Il y a des photographes qui capturent l’instant, et d’autres qui capturent l’âme. Sebastião Salgado fait partie de ces rares artistes capables de transcender la réalité pour en révéler l’humanité profonde. C’est ce qui ressort de son travail dans les mines d’or de Serra Pelada, au cœur des famines africaines ou encore dans les forêts vierges de l’Amazonie. À travers son objectif, il n’a cessé de témoigner, avec force et dignité, de la condition humaine et de la beauté brute du monde. Plus qu’un photographe, Salgado est un conteur visuel, un témoin engagé, un passeur de mémoire… que nous n’oublierons pas.

Cet article vous plonge dans son œuvre, sa vision, et son engagement, à la croisée de l’art et de l’humanisme qui le caractérise.

Qui est Sebastião Salgado ?

Imaginez un jeune garçon né en 1944 au cœur du Brésil, dans l’état du Minas Gerais, entouré de forêts, de terres rouges et de plaines infinies. Ce garçon s’appelle Sebastião Salgado. À la base, rien ne le prédestinait à devenir photographe. Il commence à étudier l’économie à l’Université Fédérale de Minas Gerais dans les années 1960. C’est là qu’il obtient son diplôme avant de partir poursuivre ses études à Paris, où il a obtenu un doctorat en économie à l’Université Paris XIII.

Pendant ses années d’étude, il commence à découvrir le monde à travers des voyages. Il voyage notamment en Afrique pour des missions avec la Banque mondiale… mais quelque chose ne colle pas. Le monde qu’il observe lui semble trop distant, trop froid. Un jour, dans les années 70, il emprunte l’appareil photo de sa femme Lélia. Et là, c’est la révélation. Ce n’est pas avec des chiffres qu’il veut raconter l’histoire du monde, mais bien avec la lumière, des visages, des gestes.

Il décide de tout abandonner pour se lancer dans la photographie. Il débute en collaborant avec des agences prestigieuses comme Sygma, Gamma, puis Magnum Photos, aux côtés des plus grands. Son style, en noir et blanc intense, capte l’âme humaine avec une force bouleversante : les mineurs, les réfugiés, les paysans… tous trouvent une dignité nouvelle sous son regard.

En 1994, avec Lélia, il fonde sa propre agence, Amazonas Images, pour garder le contrôle total sur ses projets et leur diffusion. Ensemble, ils bâtissent une œuvre unique, sensible et engagée. Car chez les Salgado, la photographie est plus qu’un art : c’est un acte d’amour, de mémoire et de résistance.

Témoin des souffrances du monde

Sebastião Salgado a consacré une grande partie de sa carrière à documenter les souffrances humaines à travers des crises majeures. Dont les famines dévastatrices du Sahel, le génocide Rwandais, et les exodes dramatiques un peu partout en Afrique et en ex-Yougoslavie. À travers ses photographies, il offre un témoignage visuel saisissant. Pas seulement de la violence et de la misère, mais aussi de la résilience humaine face à l’adversité. Pour Salgado, la photographie n’est pas seulement un moyen d’informer, mais avant tout un acte politique et éthique.

Chaque image, prise dans des conditions souvent extrêmes, devient un appel à la conscience collective. C’est aussi une dénonciation des injustices et un moyen de sensibiliser le monde. Il explore la brutalité de ces événements tout en mettant en lumière la dignité des individus et des communautés prises dans la tourmente. En observant ses clichés, on ne peut que réfléchir sur la nature de la violence et de la souffrance humaine. Cela tout en étant témoins du courage et de la force des êtres humains pour surmonter ces épreuves. Les photographies de Salgado nous rappellent que, malgré la cruauté du monde, il existe toujours une lumière qui réside dans la capacité de l’humanité à résister, à espérer et à se relever.

Une œuvre au service de l’humain

L’esthétique en noir et blanc : une signature visuelle

Avec son traitement noir et blanc très contrastés, Sebastião Salgado a acquis une véritable signature visuelle qui joue un rôle fondamental dans la puissance de ses photographies. Ce choix n’est pas anodin : il permet de transcender la réalité, de la purifier, d’en révéler l’essence. Les noir et blanc de Salgado amplifient fortement les contrastes, accentuent les textures et plongent le spectateur dans une émotion brute et universelle.

