Et si je ne peux évidemment pas vous forcer à pratiquer, je peux vous proposer quelques conseils essentiels sur la photographie de portrait pour les débutants qui amélioreront instantanément vos images. Plongeons dans le vif du sujet !

1. Procurez-vous un objectif 50mm

L’objectif à focale fixe de 50mm, parfois appelé « nifty fifty » en anglais, est peu coûteux, polyvalent et constitue un excellent choix pour les débutants en photographie de portrait. Ce n’est probablement pas le meilleur objectif pour les séances de portrait, mais il sera performant et ne fera pas fondre votre compte en banque en cours de route. Surtout si finalement ce n’est pas ce type de photos que vous souhaitez réaliser ou que vous aimez.

De plus, une fois que vous aurez pris en main un objectif de 50mm, vous aurez une meilleure idée des autres objectifs dans lesquels vous devriez investir. Même si vous élargissez votre équipement, vous ne regretterez jamais d’avoir un bel objectif de 50mm dans votre sac.

Les grandes ouvertures

Vous vous demandez peut-être : Ne puis-je pas simplement utiliser l’objectif fourni avec mon appareil photo de débutant ? Quel est le problème de ce modèle ? Bien que ces objectifs « de kit » ne soient pas nécessairement mauvais, ils ne vous permettent pas d’ouvrir le diaphragme aussi grand que la plupart des focales fixes, ce qui limite votre capacité à créer de beaux flous d’arrière-plan. Vous avez probablement admiré des portraits avec un arrière-plan doux et crémeux (bokeh) comme celui-ci :

Vous voyez comment le sujet ressort de l’image ? C’est grâce à une très grande ouverture (entre f/1.2 et f/2.8). Et si vous pouvez obtenir une ouverture suffisamment large sur un objectif primaire de 50mm, vous ne la trouverez généralement pas sur votre objectif de kit. Il ne peut en général pas descendre sous f/3.5, et si vous zoomez l’objectif jusqu’à sa plus longue focale, la plus grande ouverture passera souvent à f/5 ou f/5.6, ce qui est encore pire.

Alors, n’hésitez pas à vous renseigner sur les objectifs de 50mm dans la marque de votre appareil. Je vous recommande d’acheter un 50mm f/1.8, c’est l’un des objectifs les moins chers (rapport qualité/prix) que vous pourrez trouver. Et il vous en donnera toujours beaucoup pour votre argent. Faites-moi confiance ! Pour tout dire, si je ne devais choisir qu’un seul objectif à avoir dans mon sac photo pour le reste de ma vie, ce serait un 50mm.

2. Concentrez-vous sur les yeux

En photographie de portrait, il est essentiel que vous fassiez la mise au point sur les yeux du sujet. Si les yeux sont nets, l’ensemble de l’image a tendance à être superbe, mais si les yeux sont flous, la photo est souvent gâchée.

Pour cela, je vous recommande de régler votre appareil photo sur le mode autofocus statique : AF-S (ou One-Shot chez Canon). Ensuite, changez le mode de la zone AF jusqu’à ce que vous puissiez sélectionner un seul collimateur (sélectif). Ajustez le point AF jusqu’à ce qu’il se trouve sur l’œil, puis enfoncez le bouton du déclencheur à mi-course pour verrouiller la mise au point.

Remarque : si l’un des yeux est plus proche de l’appareil photo que l’autre, assurez-vous de faire la mise au point sur cet œil. Surtout si vous utilisez une très faible profondeur de champ. Il est plus important que l’œil le plus proche soit net !

Soyez toujours plus fort que la technologie

Aujourd’hui, de nombreux appareils photo hybrides (sans miroir) proposent la mise au point automatique avec suivi de l’œil. Elle est conçue pour verrouiller la mise au point sur les yeux, même lorsque votre sujet se déplace dans le cadre. Son efficacité varie toutefois d’un modèle à l’autre et c’est l’appareil qui aura le dernier mot. Si vous avez cette option, je vous recommande de l’essayer dans une situation sans pression. Si vous aimez ce réglage et qu’il est efficace, utilisez-le. Mais s’il ne fonctionne pas parfaitement ou, si comme moi, vous voulez garder le contrôle, fiez-vous à la méthode de mise au point que j’ai exposée un peu plus haut.

Un autre petit conseil : si possible, essayez de placer votre sujet de manière à ce qu’il ait des reflets (ou des étincelles) dans les yeux. Après tout, les yeux sont la fenêtre de l’âme ! Plus ils sont mis en valeur, mieux c’est.

3. Expérimentez différentes distances et orientations

En tant que débutant en photographie de portrait, il est facile de prendre l’habitude de faire les choses de la même manière. Par exemple, vous pouvez toujours prendre des photos à distance pour vous assurer que le corps entier du sujet apparaît dans le portrait, vous pouvez toujours prendre des photos à la verticale ou à l’horizontale, ou vous pouvez toujours essayer de remplir le cadre avec le visage du sujet. Bien qu’aucune de ces approches ne soit mauvaise, il est bon de varier vos images au fil du temps. Je vous encourage donc à expérimenter différentes options, même lorsque vous débutez.

Si vous aimez toujours photographier de près, essayez de prendre un peu de recul pour inclure l’environnement. Si vous aimez toujours prendre des photos à la verticale, tournez votre appareil et prenez des photos à l’horizontale. Et si vous aimez toujours photographier de loin, approchez-vous et voyez ce que vous pouvez capturer. C’est cette mentalité expérimentale qui peut faire une énorme différence !

Quoi que vous fassiez, évitez de tomber dans la routine. Passez régulièrement en revue vos images, et si vous remarquez des similitudes constantes, faites un effort pour changer les choses !

4. Essayez de créer un « vrai » portrait

Vous pouvez coller n’importe qui devant une belle toile de fond, l’asseoir sur un tabouret, lui dire de sourire et appeler cela un portrait. Mais si vous voulez vraiment impressionner les spectateurs ou vos clients avec vos talents de photographe portraitiste, il est important d’utiliser vos talents pour montrer réellement qui est votre sujet et ce qu’il représente. J’aime les portraits qui racontent une histoire vraie sur mon sujet, car c’est ainsi que je peux capturer quelque chose qui vaut la peine d’être conservé.

Faites connaissance avec votre modèle

Avant d’installer votre matériel et d’appuyer sur le déclencheur, apprenez à connaître votre sujet. Découvrez ses passe-temps favoris, observez son comportement et apprenez comment il se comporte. Utilisez ensuite ces connaissances pour créer un portrait authentique, qui donne au spectateur une idée de qui est réellement le sujet.

Comment créer un portrait qui révèle la vérité ? Vous pouvez le faire avec des accessoires, des expressions ou des poses ! Par exemple, si votre sujet est passionné par la pratique d’un instrument de musique, vous pouvez simplement inclure l’instrument dans la photo avec lui. Et si votre sujet est tout le temps joyeux et optimiste, vous pouvez mettre en valeur son sourire dans vos compositions.

N’oubliez pas que votre travail consiste à créer un portrait qui sera valorisé par tous ceux qui connaissent votre sujet. Mais votre travail consiste également à créer un portrait qui pourra être apprécié par ceux qui ne connaissent pas votre sujet. Les meilleurs portraits aident le spectateur à comprendre un peu le sujet, même s’ils ne se sont jamais rencontrés.

5. Pensez à l’éclairage

Si vous voulez capturer un beau portrait, il vous faut une bonne lumière sur le visage de votre sujet ; c’est essentiel. En fait, en général, je cherche un bon éclairage avant de chercher un bon arrière-plan ! Si l’arrière-plan est mauvais, vous pouvez toujours ajuster votre angle ou utiliser une grande ouverture pour obtenir de meilleurs résultats. Mais si l’éclairage est mauvais, ça devient très compliqué, vous êtes fichu.

La lumière par temps fortement couvert est probablement le plus facile à gérer pour les débutants, mais une lumière plus forte avec des ombres peut également être agréable. Faites en sorte que votre sujet soit tourné vers la source de lumière, ce qui permettra de créer des accroches dans les yeux et d’éviter les ombres désagréables. Si vous n’êtes pas sûr de l’emplacement de la source de lumière principale, faites simplement pivoter votre sujet jusqu’à ce que la lumière soit parfaite.

Si le soleil est fort et que la lumière est dure, il est souvent préférable d’attendre plus tard dans la journée, mais vous pouvez essayer de déplacer votre sujet dans une zone ombragée. Veillez simplement à éviter d’inclure une lumière rasante ou une demi-ombre sur le visage de votre sujet. Et faites attention aux grimaces ou aux yeux plissés qui peuvent se produire si votre sujet finit par regarder vers la lumière vive du soleil.

Enfin, veillez à exposer pour le visage, même si cela donne à votre arrière-plan un aspect trop clair ou trop sombre. En photographie de portrait, le sujet est le plus important !

6. Ne vous préoccupez pas des règles

La photographie de portrait s’accompagne de nombreuses règles : la règle des tiers, utilisation de l’espace négatif, la règle des impairs,… Et c’est vrai : les règles sont très utiles, surtout pour les débutants. Je vous encourage à les apprendre, à les pratiquer et à les utiliser. Mais ensuite…

Soyez créatif et amusez-vous sans trop vous soucier des règles. Votre composition n’a pas toujours besoin d’être divisée en tiers, et votre sujet n’a pas toujours besoin de regarder en direction d’un espace vide. Vous pouvez prendre plaisir à enfreindre les règles ; en fait, cela peut créer des photos d’une beauté unique !

Et ne vous inquiétez pas de ce que font les autres photographes. Ne vous sentez pas obligé de copier les styles de mise en scène, les poses, les distances focales ou les accessoires les plus populaires. Il n’y a rien de mal à essayer des effets qui vous plaisent, mais ne les laissez pas vous limiter. En d’autres termes, lorsque vous réalisez le portrait d’une personne, vous pouvez prendre des photos comme vous le souhaitez sans suivre la tendance du jour. Assurez-vous que chaque image représente ce que vous voulez être en tant que photographe !

Photographie de portrait pour débutants : derniers mots

Ça y est, vous voilà en possession de six conseils pratiques pour vous permettre de commencer à réaliser de magnifiques portraits. J’espère que vous vous sentez maintenant prêt à sortir votre appareil photo et à capturer des résultats étonnants.

A votre tour… faites-vous du portrait ? Quels types de portraits aimez-vous ou aimeriez-vous réaliser ? Lequel de ces conseils utiliserez-vous en premier ? Partagez vos idées dans les commentaires ci-dessous !

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À l’heure des médias sociaux, il est facile de se focaliser sur les likes, les partages et les followers, au point d’oublier ce qui compte vraiment. Lisez les citations suivantes pour apprendre des maîtres. Et laissez-les vous expliquer ce qu’est cette magnifique discipline qu’est la photographie.

1. « Vous ne prenez pas une photographie, vous la faites ». (Ansel Adams)

Cette citation est un classique d’Ansel Adams, et cela pour une bonne raison. Si vous voulez prendre de superbes photos, il est important d’être pleinement conscient de ce que vous faites. Il ne suffit pas d’appuyer « bêtement » sur le déclencheur.

