragme. Il est donc possible d’utiliser différents couples pour obtenir une même exposition de la surface sensible (capteur ou film). On l’appelle aussi souvent « EV » (pour Exposure Value en anglais) ou encore « stop » et même parfois « f-stop » ou « diaph » qui correspond aux ouvertures de diaphragme.

L’information importante et qu’il faut retenir de cette notion est que lorsque la quantité de lumière atteignant le capteur est doublée, l’indice de lumination augmente d’une unité, soit +1 IL. Si au contraire, la quantité de lumière est divisée par deux, l’indice de lumination diminue d’une unité, soit -1 IL.

La table des IL

Voici une table qui montre les IL selon différentes vitesses d’obturation et ouvertures de diaphragme. On voit que pour un même indice de lumination (couleurs) on peut avoir différentes combinaisons ouverture/vitesse. Par exemple f/2 – 1/125s et f/8 – 1/8s pour 9 IL.

Vous me direz sans doute que c’est bien de savoir ça mais après qu’est-ce qu’on en fait ? Eh bien, je vais vous le dire, mais voyons d’abord comment les paramètres du triangle d’exposition influence l’indice de lumination.

La sensibilité ISO

Vous le savez sans doute si vous avez déjà lu l’article sur la sensibilité ISO (ou toute autre source parlant de cette notion), chaque augmentation de la valeur ISO (de 200 à 400 ISO, par exemple) rend le capteur deux fois plus réactif, ce qui correspond à doubler la quantité de lumière captée. On a alors une augmentation de l’indice de lumination d’une valeur (+1 IL).

Concrètement, si on passe de 100 ISO à 200 ISO, on aura +1 IL. Si on passe de 400 ISO à 1600 ISO, on aura +2 IL. Et si on passe de 800 ISO à 100 ISO, on aura -3 IL.

La vitesse d’obturation

La vitesse d’obturation c’est le temps pendant lequel on expose le capteur à la lumière. Du coup, de la même manière, doubler la vitesse d’obturation, double la quantité de lumière qui atteint le capteur de l’appareil et on compense donc de +1 IL. En pratique, si on passe de 1/250s à 1/125s, le temps de pose est plus long et on augmente de +1 IL. Si on passe de 4s à 1s, il est raccourci et on diminue de -2 IL. Et si on passe de 1/60s à 1/8s, là encore on rallonge le temps de pose ce qui fait qu’on augmente de l’exposition +3 IL.

Sur certains appareils, plus haut de gamme ou plus professionnels, les vitesses d’obturation peuvent être divisées en deux ou en trois. En général, on aura alors des incréments de 0.3 IL pour des expositions plus précises. On peut avoir +1.3 IL ou -2.6 IL par exemple.

L’ouverture du diaphragme

Bien que très similaire, c’est un peu plus compliqué avec l’ouverture. En effet, la division et les valeurs sont moins logiques et donc moins instinctives. Par exemple, passer de f/2 à f/4 ne divise pas la quantité de lumière par deux mais bien par quatre. Je vous explique ça !

Comme je le dis quand je parle de l’ouverture, la première chose qui n’est pas instinctive est que plus la valeur est petite, plus l’ouverture du diaphragme est grande, et donc plus la quantité de lumière qui touche le capteur est importante. Pour bien comprendre comment évolue l’indice de lumination avec l’ouverture, il faut bien connaître l’échelle des valeurs normalisées.

f/1  –  f/1.4  –  f/2  –  f/2.8  –  f/4  –  f/5.6  –  f/8  –  f/11  –  f/16  –  f/22  –  f/32

On double la quantité de lumière et on augmente de +1 IL à chaque saut de valeur d’ouverture. Par, exemple, si on passe de f/2 à f/2.8 on diminue de -1 IL, si on passe de f/22 à f/5.6 on augmente de +4 IL et si on passe de f/5.6 à f/2.8 on augmente de +2 IL.

L’indice de lumination à quoi ça sert

Dans un premier temps, il faut avouer que l’utilité principale se trouve surtout lorsqu’on photographie en mode Manuel (M). Il permet en effet de pouvoir faire varier l’un ou l’autre paramètre de prise de vue tout en gardant une exposition constante. Par exemple, si on veut intentionnellement faire varier la vitesse pour créer un flou de mouvement ou encore réduire la profondeur de champ pour faire ressortir le sujet.