Cette signature visuelle repose sur une maîtrise parfaite de la lumière et de l’ombre. Salgado a un sens aigu du contraste, qu’il utilise pour accentuer la dimension dramatique de ses sujets. Les ombres profondes et les lumières frappantes soulignent la dureté de la condition humaine. Tout en révélant la beauté cachée dans des situations souvent de grande précarité. Chaque image semble sculptée, presque comme une peinture, avec une grande profondeur qui semble tout droit sortie d’un autre temps.

Approche humaniste et composition

Sa capacité à capturer des expressions humaines, des gestes, et des moments intenses dans une lumière dure, lui permet de créer des images qui parlent au cœur. Pour Salgado, le noir et blanc est un outil qui l’aide à rendre l’intemporalité de ses sujets : l’humanité, la souffrance, la dignité. Ses photographies sont sans âge, réellement intemporelles, comme des témoignages universels d’un monde en constante évolution.

Sa technique est également marquée par des compositions réfléchies et un cadrage précis. Il aime la simplicité dans la scène, avec des formes géométriques qui apportent de la rigueur et de l’harmonie à ses portraits ou ses paysages.

Ses plus grandes séries documentaires

« Workers » (ou « La Main De L’Homme », sur les travailleurs du monde entier)

La série Workers est l’une de ses œuvres les plus marquantes et poignantes. Publiée en 1993, elle rassemble une série de portraits de travailleurs du monde entier, capturant leur quotidien, leur lutte, et parfois leur dignité dans des conditions de travail extrêmement difficiles. Salgado a photographié des mineurs, des pêcheurs, des agriculteurs, des ouvriers dans des usines, des bâtisseurs de routes, et bien d’autres. Tous unis par leur statut de travailleurs, souvent dans des conditions précaires.

« Exodes » (représentant les migrations, les déplacés, les réfugiés, les nomades)

Exode est également une de ses séries emblématiques, publiée en 2000. Ce projet capture les souffrances et les luttes des réfugiés à travers le monde. Avec cette série, Salgado nous plonge dans l’univers des déplacements massifs de populations, qu’il s’agisse de réfugiés fuyant les guerres, les persécutions, ou les catastrophes naturelles. Ses photographies montrent des scènes poignantes de camps de réfugiés, de familles déracinées, et de trajets pénibles. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience humaine face à l’adversité. Exode est un appel à la compassion, une réflexion sur les enjeux humanitaires contemporains, et un témoignage bouleversant des vies brisées par des événements mondiaux. Tout en offrant une vision poétique de l’espoir et de la solidarité qui naît dans la souffrance.

« Genesis » (une ode à la planète, à la nature sauvage et intacte)

Genesis est un projet monumental de Sebastião Salgado, lancé en 2004, qui représente un retour aux racines de la nature et de l’humanité. Cette série se distingue des autres travaux de Salgado par son approche plus optimiste et respectueuse de l’environnement. À travers Genesis, Salgado a exploré des régions du monde encore préservées des perturbations humaines. Telles que les forêts vierges de l’Amazonie, les paysages glaciaires de l’Antarctique, ou les terres isolées du Sahara. Son objectif était de capturer la beauté brute et la diversité de la planète. Tout en soulignant la nécessité de la préserver face à la dégradation écologique croissante. Genesis est une réflexion sur la grandeur de la Terre, un hommage à sa beauté primitive. Mais c’est aussi un appel à la responsabilité collective pour la sauvegarde de ces espaces précieux.

Une partie de son œuvre

La meilleure manière de découvrir un photographe, c’est de regarder et analyser ses images. Alors, comme je le fais en général lorsque je présente un photographe inspirant, je vous propose une série de photos. Bien sûr, celles-ci ne sont qu’une très petite partie de l’immense œuvre de Salgado.