Grâce à la puissance des cartes mémoire et des appareils photo numériques modernes, il est facile de prendre des centaines, voire des milliers d’images en quelques minutes. Mais comme le souligne Ansel Adams, la bonne photographie ne consiste pas à déclencher l’appareil au hasard. Il s’agit plutôt d’un processus créatif conscient.

Ne prenez donc pas de photos sans réfléchir. Au contraire, travaillez consciemment pour inclure les éléments clés, exclure les éléments superflus et créer une image valable et originale. Lorsque vous photographiez, demandez-vous : Qu’est-ce que cette scène a de particulier ? Qu’est-ce que je veux capturer et montrer ? Qu’est-ce qui m’intéresse ou me touche ?

2. « Vos 10 000 premières photos sont vos pires photos ». (Henri Cartier-Bresson)

Combien de photos avez-vous prises jusqu’à présent ? Mille ? Cinq mille ? Dix mille ? Cent mille ? Selon Cartier-Bresson, il faut photographier pendant des mois, voire des années, avant de pouvoir commencer à capturer des images exceptionnelles. Il fixe le seuil de référence à dix mille photos, bien qu’à l’ère du numérique, il s’agisse plutôt de cinquante mille ou même de cent mille fichiers, selon vos habitudes de prise de vue personnelles bien sûr.

Quoi qu’il en soit, la citation de Cartier-Bresson porte sur la valeur de la croissance. Considérez vos premières années avec un appareil photo comme une expérience d’apprentissage. Amusez-vous, mais ne prenez pas vos photos trop au sérieux. Au fil du temps, vos images s’amélioreront. Si vous y mettez du vôtre et continuez à travailler dur, vous finirez par devenir un grand photographe.

3. « La beauté peut être vue dans toutes les choses. Voir et composer la beauté est ce qui sépare l’instantané de la photographie ». (Matt Hardy)

Cette citation photographique provient d’un photographe plus contemporain, Matt Hardy, dont les photos commerciales et de nature sont à couper le souffle. Souvent, nous ne voyons pas la beauté du monde jusqu’à ce que quelqu’un nous la fasse remarquer. Mais la tâche d’un photographe est d’identifier la beauté qui existe juste sous notre nez, de la composer en une photo artistique, puis de la montrer au monde.

Alors regardez autour de vous, que vous soyez devant votre ordinateur, dehors avec votre smartphone ou allongé dans votre lit. Pouvez-vous voir quelque chose d’une manière nouvelle ? Pouvez-vous voir la beauté de votre environnement ? Si ce n’est pas le cas, continuez à regarder. Vous finirez par y arriver !

4. « Rien ne se passe quand on reste assis à la maison. Je mets un point d’honneur à toujours avoir un appareil photo avec moi… Je photographie simplement ce qui m’intéresse à ce moment-là ». (Elliott Erwitt)

Emportez-vous un appareil photo partout où vous allez ? Voilà ce que nous devrions tous faire ! Et il ne doit pas nécessairement s’agir d’un gros reflex numérique, un appareil photo compact, voire un smartphone peut faire l’affaire. Chacun d’entre eux vous permettra de capturer des images à la volée.

Après tout, lorsque le monde est votre toile, vous devez toujours avoir vos outils à portée de main. Qui sait ce que vous pourriez voir lors d’une simple promenade, d’un tour en campagne ou d’une virée shopping ?

5. « Laquelle de mes photos est ma préférée ? Celle que je vais prendre demain ». (Imogen Cunningham)

Certains photographes, surtout les débutants, atteignent un point où ils pensent avoir réussi. Ils pensent qu’ils sont les meilleurs parmi les meilleurs, et ils sont totalement et entièrement satisfaits des images qu’ils ont prises. Mais il y a fort à parier qu’ils ont encore beaucoup de chemin à parcourir.

Ne soyez donc jamais entièrement satisfait de ce que vous avez fait. N’arrêtez jamais de photographier. Il est probable que votre meilleure photo n’a pas encore été prise. Cherchez toujours à vous améliorer !

6. « Tu dois te surpasser. Tu dois commencer à chercher des photos que personne d’autre ne pourrait prendre. Il faut prendre les outils dont on dispose et les approfondir ». (William Albert Allard)

Nous cherchons toujours des raisons pour lesquelles nos photos ne sont pas assez bonnes. Peut-être n’avons-nous pas le dernier appareil photo. Ou est-ce peut-être parce que n’avons-nous pas les plus gros objectifs, les plus rapides ou les plus précis. Peut-être ne pouvons-nous pas nous rendre dans des endroits éloignés.

Mais ce genre de raisonnement va à l’encontre du but recherché. Si vous pensez que vous ne pouvez pas être bon ou original, alors vous ne le serez jamais. Faites plutôt l’effort d’être optimiste. Croyez que vous pouvez prendre de grandes photos, si vous travaillez suffisamment dur. Après tout, Henri Cartier-Bresson utilisait un appareil photo argentique avec le même objectif et la même vitesse d’obturation. Il n’avait pas besoin de l’équipement numérique le plus récent pour prendre de superbes photos.

De plus, nous avons tous accès à certains sujets auxquels personne d’autre n’a accès. Posez-vous la question : Qu’est-ce que je peux photographier que personne d’autre ne peut photographier ? Pensez à votre maison, à celle de vos amis, à votre lieu de travail et à tout autre endroit que vous seul pouvez photographier. Puis sortez votre appareil photo et voyez ce que vous pouvez capturer !

7. « Si je voyais dans mon viseur quelque chose qui me semblait familier, je faisais quelque chose pour le secouer ». (Garry Winogrand)

Une fois que vous avez pris quelques bonnes photos, il est facile de tomber dans le piège qui consiste à prendre le même cliché encore et encore. Mais Garry Winogrand n’était pas satisfait de cette approche, et vous ne devriez pas l’être non plus.

Agissez plutôt comme Winogrand. Si vous vous retrouvez à prendre le même type de photo à plusieurs reprises, faites ce que vous pouvez pour secouer les choses. Faites quelques pas en avant. Faites quelques pas en arrière. Déplacez-vous sur le côté. Passez à un objectif grand-angle. Passez au téléobjectif. Trouvez ce que vous pouvez faire pour que la photo soit différente !

Bien sûr, le résultat ne sera peut-être pas génial, mais au moins vous aurez essayé. Et avec suffisamment d’expérimentation, vous commencerez à créer des images qui sont toujours originales.

8. « J’ai toujours pensé qu’une bonne photo était comme les bonnes blagues. S’il faut l’expliquer, c’est qu’elle n’est pas si bonne que ça ». (Anonyme)

Il est parfois intéressant d’entendre l’histoire qui se cache derrière une photo. Après tout, une histoire peut fournir un contexte précieux et vous aider à voir la photo sous un nouveau jour. Mais dans la plupart des cas, une photo ne devrait pas avoir besoin d’une histoire pour la soutenir. Elle doit parler d’elle-même !

Il est utile de garder cela à l’esprit lorsque vous photographiez et éditez. Si vous tombez sur une composition qui nécessite une explication importante, il est peut-être préférable de passer à autre chose ou, si vous en avez la possibilité, de changer quelque chose à la photo.

9. « Douze photos importantes par an, c’est une bonne récolte ». (Ansel Adams)

Ansel Adams, photographe à plein temps et génie absolu de l’appareil photo, ne s’attendait pas à obtenir plus de 12 grandes photos par an. Alors comment peut-on en espérer plus ? Pour être juste, Adams était un photographe de paysages, un genre particulièrement lent et difficile. Peut-être qu’un vétéran du portrait, de la photographie de rue ou événementielle pourrait faire mieux.

Néanmoins, vous pouvez utiliser les attentes d’Ansel Adams pour définir les vôtres. En tous cas, c’est sans doute une des citations les plus stimulantes à mon sens. Regardez vos photos de l’année précédente. Voyez combien de bons clichés vous avez pris. Attendez-vous à en trouver 12 tout au plus. Et si vous en avez plus, considérez que c’est une victoire !

10. « Ce peut être un piège pour le photographe de penser que les meilleures photos sont celles qui ont été les plus difficiles à obtenir ». (Timothy Allen)

C’est un problème auquel sont confrontés de nombreux photographes, qu’ils soient débutants ou professionnels. Il est facile de confondre les images qui ont demandé le plus de travail avec les images qui sont réellement les meilleures. Malheureusement, ce n’est pas toujours le cas. Parfois, les meilleures photos sont difficiles à prendre, mais d’autres fois, elles demandent très peu d’efforts.

Alors comment faire face à ce problème ? L’une des solutions consiste à attendre avant de regarder vos photos. Laissez-vous aller à oublier tout le travail qui a été fait sur certaines images, puis regardez les fichiers d’un œil neutre.

Une autre solution consiste à jeter un coup d’œil rapide à toutes vos photos, puis à vous en éloigner un moment avant de les regarder à nouveau. Lorsque vous reviendrez à l’ordinateur, vous verrez peut-être des éléments que vous n’aviez pas remarqués auparavant, et vous aurez, je l’espère, un état d’esprit impartial pour regarder vos photos.

Derniers mots pour conclure sur ces citations essentielles sur la photographie

Maintenant que vous avez terminé de lire cet article, vous connaissez 10 citations essentielles sur la photographie et vous vous sentez, je l’espère, inspiré. Mémorisez donc les citations que j’ai partagées avec vous dans cet article. Lisez-les attentivement. Réfléchissez à leurs significations profondes. Et voyez ce que vous pouvez produire à partir de là !

A vous de jouer maintenant… Laquelle de ces citations est votre préférée ? Avez-vous d’autres citations sur la photographie que d’après vous tout le monde devrait connaître ? Partagez vos idées et vos avis dans le groupe privé initiationphoto !

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Mais n’ayez crainte ! Dans cet article, je partage mes meilleurs conseils pour des photos d’automne époustouflantes.
J’explique en autre, comment :

• utiliser un simple filtre pour faire ressortir les belles couleurs d’automne.
• ajuster votre balance des blancs pour obtenir de superbes images chaudes.
• créer des photos étonnantes en recherchant la bonne lumière.
• et bien plus encore !

Prêt à devenir un maître de la photographie d’automne ?
Alors allons-y !

1. Utiliser un filtre polarisant pour renforcer les couleurs

Commençons par le commencement. Si vous voulez capturer des couleurs d’automne riches et vives, vous devez commencer par acheter un filtre polarisant. Les filtres polarisants se placent à l’avant de l’objectif et réduisent la lumière réfléchie. Les reflets sur les feuilles humides et/ou cireuses réduisent l’intensité des couleurs. En empêchant cette lumière indésirable d’atteindre le capteur de votre appareil photo, vos photos d’automne gagneront en saturation.

Veillez toutefois à acheter un filtre de bonne qualité, un polarisant bon marché ne fera pas son travail efficacement et peut introduire des dominantes de couleur gênantes. Ne lésinez pas sur le prix et optez pour une option de bonne facture, comme le filtre polarisant circulaire proposé par Gobe.