Réduire la zone de netteté

Imaginons que vous vous apprêtiez à faire une photo correctement exposée à f/8, 400 ISO au 1/250s mais que vous souhaitiez diminuer la profondeur de champ et ouvrant le diaphragme à f/2. Soit vous faites plusieurs essais avec des réglages différents pour vous assurer de conserver la même exposition mais ça risque de prendre du temps, ou alors vous faites appel à vos connaissances sur l’indice de lumination.

Considérant que les réglages initiaux correspondent à 0 IL, on va pouvoir déterminer le nombre d’IL entre les deux valeurs d’ouverture et choisir entre les différentes combinaisons possibles. Entre f/8 et f/2, on a un décalage de +4 IL. On peut donc choisir l’une des options suivantes :

• f/2  –  400 ISO  –  1/4000s
• f/2  –  200 ISO  –  1/2000s
• f/2  –  100 ISO  –  1/1000s

Générer du flou de mouvement

Pour cette deuxième situation, imaginez que vous soyez en rue et que vous vouliez photographier une patineuse qui passe près de vous. Les premiers réglages vous indiquent f/8, 400 ISO et 1/125s. Cette vitesse va clairement figer votre sujet mais vous voulez transmettre le ressenti de mouvement et créant du flou (de mouvement). Vous devez pour cela réduire la vitesse d’obturation.

En utilisant l’indice de lumination, vous pourrez rapidement quels réglages modifier pour réussir votre image avant que le sujet soit à l’autre bout de la rue. On aura par exemple la possibilité entre ces quelques possibilités :

• 1/30s  – 400 ISO –  f/16
• 1/8s  –  200 ISO  –  f/22
• 1/2s  –  50 ISO  –  f/22

Utilisation du flash

On peut également utiliser l’indice de lumination lorsqu’on photographie au flash. La puissance du flash propose généralement différentes valeurs possibles de 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/16, 1/32 et 1/64. Comme pour les vitesses et la sensibilité, chaque changement de valeur de puissance génère une variation de 1 IL. Par exemple, passer de 1/4 à 1/16 crée une diminution de -2 IL.

Donc si photographiez une scène à f/4, 200 ISO et 1/125s et que vous faites varier la source de lumière (ici le flash) en doublant sa valeur de 1/32 à 1/16, vous aurez le choix de réglages suivants :

• f/4  –  100 ISO  –  1/125s
• f/4  –  200 ISO  –  1/250s
• f/5.6  –  200 ISO  –  1/125s

La compensation d’exposition

Il existe encore une situation où l’indice de lumination peut être utile. C’est lorsqu’on souhaite compenser l’exposition. Cette fonction s’utilise avec les modes semi-automatiques tels que la priorité à l’ouverture (A/Av), la priorité vitesse (S/Tv) et le mode programme (P). Avec ces modes, l’appareil calcule lui-même automatiquement l’exposition. Mais selon le niveau de contraste et la répartition des zones claires et foncées, il arrive qu’il se trompe et propose une photo surexposée ou sous-exposée. Dans ce cas, la compensation d’exposition, dont l’échelle s’étend de +3 IL à -3 IL, sera très utile pour corriger l’exposition proposée par l’appareil.

Si vous trouvez que systématiquement vos photos sont trop claires ou trop sombres, il se peut que votre appareil surexpose ou sous-expose par défaut. Dans ce cas, n’hésitez pas à régler la compensation d’exposition sur une valeur d’IL qui vous convienne.

Conclusion

Même si avec les appareils photo numérique et leur technologie, il n’est pas nécessaire de connaître tous les aspects de l’indice de lumination et d’en maîtriser toute la théorie, savoir de quoi il s’agit peut être d’une grande aide dans certaines situations. Entre la compensation d’exposition et le choix rapide des meilleurs réglages, vous gagnerez en précision et en gestion de votre appareil à la prise de vue. En espérant que cet article vous aura au moins permis de découvrir cette notion et qui sait peut-être donné l’envie de l’utiliser.

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