Photos issues de sa série « Workers »

Sélection de photos issues de sa série « Exodes »

Photos issues de sa série « Genesis »

Un tournant : la beauté comme réparation

Après avoir photographié tant de souffrances humaines et naturelles, Sebastião Salgado frôle le burn-out émotionnel. Accablé par l’intensité des crises qu’il a couvertes, il cherche un refuge et retourne sur les terres de son enfance au Brésil. Là, il découvre, avec horreur, que la déforestation a dévasté les forêts qui l’avaient marqué dans sa jeunesse. Ce choc l’amène à entreprendre, avec sa femme Lélia, un projet de reforestation ambitieux. Ils plantent des millions d’arbres, redonnant vie à un écosystème en péril. Cette initiative donne naissance à l’Instituto Terra, une organisation dédiée à la restauration de la biodiversité et à la protection de l’environnement.

Parallèlement, Salgado lance la série Genesis, que j’ai mentionné plus haut et qui est un hommage à la beauté de la planète et aux peuples indigènes qui en sont les gardiens. À travers ses images, il capture la majesté des paysages vierges et la richesse des cultures ancestrales. Tout en offrant un message d’espoir et de préservation, contrastant avec la brutalité des souffrances qu’il a documentées auparavant. Genesis devient ainsi non seulement un hommage à la Terre, mais aussi un appel à l’action pour protéger ce qui reste de sa beauté sauvage.

L’impact et l’héritage de Salgado

Si vous avez lu jusqu’ici, vous l’avez compris… Sebastião Salgado est bien plus qu’un photographe de renom. C’est un militant écologiste et humaniste profondément engagé. Son travail, qui s’étend au-delà des frontières de la photographie, a inspiré des générations de photojournalistes. Ceux-ci voient en lui un modèle d’intégrité et de passion pour les causes humaines et environnementales. Ses images ont été des témoins essentiels de l’histoire, de la souffrance et de la beauté du monde. Tout en portant un message de solidarité et de préservation.

Salgado a été récompensé par de prestigieuses distinctions internationales, dont le Prix Prince des Asturies et plusieurs honneurs de l’UNESCO, qui soulignent l’impact de son œuvre. En 2014, le film documentaire Le Sel de la Terre, filmé par son fils Juliano Ribeiro Salgado et réalisé par Wim Wenders, retrace son parcours exceptionnel. Il donne au grand public un aperçu intime de la vie et de l’engagement de ce photographe hors du commun. Ce film est un hommage visuel et humain à son travail.

Pourquoi il faut encore regarder les images de Salgado aujourd’hui ?

Il est essentiel de continuer à regarder les images de Sebastião Salgado aujourd’hui. Elles sont intemporelles et puissantes, bien au-delà de leur époque. Dans un monde saturé d’images numériques, où le côté éphémère et la superficialité dominent, ses photographies nous rappellent la force d’un regard lent et profond, capable de capter l’essence humaine et naturelle.

Chaque image de Salgado parle à notre conscience collective, nous confrontant à la réalité des souffrances humaines et des défis environnementaux. Tout en mettant en lumière la dignité et la résilience. Ses photographies ne se contentent pas de documenter. Elles appellent à l’action, à la compassion et à la prise de responsabilité. Elles nous poussent à réfléchir sur notre impact sur le monde. Et à agir pour préserver ce qui reste de notre planète et de son humanité. Les images de Salgado sont un héritage visuel qui nous engage à ne pas détourner le regard.

Ses plus beaux livres

« Workers – La Main de l’Homme »

« Exodes »

« Genesis »

Nous voilà arrivés au bout de cet article, j’espère vous avoir fait découvrir Sebastião Salgado. Ou au moins un ou l’autre aspect de sa vie ou de son œuvre. Bien sûr cet article n’a pas pour but de transmettre entièrement qui était Sebastião Salgado. Mais plutôt d’ouvrir une porte… D’un côté, savoir qui il était si vous ne le connaissiez pas. Et de l’autre, vous donner envie de creuser un peu plus son travail, son œuvre et qui sait son histoire et sa personnalité.

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Le photographe dont je vais vous parler dans cet article est particulièrement inspirant. Il est en effet le précurseur de pas mal d’aspects de la photographie. Dont l’utilisation de la couleur et la représentation du mouvement grâce aux vitesses d’obturation plus lentes… Mais sa vision des choses et son histoire sont également très intéressantes à découvrir. Le photographe inspirant que je vous présente aujourd’hui, c’est Ernst Haas.