Remarque : le diamètre du filtre polarisant doit correspondre au diamètre de la lentille de votre objectif. Choisissez l’objectif que vous prévoyez d’utiliser le plus souvent pendant l’automne, vérifiez son diamètre, puis achetez un filtre polarisant correspondant.

N’oubliez pas non plus que les filtres polarisants réduisent la quantité totale de lumière qui atteint le capteur de l’appareil photo. Pour compenser, votre appareil photo sera obligé de réduire la vitesse d’obturation, ce qui peut provoquer des tremblements et du flou de bougé. Pour éviter cela, je vous recommande de photographier avec un bon trépied !

2. Photographier pendant les Golden Hours

L’heure qui suit le lever du soleil et l’heure qui précède le coucher du soleil sont connues sous le nom de Golden Hours ou heures dorées. Si vous avez déjà passé du temps à observer la lumière du soir, vous savez pourquoi. Lorsque le soleil est bas dans le ciel, il projette une magnifique lumière dorée et douce sur la terre, une lumière qui est superbe lorsqu’elle illumine des sujets d’automne.

La lumière des heures dorées présente plusieurs avantages majeurs. Elle est douce, ce qui vous permet de prendre des photos avec beaucoup de détails. Et comme elle est chaude, vos images auront une superbe couleur dorée. Personnellement, je suis un grand fan de la façon dont le soleil accentue les couleurs rouge et or quand il est bas. Vous pouvez capturer des paysages d’automne à couper le souffle, des détails en gros plan, des portraits d’automne, et bien plus encore.

Si vous pouvez vous lever assez tôt, le matin peut être encore mieux que le soir. D’une part, il y a moins de monde, ce qui vous permet d’avoir des chemins forestiers pour vous tout seul. Et le matin, il y a généralement moins de vent, ce qui est idéal si vous voulez combiner les couleurs d’automne époustouflantes avec les reflets d’un étang.

3. Ne boudez pas les journées couvertes

Si vous recherchez des couleurs riches et chaudes, l’éclairage de l’heure dorée est idéal… Mais vous pouvez aussi capturer des images uniques par temps couvert. Les nuages agissent comme des diffuseurs géants, créant une lumière douce et uniforme qui fait ressortir les détails, ajoute une atmosphère particulière et sature même les couleurs.

Par exemple, les scènes de forêt d’automne sont étonnantes sous un éclairage couvert. Les petits détails tels que les feuilles mortes, les fleurs de septembre et les plantes fanées sont également superbes.

Un autre conseil : si le ciel est nuageux, assurez-vous de sortir pour prendre des photos en milieu de journée. À mesure que le soleil descend dans le ciel (derrière les nuages), la lumière disparaît progressivement. En fin d’après-midi, vous risquez d’avoir du mal à obtenir des images nettes à la main. Bien sûr, vous avez toujours la possibilité d’utiliser un trépied !

4. Cherchez les contrastes de couleurs

L’automne regorge de toutes sortes de magnifiques contrastes de couleurs : feuilles rouges sur fond vert (herbe), feuilles orange sur fond bleu (ciel), feuille jaune sur fond bordeaux (feuilles). Et si vous parvenez à intégrer ces nombreux contrastes dans vos images, vous obtiendrez des résultats à couper le souffle.

Vous voyez, le contraste des couleurs ajoute de la tridimensionnalité en créant une séparation nette entre le sujet et le fond. De plus, les couleurs contrastées sont tout simplement frappantes ! Si vous avez du mal à voir les contrastes de couleurs, pensez à imprimer et à emporter une roue des couleurs. Les couleurs opposées contrastent magnifiquement, bien que les couleurs voisines se mélangent également très bien.

Une fois que vous commencez à voir rapidement et régulièrement le contraste des couleurs, essayez d’expérimenter différents équilibres de couleurs. Vous pouvez inclure beaucoup de rouge et un peu de vert pour un look plus sobre – ou une quantité égale des deux pour un résultat intense.

5. Considérez la position du soleil

Certains photographes d’automne préfèrent éviter d’inclure le soleil dans le cadre. Pourquoi ? Parce que quand le soleil frappe le capteur de l’appareil photo, il peut créer un reflet d’objectif, ce qui délave quelque peu la scène et réduit l’impact des couleurs d’automne.

En revanche, en incorporant le soleil dans le cadre, vous pouvez créer d’intéressants effets d’étoile solaire qui mettent en valeur vos paysages et portraits d’automne au lieu de leur nuire. Pour cela, réduisez l’ouverture de votre diaphragme à f/8 (ou au-dessus) pour obtenir un bel effet d’étoile solaire.

Je vous encourage donc à expérimenter les deux méthodes. Passez un peu de temps à photographier à l’opposé du soleil afin de capturer de beaux sujets éclairés de face et de côté. Ensuite, faites demi-tour et photographiez face au soleil. Voyez si vous pouvez délibérément créer un reflet de lentille (ou flare).

6. Jouez avec la balance des blancs

Le réglage de la balance des blancs est le processus qui consiste à gérer les dominantes de couleur dans vos images. Certaines sources de lumière, comme un soleil bas, produisent une lumière très chaude et orangée, tandis que d’autres sources de lumière, comme le flash artificiel, produisent une lumière très froide et bleutée. Mais lorsque vous réglez la bonne balance des blancs, vous neutralisez ce résultat chaud ou froid en supprimant la dominante. Une neutralisation réussie fait ressortir les couleurs sous-jacentes et permet à la photo de représenter plus fidèlement son sujet.

En règle générale, il est bon de neutraliser les dominantes de couleur. Il peut donc être utile de travailler avec les préréglages de balance des blancs de votre appareil photo, voire de régler la balance des blancs à l’aide d’une charte de gris. Si vous prenez vos photos au format RAW, vous pouvez toujours ajuster la balance des blancs en post-traitement sans problème. Mais vous pouvez gagner du temps en la réglant dès le départ.

Notez également que vous n’avez pas toujours besoin d’utiliser la balance des blancs pour corriger la couleur de l’image. Vous pouvez en fait utiliser un réglage de balance des blancs chaud ou froid pour ajouter de l’ambiance à vos images d’automne. Par exemple, si vous voulez rehausser les rouges et les oranges, vous pouvez utiliser un préréglage de la balance des blancs à haute température pour réchauffer l’image !

7. Cherchez à représenter le chaos

Les scènes d’automne ont tendance à être assez chaotiques. Elles présentent souvent des branches ondulantes, des feuilles mortes, des arbustes colorés… et la liste est longue.

Et en photographie, le chaos est généralement une mauvaise chose. De nombreux photographes passent de longues minutes à travailler chaque scène afin de réduire le chaos. Après tout, le chaos distrait le spectateur et l’empêche de regarder le sujet principal, n’est-ce pas ?

Eh bien pas toujours ! Si vous pouvez embrasser le chaos, vous pouvez capturer des images uniques qui vont au-delà des photos d’automne standard. Essayez de composer soigneusement vos photos pour que tous les éléments s’assemblent comme un puzzle. Et voyez si vous pouvez intercaler différentes couleurs dans le cadre, quelques zones rouges ici, quelques zones vertes là.

Dans les photos de « chaos », l’objectif est de penser en termes de géométrie abstraite. Veillez à équilibrer soigneusement les différentes couleurs et textures de la scène. Et testez différentes ouvertures pour voir si les images sont bonnes en tant que photos à grande profondeur de champ ou en tant que clichés à faible profondeur de champ.

8. Mettez les couleurs de l’automne en évidence en post-traitement

La plupart des meilleurs effets de photos d’automne sont réalisés à la prise de vue, et vous ne devriez pas considérer les logiciels de post-traitement comme un moyen de « réparer » ou de « créer » des images étonnantes. Cependant, vous pouvez améliorer vos photos d’automne en faisant ressortir les couleurs, en renforçant la profondeur et en augmentant les détails. Cela ne nécessite pas non plus de connaissances particulières, vous pouvez gérer toutes vos retouches de photos d’automne dans un logiciel intuitif tel que Lightroom.

Je vous recommande d’ajuster d’abord l’exposition pour être sûr de capturer le niveau de détail que vous recherchez. Si vous remarquez des ombres ou des hautes lumières sans détail, utilisez les curseurs de tonalité. Ces curseurs sont ceux des hautes lumières, des ombres, des noirs et des blancs, et permettent de récupérer les données manquantes. Apportez ensuite quelques modifications au contraste. Ces modifications sont souvent agréables et donnent du punch, mais n’en faites pas trop. Un contraste trop important commencera à créer des effets irréalistes, ce qui n’est certainement pas ce que vous souhaitez.

Enfin, expérimentez avec différents curseurs d’intensité de couleur. Le curseur « saturation », par exemple, permet d’augmenter l’intensité globale des couleurs. Le curseur « vibrance », quant à lui, accentue les couleurs plus froides. Et si vous vous sentez particulièrement audacieux, vous pouvez même essayer de modifier certaines couleurs en utilisant le panneau TSL (Teinte/Saturation/Luminance) de Lightroom.

9. Sortez quand la météo est mauvaise

Je sais, je sais, les jours de mauvais temps vous donnent envie de rester à l’intérieur et de ne pas vous aventurer dehors avec votre appareil photo. Mais si vous vous lancez, vous verrez rapidement que les couleurs d’automne combinées à des après-midi brumeux, pluvieux ou même (si vous avez un peu de chance) enneigés, peuvent être vraiment incroyables.

Tout d’abord, le mauvais temps peut ajouter beaucoup d’atmosphère. La pluie est un excellent moyen d’ajouter une ambiance mélancolique, tandis que la neige peut créer des vibrations édifiantes ou un aspect plus triste et solitaire, selon la façon dont vous abordez et éditez vos photos. Et le brouillard est presque toujours superbe, bien que si vous voulez des images vraiment puissantes, essayez de combiner le brouillard avec la répétition. Par exemple des lignes d’arbres dans une forêt.

Vous devez cependant faire attention. Il est facile de se perdre dans un brouillard épais ou dans la neige, il faut donc toujours avoir un téléphone sur soi et dire à l’avance à quelqu’un où l’on va. Et comme le mauvais temps peut endommager votre appareil photo, n’oubliez pas d’emporter un imperméable avec vous. Je vous encourage également à emporter une deuxième housse qui s’enroule autour de votre sac photo et le garde au sec.

Derniers conseils pour la photographie d’automne

Maintenant que vous avez terminé cet article, vous êtes prêt à capturer de magnifiques images d’automne. Amusez-vous bien à photographier les couleurs de l’automne. Et assurez-vous de prendre des photos dès que vous le pouvez. Dans de nombreuses régions, le pic des scènes d’automne ne dure que quelques semaines. Et vous ne voulez pas les manquer !

Lequel de ces conseils comptez-vous essayer en premier ? Quel type de photographie d’automne envisagez-vous de créer ? Partagez vos idées avec moi en commentaire ci-dessous !

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Dans cet article, je partage plusieurs astuces clé pour choisir les bons vêtements pour des séances photo. Je vous donne également une série d’idées et d’exemples. De cette façon, si vous bloquer sur le choix de la tenue idéale, vous pouvez toujours revenir à ma liste d’inspiration.

NOTE : Le client joue le rôle le plus important dans chaque shooting, raison pour laquelle je propose mes conseils vestimentaires. Mais je m’assure que leur choix de tenue s’accorde avec leurs préférences. Je demande toujours à mes clients de m’envoyer quelques tenues qu’ils ont choisi avant le jour du shooting. Et je leur donne mon avis et mes suggestions. Mais je ne les oblige jamais à s’habiller avec une tenue dans laquelle ils ne se sentent pas à l’aise !

Comment choisir une tenue pour une séance photo : astuces rapides

Dans cette section je partage mes meilleurs astuces pour conseiller les clients sur leur choix de vêtements.

1. Adaptez la tenue au type de shooting

Chaque type de séance photo est différent. Et différents shooting demandent des tenues différentes ! Un shooting corporate peut exiger une tenue plus formelle, alors qu’une séance couple est souvent moins formelle. Une séance famille, quant à elle, se fait plutôt dans un style assez décontracté. Donc, veillez à toujours garder à l’esprit le type de séance que vous envisagez lorsque vous conseillez vos clients sur les tenues à porter. Si vous n’êtes pas familier avec les différents types de séances, voici une liste relativement compréhensible :

• Famille (famille proche, peut-être avec un couple de grand-parents en plus)
• Enfants (juste les enfants, parfois avec les cousins-cousines en plus)
• Frères et Sœurs
• Couple et Engagement (avant mariage)
• Naissance ou bébé
• Anniversaire, Saint-Valentin, Noël,…
• Clan (plus grande famille, incluant plus de membres ou plusieurs familles ensemble)
• Lifstyle (en général moins formelle)
• Portrait (souvent plus formelle)
• Corporate

Une fois que vous validez une séance et déterminez le type de shooting que votre client souhaite, il peut être bon de faire une petite recherche. De regarder des images prises par d’autres photographes. Et vous demander comment les tenues affectent l’ambiance générale de l’image et comment elles s’alignent avec la demande du client.

Si vous n’êtes pas totalement sûr de ce que vos clients attendent, demander leur, ou au moins ayez une petite discussion avec eux à ce propos. Sont-ils intéressés par une séance formelle ? Ou préfèrent-ils des images plus décontractées ? Par exemple, les clients peuvent avoir des idées assez variées du sérieux d’une séance portrait. Il est donc bon de clarifier la confusion dès le départ.

2. Pensez au type de client

De mon expérience, les clients font en général partie d’une de ces deux catégories : stylé ou décontracté.
Les clients stylés aiment penser à chaque détail de leur séance, incluant :

• Le look et le sentiment qu’il veulent transmettre
• La couleur principale, le lieu et les accessoires qu’ils souhaitent utiliser
• Le maquillage, les coiffures,…
• Le résultat de leur shooting et ce qu’ils feront des images (impression,…)

Les clients décontractés, eux, veulent juste capturer des souvenirs. Généralement, ils espèrent porter leurs vêtements habituels et mettre en valeur leurs interactions familiales. Ils ne sont pas préoccupés par le lieu ou les vêtements. Ils veulent de belles photos d’eux ou de leur famille. Et ils prévoient simplement de garder les fichiers numériques en sécurité sur un disque dur (qu’ils pourront imprimer au besoin).

Cependant, il est important de discuter des tenues de la séance photo avec les deux types de clients. Les clients « stylés » ont tendance à avoir des préférences précises mais à moins qu’ils soient photographe de portrait, ils ne peuvent pas réaliser ce qui fonctionne ou non. Pour capturer les meilleures images, vous devez donc travailler avec eux et les guider dans la bonne direction.

Alors que les clients « décontractés » peuvent souhaiter porter leurs vêtements de tous les jours. Il est donc aussi important que vous les aidiez à décider de la meilleure de ces tenues. Si la séance inclut plusieurs personnes, vous souhaitez qu’elles soient accordées. Et si vous faites une séance photo avec une seule personne, la tenue doit s’accorder avec le sujet et son environnement (et certainement pas distraire le lecteur !).

3. Choisissez un thème spécifique

Certains clients aiment faire des séances photo à thèmes alors que d’autres non.  Mais si vous avez des clients qui espèrent des photos sur un thème particulier alors vous devez vous assurer qu’il est spécifique et choisir des tenues adaptées.

J’encourage toujours mes clients avoir un thème précis. Un thème « glamour » et plutôt vague alors que « forêt enchantée » et beaucoup plus clair et réalisable.  Il est aussi important de garder les choses simples à travers le thème choisi, nous vous éparpillés pas trop avec des maquillages, des vêtements ou des accessoires trop complexes.  Pour moi, un thème donne juste un contexte. L’élément principal de la séance photo et de s’assurer que le client présente bien,  est naturel  et aime ce qu’il dégage sur la photo.

La simplicité est le maître mot !

4. Considérez le lieu

Quand vous choisissez les tenues pour la séance, il est important de penser à l’endroit de la prise de vue, parce que des lieux différents offrent des couleurs différentes textures et des éclairages qui peuvent mettre les tenues en valeur (où les massacrer). Si vos clients ont des préférences vestimentaires strictes, le mieux est de commencer par le choix vestimentaire, et décider de l’endroit en second lieu. Si les tenues choisis sont plus complexes, un endroit qui propose un arrière-plan simple sera le mieux. Cependant si vos clients son moins intéressé par le choix des tenues, commencer par le choix du lieu peut avoir du sens et déterminé le chant vestimentaire par la suite.

Si vous photographier dans un lieu  chargé (par exemple une ville ou un marché),  où vous ne pouvez pas éviter d’être entouré par des gens,  je vous suggère de choisir des tenues uni et sans motif. Cela aide vos clients à être bien visible malgré l’environnement charger. (quand je photographie dans ce genre d’endroit, je favorise l’utilisation d’une grande ouverture ou une faible vitesse pour rendre l’arrière-plan flou tout en gardant le sujet net).

Par contre, si l’endroit est un parc, vous pouvez trouver des coins calmes avec des arbres, des feuillages, ou un ciel uni en arrière-plan, alors vos clients peuvent porter des tenues fleuries ou plus bariolées.

Pour un look encore plus raffiné, augmentez l’ouverture du diaphragme de manière à obtenir une profondeur de champ réduite et un joli flou d’arrière-plan (bokeh !).  Si vous photographier dans une zone vide ou unie, vous pouvez aussi créer des silhouettes avec vos modèles. Cela fonctionne bien si vos clients portent des vêtements similaires (par exemple des vestes simples).

Voici quelques autres endroits qui peuvent bien fonctionner comme arrière-plan :

• un mur de brique (ou n’importe quelle surface texturée)
• de larges peinture murale
• des arches, des coins
• un vieux bâtiment
• une rangée de pilier

Et rappelez-vous qu’il est important de maximiser le contraste entre les tenues et  l’environnement.  En d’autres mots, favorisez les vêtements unis dans les endroits chargés et des vêtements « bariolés » dans des lieux plus calmes et plus vides. Est-ce que cela a du sens ?

5. N’oubliez pas la période de l’année ou la saison

Ce truc-ci est plutôt évident :  veillez à ce que la tenue de la séance photo soit en accord avec la saison !  Vous ne voulez pas que vos clients passent la session entière à grelotter ou à transpirer. J’encourage mes clients à apporter une tenue de rechange dans le cas où il voudrait changer de style pendant la séance.  Certains le font, d’autres pas. Selon l’endroit, la météo peut changer très rapidement et de façon conséquente. En automne et au printemps,  vous pouvez parfois avoir les quatre saisons sur une seule journée, il peut donc être utile d’avoir plusieurs autres tenues sous la main.

J’encourage aussi mes clients à mettre plusieurs couches. Si le soleil pointe le bout de son nez, ils doivent juste enlever une couche. Et si le vent monte, ils peuvent simplement en rajouter une. Vous pouvez aussi apporter quelques accessoires portatifs pour le cas où il y aurait une météo intéressante, tel que de la pluie ou de la neige. Des photos sous un parapluie donnent souvent très bien !

6. Considérez votre propre style

Avez-vous votre propre style, un style cohérent ? Par exemple, capturez-vous des portraits sombres, dramatiques ?  Des photos lumineuses, aérées ?  Des clichés audacieux, glamours ?

Même si je ne pense pas que vous devriez être trop obsédé par le fait de garder un style spécifique, il peut être utile d’encourager vos clients à s’habiller d’une manière qui correspond avec votre style.  Malgré tout n’insistez pas, c’est le choix du client, pas le vôtre… mais si vous avez l’opportunité de capturer des images en accord avec votre vision créative, allez-y !

Si votre client est résistant à vos idées, c’est OK. Laissez-le prendre la décision finale. Vous pouvez toujours refuser de travailler avec lui. Mais même si une personne n’est pas votre client idéal, il aime vos photos et il est prêt à payer pour votre travail. Voulez-vous vraiment refuser ?

Quoi porter : conseil général pour la tenue

Maintenant que vous êtes familiers avec les différents éléments à considérer lorsque vous conseillez vos clients sur les tenues à porter, voici mes conseils généraux :

• Le classique c’est bien. Difficile de se tromper avec des tenues et des couleurs intemporelles : chinos, kakis, beiges et bleus, teintes nature, pastels, chemises et robes simples.
• Les fleurs et les imprimés sont sympas. Si vous travaillez avec un arrière-plan simple, essayez de ne choisir que des fleurs ou même un mélange éclectique d’imprimés et de motifs. Associer des imprimés à des rayures peut aussi parfois fonctionner.
• Utilisez un mélange de couleurs assorties. Gardez les couleurs harmonieuses, mais évitez les correspondances parfaites d’un sujet à l’autre (c’est-à-dire que toute la famille ne s’habille pas en chemises blanches et en jeans). Évitez les contrastes tels que le vert et le rouge ou le jaune et le violet. Au lieu de cela, essayez de combiner des tons chauds (jaunes, oranges, roses, rouges et même des verts chauds) et des tons froids (bleus, violets et verts standard). Une explosion de couleurs vives pourrait également fonctionner, bien que vous deviez la photographier sur un arrière-plan ou un décor uni.
• Gardez les vêtements cohérents. Si vous photographiez des couples ou des portraits de groupe, évitez les différences extrêmes d’un sujet à l’autre. Vous ne voulez pas capturer une personne avec un pull tricoté décontracté et l’autre avec une robe soyeuse. Un contraste aussi important peut être choquant ! Le noir et blanc est une autre combinaison intense à moins qu’elle ne soit intentionnelle.

Combinez les sombres et les clairs. Si vous photographiez des adultes et des enfants, assurez-vous que les adultes portent des vêtements sombres tandis que les enfants s’habillent de vêtements clairs ou lumineux. Faites-le dans l’autre sens et les adultes domineront la scène tandis que les enfants disparaîtront.

Vêtements pour une séance photo : le mot de la fin

Nous avons tous nos propres préférences et styles personnels, mais j’espère que cet article vous a été utile ! Déterminer les vêtements parfaits pour une séance photo peut être difficile, mais avec un peu de pratique, vous deviendrez un expert.