Biographie

Ernst Haas est né le 2 mars 1921 à Vienne, en Autriche, dans une famille d’origine juive. Son père, Frederic Haas, était un avocat de haut rang, ce qui a permis à la famille de jouir d’un certain confort et statut social avant l’annexion de l’Autriche par l’Allemagne nazie en 1938. Cette période a marqué un tournant dramatique dans la vie de la famille, avec l’application des lois raciales nazies qui ont interdit à son père de pratiquer le droit et ont progressivement détruit la sécurité financière et sociale de sa famille.

Éducation

Il envisage initialement des études de médecine, mais les restrictions imposées par les lois nazies sur l’éducation des Juifs ont limité ses options. Il doit abandonner ses études secondaires suite à l’annexion de l’Autriche. C’est pendant cette période difficile qu’il commence à s’intéresser à la peinture, puis à la photographie, des domaines qui ne nécessitent pas de diplôme universitaire, qui sont hors de portée pour lui à cette époque. Il apprend la photographie de manière autodidacte, en lisant des livres, en visitant des expositions. Et en expérimentant avec un appareil photo Voigtländer que lui a donné son père.

Carrière et débuts professionnels

Après la Seconde Guerre mondiale, il se lance dans le photojournalisme. La photographie devient un moyen pour lui de documenter et de traiter les horreurs de la guerre et ses conséquences sur son pays natal. Ses premiers travaux représentent la vie dans la Vienne d’après-guerre et le retour des prisonniers de guerre. Ceux-ci sont remarqués par des magazines locaux et internationaux en 1947. Ce qui lui ouvre la voie à une carrière professionnelle. Et c’est en 1949, Robert Capa l’invite à rejoindre l’agence Magnum Photos, ce qui l’amena à déménager à New York en 1950.

Œuvre et style

L’innovation en couleur et techniques

Ernst Haas est l’un des premiers photographes à avoir pleinement exploré et exploité les possibilités de la photographie couleur. Cela à une époque où la majorité des photographes professionnels privilégiait encore le noir et blanc pour sa valeur artistique et documentaire. Il a vu dans la couleur un moyen d’exprimer plus vivement les émotions et de capter l’essence du temps et de l’espace de manière plus réaliste et dynamique.

Il choisit méticuleusement ses palettes de couleurs pour renforcer l’ambiance d’une scène. Haas joue souvent avec des contrastes chauds et froids pour créer une dynamique visuelle ou pour guider l’œil du spectateur à travers l’image. Un autre aspect intéressant est qu’il exploite la lumière naturelle pour améliorer les teintes et les ombres dans ses compositions. Par exemple, il utilise souvent le lever ou le coucher du soleil pour obtenir des couleurs plus chaudes, plus douces et plus nuancées.

Approche thématique

Ernst Haas ne se limite pas à un seul genre photographique. Son œuvre couvre une vaste gamme de sujets, incluant des portraits, des paysages, des scènes de rue et des compositions abstraites. Il excelle dans la capture de paysages, transformant des scènes naturelles en œuvres d’art avec des compositions réfléchies. À cela s’ajoute un usage expert de la couleur pour capturer des moments de transformation, comme le changement des saisons ou des conditions météorologiques.

La majeure partie de son œuvre est composée de photographies de grandes villes. Dont certaines pour lesquelles il a reçu de nombreux prix, dont Paris et Venise mais surtout New-York. Dans ses photographies urbaines, il capture souvent le mouvement et la vie de la ville avec une sensibilité qui transcende la simple documentation. Ses images de New York, par exemple, montrent une ville vibrante et perpétuellement en mouvement. Il utilise entre autres des techniques comme le flou de mouvement pour créer un sentiment de dynamisme.

Techniques photographiques

Pour moi, Ernst Haas est un maître du flou de mouvement qu’il utilise pour transmettre le mouvement et la sensation du temps qui passe. Cette technique, qu’il maîtrise, est particulièrement évidente dans ses photographies de sports ou de véhicules en mouvement. Photos où le flou donne une impression de vitesse et d’énergie.

Il emploie des compositions innovantes, souvent en optant pour des angles inhabituels. Ou en incorporant des éléments graphiques forts comme des lignes, des formes et des motifs répétitifs. Ces choix ne servent pas seulement à guider l’œil mais aussi à interpréter le sujet de manière plus abstraite ou émotionnelle.