Maintenant à vous

Quel type de vêtements comptez-vous utiliser pour votre prochaine séance photo ? Partagez votre opinion dans les commentaires ci-dessous !

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Cette semaine, je partage avec vous les 7 aptitudes qui, à mon sens, peuvent vous permettre d’évoluer plus vite, ou disons plus efficacement, dans votre cheminement photographique. Certaines sont logiques ou simples à mettre en action, d’autres peuvent sembler insurmontables. C’est du cas par cas. Mais je vous assure qu’elles sont toutes réalisables et qu’elles vous apporteront indéniablement quelque chose. Que ce soit à court ou à long terme. Voyons donc ces aptitudes du photographe qui évolue.

1. Il pratique le plus souvent possible

Il n’y a pas de secret, l’apprentissage, l’évolution, c’est avant tout de la pratique. Plus vous pratiquerez, plus vous serez à l’aise et plus vous serez à même d’anticiper, de prévoir et de capturer ce que vous voulez, comme vous le voulez. En pratiquant, vous faites des erreurs et inévitablement, vous les corrigez au fil du temps et par conséquent, vous ne pouvez que devenir meilleur. C’est de cette manière qu’on évolue aussi en photographie. Vous expérimentez, et c’est cela qui vous fait évoluer.

En pratiquant régulièrement, vous développer votre regard, vos réflexes et vous devenez de plus en plus habile dans votre manière de faire de la photo. N’hésitez donc jamais à prendre votre appareil avec vous, où que vous alliez. Même si au final vous ne faites que deux ou trois photos…si si . Même si vous ne ramenez pas LA photo la première fois, persévérez !!! Toute occasion est bonne à prendre. Parce qu’une chose est sûre, si vous n’avez pas votre appareil ou que vous ne l’utilisez jamais, vous ne risquez pas de faire une bonne photo.

2. Il apprend et se forme continuellement

Sortir prendre des photos est excellent et indispensable pour évoluer mais ça ne suffit pas ! Il faut également découvrir de nouvelles choses, d’autres techniques. Là aussi, comme dans de nombreux autres domaines, il faut se former tout au long de sa vie ou de sa pratique tout au moins. J’aime me rappeler régulièrement la maxime de Socrate : « Tout ce que je sais c’est que je ne sais pas… ». Ça me rend curieux et ça booste mon envie d’apprendre, avec le temps, j’évolue. Dès lors que vous êtes conscient que vous ne savez pas tout, vous développez une envie de savoir plus, de découvrir, d’apprendre, d’essayer, tout le temps.

Les technologies évoluent continuellement, les techniques aussi. Sans parler des styles et des modes. Alors, surtout ne lésinez pas sur la formation. En lisant et en suivant des cours ou des ateliers le plus régulièrement possible. Ce peut être en programmant un cours chaque année (au minimum), par exemple. Avec internet, il aussi est possible de trouver toutes sortes de contenus pertinents qui peuvent vous aider à développer vos connaissances et votre expérience dans votre domaine de prédilection.

3. Il développe et édite ses photos

Le photographe qui évolue aime prendre le contrôle complet de son process photographique. Développer lui-même ses photos fait donc partie de ses aptitudes. Cela lui permet de corriger les éventuels défauts mais aussi d’y apporter sa touche personnelle. En gros, il peut sublimer son travail. Bien sûr, le monde ne s’est pas fait en un jour et comme pour la prise de vues, le post-traitement demande une période de prise en main et d’adaptation. La pratique, la répétition et l’auto-analyse de son travail lui permet d’évoluer vers son style personnel.

L’étape de l’editing est indispensable pour tout photographe qui souhaite évoluer. Nous faisons tous de bonnes et de moins bonnes photos. Être honnête avec soi-même et objectif permet de se limiter uniquement aux (très) bonnes photos. Soyez strictes dans votre sélection, ne gardez et ne publiez que celles-là. Ce sont ces photos qui représenteront votre travail. Une fois encore, cette démarche évolue avec le temps et l’expérience. Donc, soyez tolérant avec vous-mêmes au début.

4. Il expérimente de nouvelles choses

Vous venez de découvrir une nouvelle technique à travers un article ou en suivant un photographe que vous aimez ? Super ! Et pourquoi ne pas expérimenter et tenter de la reproduire. Essayez et adaptez votre pratique. En pratiquant quelque chose de nouveau, vous trouverez peut-être une nouvelle manière de faire vos photos. Progressivement, votre pratique évolue en intégrant cette nouvelle technique.

De même, le nouveau matériel ne cesse de fleurir d’année en année. Un nouvel objectif, le dernier modèle d’appareil. Ne restez pas figé dans ce que vous connaissez. Un ami ou un membre de votre club s’est acheté du matériel que vous ne connaissez pas. Profitez-en, posez-lui des questions et s’il est d’accord, demandez-lui pour essayer. Toute découverte élargira votre vision de la photographie et par conséquent votre pratique.

5. Il lit sur la photographie

Lisez… toujours ! Il y a régulièrement de nouveaux livres qui sortent et qui parlent de toutes sortes de sujets liés à la photographie. Attention, je ne dis pas d’acheter tous les livres qui paraissent. Renseignez-vous avant d’acheter. Mais n’arrêtez jamais d’ouvrir des livres, des magazines sur le thème. Ou simplement des articles de blog sur internet.

Pensez également aux livres d’auteurs. Les grands photographes publient des livres photos sur des sujets divers et variés pour montrer leur travail. C’est l’occasion de les découvrir, de voir ce qu’ils font et comment ils le font. On se sent parfois perdu lorsque l’on pratique la photographie seul. Mais en lisant et en découvrant le travail ou les conseils des autres, on grandit.

6. Il partage avec les autres

Partager votre travail n’a jamais été aussi simple qu’aujourd’hui. Que ce soit sur les divers médias sociaux ou sur les sites dédiés au partages de photos tels que Flickr, 500px ou même simplement Google Photo. N’hésitez pas à demander des avis sur votre travail. C’est une excellente façon d’avoir un retour et de pouvoir ajuster votre objectif. Ne prenez pas tout pour argent comptant. Tout le monde n’a pas la capacité de juger objectivement. Et puis, il y a toujours des personnes qui critiqueront pour critiquer. Alors, restez détaché.

Quoi que vous fassiez, quel que soit votre style ou votre niveau, partagez ! Vous aurez probablement des commentaires, voir des conseils. Cependant, ne le faites pas uniquement pour recevoir des like et surtout n’espérez pas plaire à tout le monde. Faites-le pour vous, pour votre évolution et pour montrer ce que vous faites au monde entier.

7. Il s’inspire des grands

J’entends et je lis souvent des photographes qui disent manquer d’inspiration. Je vais donc terminer cette série d’aptitudes par celle qui pour moi peut redonner des pistes d’inspirations : regarder ce que font les autres et surtout ce qu’ont fait les grands photographes de l’histoire. Il y a des choses à prendre et à apprendre chez la plupart d’entre eux. Quand je dis « grands » photographes ce n’est pas seulement les plus connus ou ceux qui sont morts et ont laissé leur trace.

Il y a énormément d’expositions, de vidéos, d’albums photo permettant de découvrir les œuvres de tellement de photographes que vous n’auriez pas le temps d’une vie pour tous les découvrir. Là encore, je n’ai pas dit que tout était bon ou que tout valait le coup. Mais, c’est à vous de chercher et de trouver ce qui vous plaît, vous parle, vous inspire… et continuer à prendre des photos et à créer votre univers à partir de tout cela.

Conclusion

Comme nous l’avons vu, avec quelques aptitudes et un peu de pratique, vous pouvez faire un bon en avant dans votre pratique. Vous êtes tous un photographe qui évolue potentiel, vous pouvez tous gagner en connaissance et en expérience. Pas besoin de mettre ces 7 aptitudes en action en même temps, commencez avec celle qui vous semble la plus abordable pour vous et lancez-vous…

Et vous, quelle aptitude développez vous régulièrement pour faire évoluer votre pratique de la photographie ? Dites-le moi en commentaires, plus bas sous cet article.

Cet article vous a plu ? Il peut aider un ami ou un proche à faire de meilleures photos, alors partagez-le autour de vous sans modération

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1. Les modes semi-automatiques et manuel

Lorsqu’ils débutent la photographie, certaines personnes se disent qu’il est plus facile de régler son appareil photo en mode automatique. Elles préfèrent oublier la possibilité de faire des réglages manuels. C’est particulièrement le cas depuis l’arrivée de la photographie numérique. Pourquoi faire les réglages manuellement alors que l’appareil peut les faire automatiquement pour vous ? C’est ce que vous vous dites, n’est-ce pas ? La vérité est qu’en prenant des photos uniquement avec le mode automatique, vous sacrifiez votre apprentissage. Mais aussi et surtout votre évolution et la prise de contrôle. Donc, si vous pouvez éviter le mode automatique, vous devriez le faire.

Maintenant, la perspective de prendre ses photos en mode manuel peut s’avérer impressionnant au départ. Heureusement, les modes semi-automatiques existent et sont souvent proposés sur la plupart des appareils photos. Pour combler le fossé entre le mode automatique et le mode manuel. Le mode priorité à la vitesse permet de régler la vitesse d’obturation alors que l’appareil règle automatiquement l’ouverture de diaphragme. Le mode priorité à l’ouverture fonctionne de façon similaire. Elle vous permet de changer la valeur d’ouverture pendant que l’appareil ajuste la vitesse de façon adéquate.

La priorité à la vitesse et la priorité à l’ouverture facilitent une approche créative de la photographie. Tout en permettant à l’appareil photo de contrôler une partie des paramètres pour garder une exposition correcte. Cet équilibre de fonctionnement vous permet d’expérimenter. Ce qui par la même occasion vous permet de développer un sens des bons réglages pour chaque circonstance.

Après, une fois que vous vous serez familiarisé avec la dynamique des modes semi-automatiques, passer progressivement au mode manuel est beaucoup plus fluide et simple. Ce qui vous permet finalement et profiter totalement des avantages de l’appareil photo comme outil créatif.

2. La sensibilité ISO

La sensibilité ISO est en général assez mal comprise par les débutants. En termes simplistes, la sensibilité ISO est un réglage qui permet d’obtenir une image plus claire en faible lumière. Lorsque la valeur ISO est augmentée, les images deviennent progressivement plus clair. C’est une fonction qui est utile pour photographier dans les environnements plus sombres. Cependant augmenter la valeur ISO augmente aussi le bruit numérique, ce qui peut compromettre la qualité d’une image numérique.

Expérimenter la sensibilité ISO vous donnera une bonne idée de la façon dont vos images se comporteront en situation de basse lumière. En devenant plus familier avec la sensibilité ISO et ses compromis, vous pouvez apprendre à anticiper le résultat d’une photo. En gardant une image d’une aussi bonne qualité que possible dans une grande variété d’environnements.

3. Les modes de mesure de lumière

La mesure de lumière intégrée est la manière dont l’appareil détermine l’exposition appropriée pour une situation donnée. Les modes de mesure font référence à la méthode utilisée par le système de mesure pour évaluer une scène.

Les différents modes de mesure de lumière permettent aux photographes de sélectionner les réglages « idéaux » pour une situation particulière. Par exemple, la mesure matricielle (Nikon)/évaluative (Canon) mesure l’intensité de la lumière dans différentes zones d’une scène. Ensuite elle combine les résultats et fait une moyenne de ses mesures pour régler l’exposition. La mesure spot, de son côté, mesure seulement une toute petite proportion de la scène pour déterminer les réglages de l’exposition.

Alors que la mesure matricielle/évaluative est utile pour les situations où les tons sont uniformément répartis, la mesure spot est idéal pour mesurer les scènes à hauts contrastes, dont les contre-jours. Expérimenter les différents modes de mesure de la lumière soumet l’utilisateur à des manières de travailler efficaces dans différents conditions de lumière. Ce qui le mène à un plus grand contrôle de la technique et plus de créativité.

4. La balance des blancs

Des sources de lumière différentes peuvent impacter la température des couleurs globales de vos photos. Par exemple, les lumières fluorescentes peuvent générer une dominante de couleur différente de celles d’un coucher de soleil. Pour rectifier cela, de nombreux appareils photos numériques offrent une fonction qui équilibre les blancs dans une scène. Cela de façon à rendre les couleurs d’une image plus naturelles. On l’appelle la balance des blancs.

Expérimenter les modes de balance des blancs prédéfinis ou personnalisés peut vous aider à obtenir des résultats plus plaisants et esthétiques directement dans l’appareil photo. Même si la balance des blancs peut-être réglée sur Automatique, l’appareil photo ne fait pas toujours la conversion correctement. Essayer des fonctions de balance des blancs personnalisées ou prédéfinies prépare le photographe à des situations d’éclairage délicates sur le terrain.

5. La mise au point manuelle

En tant que photographe débutant, réussir des images bien nettes peut-être un véritable challenge. La fonction autofocus de l’appareil photo est rapide et relativement facile à utiliser. Mais réaliser votre mise au point manuellement peut parfois faire la différence entre une image réussie et une image ratée.

Par exemple, la mise au point manuelle est souvent beaucoup plus efficace que l’autofocus en condition de basses lumières ou de faible contraste. De même, prendre des photos à travers des objets comme du verre ou une clôture avec le mode autofocus activé peut être une expérience très frustrante. Le système autofocus peut même parfois être totalement perdu quand l’utilisateur essaie de faire la mise au point sur un sujet qui bouge rapidement.

Alors que l’autofocus peut convenir dans certaines situations, basculer en mise au point manuelle peut jouer un rôle vital. Et faire toute la différence pour créer des images de qualité. Expérimenter la mise au point manuelle lorsque l’on débute en photographie numérique vous aidera à construire et renforcer votre expérience technique. Utiliser la mise au point manuelle favorise une plus grande conscience des possibilités de l’appareil. Et garanti des séries d’images plus diversifiées.

6. La composition

Tout au long de l’histoire des arts visuels, des concepts ont émergé pour aider à la création d’images percutantes. La composition fait référence à l’organisation des éléments dans une œuvre d’art visuelle. Qu’il s’agisse d’un tableau, d’une photographie ou d’une sculpture, tout art visuel repose sur la composition.

Expérimenter la composition permet aux photographes aux premiers stades de leur pratique de s’armer de connaissances utiles transmises par l’art. En expérimentant des éléments de composition (tels que la perspective, la règle des tiers et les lignes directrices), les photographes en devenir peuvent rapidement commencer à identifier et à utiliser les principaux aspects visuels d’une scène.

7. L’abstraction

On définit souvent la photographie abstraite comme étant un moyen représentant une image visuelle qui n’a aucune association immédiate avec le monde de l’objet qu’il représente. Et qui est créé grâce à un équipement, des procédés ou des matériaux photographiques.

Fondamentalement, les photographes abstraits génèrent des sujets qui mettent l’accent sur l’expérience esthétique plutôt que sur l’identité conventionnelle. L’abstraction est une facette unique de la photographie. En cela, elle encourage une approche plus expérimentale du procédé de prise de vues.

En tirant parti de l’abstraction, les débutants en photographie numérique sont libres d’expérimenter au-delà de la notion conventionnelle de le photographie. Cette expérimentation leur fera inévitablement découvrir d’autres domaines de la pratique. Mais également de la construction de leur expérience et du développement de leur perspective individuelle.

8. Le sujet

Il n’y a rien de mauvais à se spécialiser dans un domaine ou pour un sujet. Mais s’attaquer à différents domaines de la photographie développe votre expérience photographique. Et cela peut complètement altérer la manière dont vous considérez votre sujet préféré.

Par exemple, la photographie de paysage peut révéler des opportunités de jolis portraits extérieurs. La photographie abstraite peut impacter la manière dont le mouvement est exprimé sur des photos d’action. La photo de rue, vous aider à développer votre regard pour des opportunités photographiques subtiles. La photographie macro vous aidera à apprécier de petits détails.

En gros, une expérience avec différents sujets photographiques peut alimenter un autre domaine de votre pratique de façon surprenante. Expérimenter une variété de sujets est un solide moyen de développer une approche photographique bien équilibrée.

9. La perspective

Une des raisons pour lesquelles la photographie est si efficace est parce qu’elle met au défi la compréhension du monde du photographe autant que celle du lecteur. Cependant, il peut être facile de prendre l’habitude de toujours photographier ses sujets d’un point de vue classique, habituel, à hauteur des yeux, particulièrement lorsque l’on débute.

Nous connaissons tous la phrase « montre-moi, ne dis rien… ». Se déplacer avec son appareil photo est une des façons les plus simples de transmettre une expérience photographique unique. Vous pouvez déclencher en étant au-dessus de votre sujet, en-dessous ou sur le côté.

Et en expérimentant différents points de vue, vous explorez la nature de la photographie et le monde dans lequel nous vivons. En prenant des photos avec des perspectives intéressantes ou inhabituelles, la réalité physique du procédé de prise de vues photographique est mis en avant. Fournissant une vision unique du monde à travers l’expérience du photographe.

10. Le post-traitement

Avoir une photo « parfaite » directement sortie de l’appareil est idéal. Mais parfois un peu de travail en post-traitement est nécessaire. Se familiariser avec les techniques de post-production numérique peut être très pratique. Notamment parce que même les plus petits ajustements peuvent créer un impact positif sur l’image. De plus, l’editing peut affecter votre approche globale de la prise de vues numérique. En révélant les techniques qui fonctionnent déjà pour vous et celles qui doivent être améliorées.

Photoshop est un très bon outil pour traiter vos images. Mais il y a aussi des logiciels libres ou gratuits, tels que Gimp, Darktable ou RawTherapee. Avec la pratique, vous pouvez développer un sens pour savoir comment tirer le meilleur d’une photo.

11. Les accessoires

Il existe un grand nombre de manières d’élargir votre créativité de prise de vues à travers des accessoires économiques.

Par exemple, les tubes-allonge sont à moyen bon marché d’expérimenter la photographie macro. Les « mauvais » filtres peuvent par exemple altérer le résultat d’une photo de manière significative. Et un bon trépied vous aidera à obtenir des images nettes. Louer ou acheter en seconde main est aussi une option intéressante. Dans certains cas, les photographes numériques utilisent d’anciens objectifs d’appareils argentiques.

Investir dans des accessoires peu coûteux permet aux photographes débutants d’expérimenter de nouvelles techniques sans exploser leur budget.

Conclusion

Alors qu’il y a beaucoup d’éléments à prendre en compte lorsque l’on démarre en photographie numérique, expérimenter différents réglages ou techniques d’approche créative et les accessoires vous donneront de bonnes fondations pour vos futures étapes et évolutions en photographie.

Et cela vous permet d’acquérir un ensemble des compétences plus compréhensives et des instincts créatifs bien développés.

Et vous… avez-vous expérimenté l’une ou l’autre des notions citées dans cet article ? Par quoi voudriez-vous commencer ? Dites-le-moi en commentaires ci-dessous.

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On pense souvent que ce qui fait une photo réussie, c’est une photo bien exposée, ou nette,… Mais ce ne sont là que les aspects techniques. En effet, une photo flou peut tout aussi bien être réussie, si l’intention du photographe était de montrer un mouvement ou créer une image mystérieuse. Sans doute, a-t-il réussi .

L’origine d’une photo… l’intention !

Vous êtes certainement d’accord avec moi si je vous dis qu’avant de déclencher, il faut faire les « bons » réglages ? Et c’est tout à fait vrai ! Mais comment savoir si vous faites les bons réglages pour la photo que vous êtes en train de prendre ? Eh bien, c’est très simple… l’intention ! Quelle photo voulez-vous faire ? Visualisez, imaginez la photo que vous souhaitez obtenir et ensuite réglez votre appareil en conséquence.

Beaucoup de photographes débutants sont frustrés par des photos réussies mais banales. Une des principales raisons est qu’ils se focalisent sur la technique ou le matériel. En fait, ils se posent trop tôt la question des bons réglages à utiliser. Pour pouvoir choisir les meilleurs réglages, il faut d’abord avoir le résultat en tête (ce que l’on souhaite obtenir comme image). Selon la photo que l’on veut obtenir, nous ferons des réglages différents.

Voyons un petit exemple :

Vous décidez de faire une photo de vos enfants en train de jouer sur la plage. Peut-être imaginez-vous mettre en avant le cadre paradisiaque du lieu ou l’étendue de la plage…

… ou plutôt capturer et montrer la complicité et le plaisir qu’ils partagent avec leur papa.

Les réglages que vous ferez ne seront pas les mêmes, l’endroit où vous vous placerez sera certainement différent, de même que le message transmis. Il est donc essentiel de penser votre photo bien avant les réglages et le déclenchement. Cela ne veut pas dire que le matériel ou la technique n’ont pas d’importance. Mais vous l’avez compris, on ne choisi pas ses réglages au hasard ! Il faut avant tout avoir une idée de ce que vous voulez exprimer.

Qu’est-ce que l’intention photographique

Tout le monde aime les belles images ! Mais les gens aiment d’autant plus les images qui transmettent une émotion, un ressenti. Celles qui amènent à les faire réfléchir, se questionner ou stimuler leur imagination. Le plus souvent, si quelque chose se passe lorsque vous regardez une photo, c’est que le photographe a su faire passer son message à travers à elle. Et son intention photographique lui a permis de le faire.

L’intention c’est le fait d’avoir une idée bien précise en tête, lorsque vous vous préparez à faire une photo. Pour cela, vous pouvez systématiquement avant chaque déclenchement, vous poser la question « pourquoi je prends cette photo ?« . Autrement dit, il faut arrêter de prendre des photos de tout se qui se présente devant vous parce que c’est joli en pensant que la photo sera jolie. Vous ne pouvez qu’être déçu.

Demandez-vous plutôt quel message vous souhaitez faire passer grâce à votre photo. De la même manière que vous le faites avec les mots, sauf que vous remplacez les mots par des images. Il est primordial de vous questionner sur ce que vous voulez montrer ou exprimer en prenant votre photo. En effet, en tant que photographe, vous avez la responsabilité de faire passer un message clair et précis à travers vos images.