Inspirations & Influences

Cinéma

Ernst Haas a été profondément influencé par le cinéma. En particulier par les courants du néo-réalisme italien et les œuvres de réalisateurs tels que Federico Fellini et Luchino Visconti. Ces films, connus pour leur approche réaliste et souvent poétique de la vie quotidienne, l’ont inspiré à adopter une approche similaire dans ses photographies. Il cherchait à capturer des moments de vie réels avec une touche de lyrisme visuel. Utilisant la couleur et la composition pour raconter des histoires et évoquer des émotions.

Peinture

La peinture a également joué un rôle crucial dans le développement de son style. Il admirait les impressionnistes pour leur utilisation de la couleur et de la lumière. Ce qui a influencé sa propre façon de voir et de représenter le monde. Les œuvres de peintres comme Claude Monet et Vincent van Gogh l’ont aidé à comprendre comment la couleur pouvait être utilisée pour transmettre non seulement la réalité visuelle, mais aussi les ambiances et les émotions.

Influences photographiques

Le fait de rejoindre l’agence Magnum a été déterminant dans sa carrière. Cette coopérative, fondée par des photographes de renom tels que Robert Capa et Henri Cartier-Bresson, a été un environnement stimulant qui valorisait la liberté créative et l’innovation. L’approche documentaire humaniste de Cartier-Bresson a particulièrement influencé Haas. Bien qu’il ait choisi de se distancer du style strictement noir et blanc et documentaire de Cartier-Bresson pour explorer plus avant les possibilités de la couleur.

Les collaborations avec d’autres photographes et artistes ont également nourri sa créativité. Haas a travaillé avec de nombreux autres membres de Magnum sur divers projets et missions. Ce qui lui a permis de développer une approche plus nuancée et diversifiée de la photographie. Ces interactions l’ont aidé à élargir sa perspective artistique et à expérimenter avec de nouvelles techniques et approches.

Sélection de photos

L’œuvre de Ernst Haas, comme celle de nombreux photographes de son calibre, est composée d’une quantité astronomique de bonnes photos. Mais certaines ont plus de sens et d’intérêt pour moi. Ce sont celles-là que je vais partager ici. Sachant que vous pouvez en trouvez beaucoup d’autres ici ou là, dans ses livres ou sur d’autres sites.

Mouvement

Venise

New York

Divers

Conclusion

La vie d’Ernst Haas a été marquée par des défis significatifs dès son plus jeune âge, avec l’avènement du nazisme qui a bouleversé sa famille et ses aspirations initiales. Son parcours vers la photographie, bien que non conventionnel et largement autodidacte, illustre sa résilience et sa capacité à transformer l’adversité en opportunité artistique. Il a non seulement survécu à une époque de profondes perturbations, mais il a également prospéré, laissant une marque indélébile dans le monde de la photographie. Son histoire personnelle ajoute une profondeur émotive à son œuvre, reflétant souvent une quête de beauté et de signification dans les vestiges du chaos et de la destruction.

Il a été un pionnier qui a non seulement embrassé la photographie couleur à une époque où elle était souvent reléguée à des fins commerciales, mais l’a aussi élevée au rang d’art. Ses techniques et son approche thématique ont enrichi la palette narrative de la photographie, faisant de lui une figure incontournable dans l’histoire de ce médium. Le travail d’Ernst Haas a eu un impact profond sur le monde de la photographie, prouvant que la couleur peut porter une charge émotionnelle et artistique comparable, voire supérieure, à celle du noir et blanc. Ses images restent étudiées et admirées pour leur audace technique et leur profonde beauté.

Ernst Haas a toujours exprimé sa volonté d’utiliser la photo comme un langage universel. Même si son œuvre en noir et blanc a été éclipsée par ses recherches sur la photographie couleur dont il fut l’un des précurseurs. Son travail a connu un immense succès et dans les années 60 et 70, il est devenu un modèle et une référence pour la communauté des photographes amateurs d’aujourd’hui.