Pourquoi j’appuie sur le déclencheur ?

Si on se pose la question de savoir pourquoi on prend une photo, on aura une infinité de réponses. On aura du moins autant de réponses que de photographes et de situations. Je vais quand même vous donner quelques exemples de réponses aux questions suivantes :

Pourquoi suis-je prêt à déclencher ? Pourquoi je prends cette photo ? Quel est le but et quel message je veux faire passer ?

• l’expression du bonheur sur un visage
• l’émotion d’un regard ou d’un sourire
• l’attitude particulière d’une personne
• l’atmosphère mystérieuse d’un lieu
• les couleurs chaudes et mélancoliques d’un coucher de soleil
• …

Voilà ce qu’est l’intention du photographe. Vous l’avez compris, cette liste est tout sauf exhaustive.

Et concrètement ?

Prenons un cas concret pour vous aider à y voir plus clair. Vous pourrez le reproduire pour chacune de vos photos. Imaginons que vous soyez invité à l’anniversaire de votre petit neveu (si vous n’avez pas de petit neveu, faites comme si). Le sujet du jour sera donc la fête d’anniversaire ou votre neveu. Vous observez l’environnement, y a-t-il beaucoup de monde, l’espace est-il grand ou petit,…

Souhaitez-vous montrer l’ambiance générale et l’euphorie des invités ou plutôt vous concentrer sur les émotions et la joie de votre neveu au moment de souffler ses bougies et de recevoir ses cadeaux ? Vient ensuite la technique. Voulez-vous utiliser une grande ouverture pour réduire la profondeur de champs et pour flouter tout ce qui pourrait interférer avec ce que vous souhaitez transmettre comme message ? Ou des vitesses plus lentes pour garder un minimum de mouvement qui donnera cette impression de vie dans votre photo ? Bref, c’est vous qui décidez, c’est VOTRE intention !

Une fois que vous savez ce qui vous attire le plus et que vous avez une idée précise des images que vous voulez réaliser, vous serez plus à même de réussir et d’obtenir les photos que vous avez imaginé. Bien sûr, comme beaucoup de choses, la pratique reste nécessaire pour évoluer et réussir à exprimer votre message et qu’il soit compris comme vous l’avez pensé.

Alors, cette notion d’intention photographique, ça vous parle ? L’utilisiez-vous déjà ? Si non, pensez-vous que ça puisse faire évoluer votre pratique et la qualité de vos images ? Dites-moi ce que vous en pensez en laissant un commentaire ci-dessous pour expliquer votre point de vue.

Au plaisir de vous lire…

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Mais est-ce que vous savez que vous pouvez créer vous-même vos Bokeh ? Si ce n’est pas le cas, pas de souci… c’est ce dont je vais vous parler dans cet article. Je vais même vous expliquer comment et vous montrer quelques exemples que j’ai réalisé.

Qu’est-ce que c’est le Bokeh

Le mot Bokeh est un terme emprunter au japonais, qui signifie « flou ». Ce mot désigne les zones de flou formées à l’arrière-plan d’une image. Pour obtenir de jolis Bokeh, les photos doivent être réalisées à de grandes ouvertures, telles que f/2.8, f/1.8 ou plus grandes encore. Dès lors que l’arrière-plan est exclu de la zone de netteté (ou de mise au point), le flou d’arrière-plan se verra d’avantage. Observez de près des photos prises à grande ouverture, donc qui ont une très faible profondeur de champ et vous remarquerez des petites formes géométriques floues dans l’arrière-plan. C’est ce flou artistique que nous appelons Bokeh.

Le flou d’arrière-plan représente la forme des lamelles du diaphragme de l’objectif que vous utilisez. Selon le nombre de lamelles de celui-ci, vous obtiendrez des pentagones, hexagones ou octogones. Si vous prenez un objectif à miroir, le résultat sera un Bokeh en anneaux à cause de la structure circulaire du miroir de l’objectif. Il est de coutume pour certains photographes de chercher à obtenir le « meilleur » Bokeh, le plus doux,… C’est d’ailleurs la raison pour laquelle certains objectifs utilisés pour le portrait ont des lamelles quasiment circulaires.

Fabriquez vos propres filtres pour Bokeh

Comme je vous l’ai expliqué plus haut dans l’article, le Bokeh est lié à la forme du diaphragme. Et si on lui donnait une forme sympa et originale ! Je vous le confirme… il est possible de choisir la forme que prendront les sources de lumières visibles dans l’arrière-plan. On pourra obtenir un beau flou artistique. Pour ce faire, nous allons simuler un diaphragme à l’aide d’un morceau de carton noir dans lequel nous ferons une découpe de la forme de notre choix. Nous le placerons alors comme un filtre sur notre objectif. De quoi bien s’amuser et stimuler notre créativité.

1. Le matériel nécessaire

Pour réaliser ce genre de « filtre », il vous faut un petit peu de matériel. Rassurez-vous rien d’extraordinaire. Donc, munissez-vous de :

• votre appareil photo numérique
• un objectif à grande ouverture (f/2.8, f/1.8, f/1.4 ou f/1.2)
• une feuille de carton noir
• un compas (ou un filtre du bon diamètre)
• un crayon noir
• une paire de ciseaux
• un cutter
• un morceau de scotch

2. La fabrication

Des « filtres » de ce type sont vraiment simples à réaliser. Cela se résume à un disque de carton noir dans lequel on découpe la forme désirée. Les meilleurs résultats sont obtenus avec des objectifs pouvant ouvrir à f/1.8 ou plus. Choisissez votre objectif, prenez note du diamètre du filtre qui est en général indiqué sur l’objectif.

Utilisez un compas pour tracer un cercle de ce diamètre sur le carton noir. Ou si vous avez un filtre, utilisez le côté qui se fixe sur l’objectif pour tracer ce cercle. Cette deuxième méthode est un peu moins précise mais fonctionne très bien également.

Découpez le cercle et dessinez la forme que vous souhaitez au centre du cercle (idéalement). Pour la taille de la découpe, faites en sorte que ça soit petit, 1 cm maximum pour que ça fasse son effet. Attention, autre conseil, les formes pleines se prêtent mieux à cette technique. Cœur, étoile,… sont des formes qui fonctionnent très bien comme vous pouvez le voir dans les images d’exemples de cet article. Vous pouvez alors découper votre forme à l’aide d’un cutter (ou utiliser une perforatrice). Ajoutez une petite languette de scotch sur le bord du disque afin de pouvoir le récupérer lorsque vous aurez terminé.

Voilà, votre filtre Bokeh est enfin prêt ! Glissez-le sur la partie avant de votre objectif, dans le filet prévu à cet effet. Vous n’avez plus qu’à le tester et vous amuser .

3. L’utilisation

Une fois que votre filtre Bokeh est réalisé et installé, il reste à faire les bon réglages sur votre appareil. Réglez l’ouverture sur la plus petite valeur selon votre objectif, f/2.8, f/1.8 ou plus. Plus l’ouverture du diaphragme est grande, mieux c’est. C’est de cette manière que vous aurez le plus d’effet sur vos photos.

Ensuite vérifiez que vous avez des sources de lumière ou points lumineux dans votre arrière-plan (dans la partie floue). Choisissez votre sujet et pour réduire la profondeur de champ le plus possible, favorisez les gros plans en étant proche de votre sujet. En effet, en réduisant la distance par rapport au sujet vous réduisez la zone de netteté, ce qui a pour effet d’accentuer la zone floue et donc de magnifier le Bokeh.

Mes astuces

Après m’être essayé à cette technique et avoir testé le cœur, l’étoile et la note de musique faits maison, j’ai eu envie d’aller plus loin et je me suis dit qu’il y avait moyen de trouver des formes toutes faites. J’ai donc pensé aux perforatrices de décoration que l’on trouve dans tout bon magasin de déco, type creacorner. La main, la colombe, la patte de chat,… sont de chouettes alternatives.

Plus tard, j’ai découvert qu’il existait des kits pour Bokeh. Et là, NO LIMIT ! De nombreuses formes et idées en tous genres. Je vous mets le lien (cliquez sur l’image ci-dessous) vers un kit Bokeh pour les objectifs dont le filtre a un diamètre de 52mm comme le Nikon 50mm f/1.8D que j’utilise pour cela.

Conclusion

Si vous souhaitez créer des images originales et uniques facilement, une bonne façon de faire est de vous essayer au flou artistique en réalisant vos propres Bokeh. Une technique simple prête en quelques coups de ciseaux.

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Après trois semaines à le voir posé sur mon bureau, je me suis décidé à ouvrir ce livre. Et qu’est-ce que je suis content de l’avoir fait ! En effet, j’y ai trouvé beaucoup d’informations, de bonnes recommandations et de vraies astuces. J’ai surtout réalisé que je pouvais me faire confiance en tant que photographe, que j’avais mon propre style et que j’étais dans le bon avec ma pratique.

Le contenu

Je trouve que ce livre est très bien écrit. De bonnes explications, claires et appuyées par des images. Il est divisé en huit parties qui sont disposées dans un ordre logique et pratique pour la compréhension et l’assimilation, comme suit :

1. Le Lifestyle c’est quoi au juste ? Dans ce chapitre, il décrit sa vision, son style et présente les photographes qui l’inspirent.
2. La base du Lifestyle, la confiance Cette partie couvre l’importance d’instaurer la confiance et de s’intéresser aux gens, comme à des amis.
3. Le matériel, privilégier la simplicité Ah le matériel ! Ici, Baptiste explique pourquoi il favorise les focales fixes et les modes de vues semi-automatiques.
4. L’émotion avant tout Ici, place au pourquoi de l’émotion et comment s’y prendre pour la capter et la capturer.
5. Créer un moment et favoriser les interactions L’importance d’être un guide et de créer des interactions entre les modèles.
6. Cadrage et Composition Petit résumé bien ficelé des règles de composition, suivi des raisons pour lesquelles il faut les oublier afin de développer son style.
7. La lumière avec un grand L ! Un des chapitres les plus utiles pour le débutant photographe qui cherche à comprendre la lumière et savoir comment la gérer au mieux.
8. Le post-traitement Et pour finir, Baptiste n’a pas oublié de considérer la partie développement des images pour peaufiner le travail de prise de vues.

Plus concrètement

Comme vous le voyez, le livre commence par une présentation de la photo Lifestyle, suivie par ce qui fait la base de cette pratique. Viennent ensuite les conseils sur le matériel à utiliser. Ce qui fait ce type de photos est avant tout l’émotion qui s’en dégage. Pour y arriver, il faut parvenir à créer des moments privilégiés centrés sur l’interaction des sujets. C’est ce que Baptiste nous explique dans le quatrième et le cinquième chapitres. Les deux chapitres suivants parle des éléments qui font qu’une photo fonctionne mieux : le cadrage et la composition mais surtout la composante essentielle, la lumière. Enfin, et pour finir, le dernier chapitre parle du post-traitement, une partie indispensable en photographie numérique.

Pourquoi ce livre

Je vous recommande grandement ce livre pour plusieurs raisons. La première raison est que comme son nom l’indique Baptiste nous donne tous ses trucs et astuces. Que ce soit sur le plan du matériel, de la technique et même de sa gestion des modèles, du plus petit au plus grand. Ensuite, toutes ses explications sont illustrées par ses photos, ce qui permet de se faire une meilleure idée et de bien comprendre le message.

Ce que ce livre m’a apporté

Lorsque l’on achète (ou que l’on reçoit) un livre, on souhaite avant tout qu’il nous apporte quelque chose. Souvent, si c’est un roman, il doit simplement nous apporter du plaisir ou de l’évasion. Quand c’est un bouquin qui parle d’un art ou d’une pratique particulière, comme la photographie, on attend qu’il nous fasse avancer dans cette pratique. Personnellement, je lis énormément de livres sur la photographie. Et beaucoup des livres que j’ai découvert ces derniers mois étaient plutôt répétitifs.  Je n’ai pas du tout eu cette impression avec le livre les secrets de la photo Lifestyle. Au contraire, il m’a apporté un autre regard sur cette pratique. Par ailleurs, étant basé sur l’expérience d’un photographe dont le travail se concentre sur le Lifestyle, j’ai aimé voir comment il s’y prend avec des images à l’appui. C’est rassurant de pouvoir se faire une idée du résultat et ça inspire.

Le petit plus

Suite à ma lecture du livre de Baptiste Dulac et au fait que j’ai beaucoup apprécié, j’ai décidé de lui laisser un message pour le féliciter et le remercier pour son livre. Il m’a répondu dans la journée avec quelques encouragements. Comme je l’avais ressenti en lisant ses lignes, il semble être quelqu’un de très humain, humble et abordable. Si j’en ai l’occasion dans le futur, je suivrai l’un ou l’autre de ses workshops.

Se le procurer

Si vous souhaitez lire cet excellent bouquin, dans lequel Baptiste livre tous ses secrets et conseils pour réaliser des photos naturelles et réussies dans le cadre de séances famille ou couple, ou toutes autres d’ailleurs, je vous mets le lien vers la page pour le commander sur Amazon (pas de différence de prix pour l’acheteur).

Et vous, l’avez-vous lu ? Qu’en avez-vous pensé ? Le recommanderiez-vous ? Dites-nous tout en commentaires ci-dessous.

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C’était en 2011 qu’à été diffusée sur la chaîne Arte cette émission en cinq épisodes sur le thème de la photographie. Comme pour la Star Académie à une autre époque ou The Voice plus récemment, le concept de cette émission était de permettre à six jeunes talents d’être coachés pendant une semaine par un grand nom de la photo. Il s’agissait ici d’un photographe qui a souvent fait parlé de lui lors des campagnes publicitaires choc de Benetton, Monsieur Oliviero Toscani. Chaque jour les élèves avaient un défi à relever, le travail était ensuite analysé et commenté pour leur permettre d’apprendre et d’évoluer vers le métier de photographe.

Qui est Toscani

« Aucun détail n’est petit »

Oliviero Toscani est un photographe italien, né en 1942. Il est connu (et reconnu) pour ses photos « choc » ayant servi à différentes campagnes publicitaires de la marque de vêtement Benetton dans les années 90.

Vous devez regarder cette émission

Si vous en avez l’occasion, je vous recommande cette émission. Pas pour le côté téléréalité mais tout simplement parce qu’il y a de nombreuses astuces et la vision de Toscani est parfois percutante. Je pense que la photographie ne se limite pas au fait de posséder un appareil performant, maîtriser une technique ou avoir un œil artistique.

Il y a bien plus, comme amener sa touche personnelle, exprimer sa propre vision du monde. Il me semble que chaque photographe pourra y trouver des éléments intéressants, qui le feront avancer et se remettre en question dans sa pratique de la photographie, quel que soit son niveau.

De mon côté, j’y ai trouvé quelques pépites et réflexions personnelles que je détaillerai plus loin. J’ai entre autre pris quelques coups de pieds aux fesses concernant ma recherche d’identité photographique ou le fait de se faire confiance, de suivre son ressenti et surtout d’oser. Mais je vous explique tout cela plus bas dans l’article.

Pour vous donner une idée, à la question Peut-on tout photographier ? Oliviero Toscani répond : « Voir, ça dérange… c’est d’ailleurs là que le photographe devient intéressant ». Mais aussi « c’est la condition humaine » et « La vie, la mort, l’amour, les grandes questions de l’existence » pour appuyer son idée que le but final de l’art, c’est la condition humaine.

Déroulement

Chaque jour, les participants ont reçu des instructions pour un nouveau challenge. Après une courte discussion et quelques conseils de Oliviero Toscani, ils devaient réaliser une série de photos en un temps assez court. Si les résultats étaient atteints, celles-ci étaient publiées. Je vous mets les liens vers les vidéos à la fin de l’article si vous souhaitez voir ces 5 épisodes de 40 minutes.

1. Le nu

« Ce sont les idiots qui disent que le beau est beau »

Après un rapide tour de table des portfolios de chacun des participants, Oliviero Toscani leur a concocté une première épreuve plutôt conséquente sans expérience : une séance portrait de nu. Le but était de voir de quoi ils étaient capables avec peu de matériel et temps. D’après Toscani, le nu fait partie de la condition humaine, il appartient à tout le monde. Il existe une infinité de façons de regarder, voir un corps humain. Une première épreuve intéressante.

2. Le reportage

« Tout portrait est un auto-portrait« 

Dans le deuxième épisode, les jeunes talents doivent réaliser une reportage photo pour le grand magazine allemand « View ». Ils tirent au sort un professionnel pour lequel ils doivent représenter le métier en images. Toscani mentionne entre autre August Sanders, un photographe de portrait des années 20 pour montrer le fait de refléter sa personnalité à travers ses images. Et chacun des participants ont effectivement leur touche personnelle.

3. Le portrait de mode

« En art, il n’y a pas de démocratie »

Le troisième jour est dédié à la photo de mode. Un couturier, des modèles et un lieu pour représenter « la Parisienne » pour l’affiche du magazine d’Arte. Dans cet épisode on voit également Peter Knapp, grand photographe de mode et directeur artistique du magazine Elle dans les années 60, qui a aidé Toscani à ses débuts. Pour ces deux photographes, il faut imposer son style sans faire de concessions, on ne peut pas plaire à tout le monde. Le photographe a une marge de manœuvre totale, il peut choisir le mannequin, la pose et le décors.

4. La publicité

« Un artiste qui ne choque pas, n’est pas un artiste »

La quatrième épreuve se concentre sur la photographie de publicité, la spécialité de Toscani. Il pose d’ailleurs une grande question dans cet épisode : Quelle est la différence entre la photo de pub, de reportage, de mode,… ? Je vous laisse aller découvrir sa réponse dans la vidéo . Il présente la campagne sur l’anorexie qu’il avait réalisé dans le but de faire passer un message clair : la maigreur n’a rien de glamour contrairement à ce que laissent croire certains magazines féminins.

Pour leur part, les jeunes photographes devront réaliser une série de photos pour une campagne de prévention pour aider les familles d’ados malades psychiquement. Une fois encore, il y a des leçons à tirer de leurs travaux.

5. Une série de photo sur le thème « la beauté »

« Une photo artistique est une photo qui ne sert à rien »

Pour leur dernière mission, les jeunes talents devront réaliser une série de photos sur le thème de la beauté. Ces photos seront exposées dans une galerie d’art parisienne. Le message que Toscani veut à nouveau faire passer lors de cette dernière journée est que toute photo reflète la personnalité du photographe. La première chose est savoir ce qu’est la beauté pour soi et de la représenter en images.

« La beauté peut émerger de choses douloureuses ou difficiles à regarder » c’est ce qu’il appelle la condition humaine. Ce sont des photos qui sont belles et esthétiques mais qui racontent quelque chose. Il termine cette partie par la conclusion que la beauté ça se respire, ça se flaire, elle est partout autour de nous. Un photo est une composition de lignes et volumes qui sont mis ensemble pour faire une image.

Ce que cette émission m’a apporté

Je n’était pas particulièrement attiré par le travail de Toscani à la base. Mais le découvrir plus intimement à travers de cette émission, m’a totalement fait changer d’avis sur lui et sur son travail. C’est quelqu’un d’humain et de généreux. Il a une vision de l’image qui est très professionnelle et il est d’une sensibilité énorme.

Par ailleurs, il y a un grand nombre de petits éléments pratiques et techniques donnés au compte goute tout au long des épisodes. Pour moi, cela permet à tout un chacun qui regarde cette série de prendre les choses dont il a besoin pour avancer et faire évoluer sa pratique et sa vision. Mais le mieux est de s’en rendre compte par soi-même.

J’ai aussi beaucoup aimé la réflexion de Toscani sur le fait d’être soi-même. C’est la seule grande valeur de chacun dit-il. En étant soi-même, on est sûr qu’il n’y a personne comme nous, vu que chacun est unique. Il ajoute qu’il est plus intéressant de voir quelqu’un qui est lui-même plutôt que quelqu’un qui est une bonne copie de quelqu’un d’autre.

Les vidéos

Si comme moi, vous n’avez pas eu la chance de voir cette émission et que ça vous intéresse, je vous propose de voir chacun des 5 épisodes sur Viméo via les liens suivants.

1. Photo For Life – Épisode 1
2. Photo For Life – Épisode 2
3. Photo For Life – Épisode 3
4. Photo For Life – Épisode 4
5. Photo For Life – Épisode 5

Quelques phrases pertinentes du « maître »

« Tout art qui était important a fait scandale »

« Le seul but final de l’art, c’est la condition humaine »

« On écoute le marketing et on fait exactement le contraire »

« La photographie… clac une image et on a tout dit »

« Tu dois faire les photos que tu sens que tu dois faire, tu es responsable de ce que tu fais »

« As-tu vraiment quelque chose à dire ? »

« La caméra n’est pas une machine à traduire les choses »

« Chaque détail d’une photo, un visage, une main,… doit être voulu et calculé »

« Il faut du courage, faire ce que les gens ne veulent pas, c’est ça le sang du photographe.
Tel Che Guevara pendant la révolution »

« Pour raconter une histoire en tant que photographe il faut plus,
il faut raconter une histoire qui est différente des autres histoires »

« Quand on peut regarder avec les yeux, ça signifie qu’on peut photographier, pas besoin d’autres lumières »

« Pas besoin de psy pour savoir qui vous êtes. Regardez la photo d’identité de votre passeport »

« Ce que vous n’aimez pas là dedans c’est justement ce que vous êtes »

Pour conclure, vous l’aurez compris, dans cet article je n’ai pas simplement fait un résumé de cette série télévisée. C’est avant tout un partage de ressenti sur les éléments qui m’ont touchés et fait réagir. Comme je le dit souvent, la photo, c’est un art et la pratique de tout art est en constante évolution. Mais cette évolution n’est pas que technique ou artistique, elle est aussi émotionnelle et personnelle.

J’espère que cet article un peu particulier vous aura plût et qu’il vous aura pousser dans vos retranchements comme je l’ai vécu en regardant l’émission Photo for Life.

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