Avis & Recommandation

J’espère que cet article vous a inspiré, que vous l’avez trouvé intéressant et qu’il vous a donné envie d’en savoir plus sur ce photographe inspirant. Et si cet article ne vous suffit pas et que vous souhaitez en savoir plus sur Ernst Haas ou découvrir plus de photos de son oeuvre, je vous conseille ses livres photo « New York in Color » ou encore « The American West« 

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J’apprécie bien évidemment ses photos reconnaissables entre mille mais aussi et surtout son côté humain et sa volonté de montrer ce qui se passe ailleurs que sous nos fenêtres. Je vous laisse le découvrir.

Biographie

Alex Webb est un photographe américain né le 5 mai 1952 à San Francisco. Il est reconnu comme l’un des maîtres de la photographie couleur. Son travail photographique est unique et évocateur, que ce soit en tant que photojournaliste ou en tant que photographe de rue. Une œuvre qui l’a élevé au rang d’icône de la photographie contemporaine. Au cours de ses nombreux voyages à travers le monde, il a su capturer des scènes de la vie quotidienne dans des compositions riches en détails et en couleurs. Des images qui nous révèlent à sa manière la complexité et la beauté du monde qui nous entoure.

Photographe engagé

A ses débuts, Alex Webb a rapidement été attiré par la diversité culturelle du monde. Il a commencé à explorer cette diversité à travers ses voyages, mettant en avant les pays et certaines parties du monde en transition ou touchés par des événements socio-politiques. Son travail s’est doucement fait remarquer au début des années 1970, alors qu’il voyageait à travers les États-Unis pour documenter la vie quotidienne dans les régions touchées par des mouvements sociaux tels que le mouvement des droits civiques. Ces premiers travaux ont jeté les bases de sa carrière de photographe engagé.

Couleurs vibrantes et éclatantes

Il est célèbre pour ses photographies couleur intenses et riches en nuances. Alex Webb utilise la couleur de manière audacieuse, c’est d’ailleurs l’une des caractéristiques les plus distinctives de son travail. Il a été l’un des premiers photographes à exploiter pleinement le potentiel expressif de la photographie couleur. En utilisant des pellicules positives et négatives pour capturer des images riches en nuances et en contrastes, créant ainsi des compositions dynamiques et saisissantes. La plupart de ses photographies révèlent l’émotion et la vie même dans les moments les plus banals grâce à leurs couleurs intenses.

Compositions riches et complexes

Ses images se distinguent également par leurs compositions complexes et intrigantes. Il a un talent pour combiner des éléments visuels variés et créer des images multicouches qui attirent l’attention du spectateur. Des lignes, des motifs et des textures s’entrelacent dans ses photographies, créant des compositions visuellement stimulantes et captivantes. Il excelle à trouver l’équilibre entre le chaos et l’harmonie, rendant ainsi chaque image à la fois visuellement saisissante et émotionnellement engageante.

Grand voyageur et explorateur

Alex Webb est un véritable photographe explorateur. Tout au long de sa carrière, il a parcouru le monde pour capturer des instants significatifs. Il est allé dans des endroits tels que le Mexique, les Caraïbes, l’Afrique, l’Inde, l’Europe et bien d’autres. Ses photographies reflètent une curiosité profonde pour les cultures et les sociétés qu’il a rencontrées lors de ses voyages. Il est particulièrement connu pour son travail au Mexique, où il a passé de nombreuses années à documenter la vie quotidienne de ce pays riche en couleurs et en traditions.

Collaborations

En plus de ses travaux en solo, il a beaucoup collaboré avec sa femme, la photographe Rebecca Norris Webb. Leurs visions artistiques complémentaires se sont mélangées dans des livres et des projets communs, créant ainsi une symbiose unique entre leurs photographies. Parmi ces livres, « Violet Isle: A Duet of Photographs from Cuba » et « Slant Rhymes« . Ils ont tous les deux reçu de bons retours pour leur capacité à raconter des histoires poétiques à travers des images. En plus de son travail de photographe, il est également co-fondateur de Magnum In Motion, une plateforme multimédia créée pour explorer de nouvelles façons de raconter des histoires à travers la photographie.

Récompenses

Au fil des années, Alex Webb a reçu de nombreuses récompenses et distinctions pour son travail remarquable. Il a notamment reçu une bourse de la Fondation Guggenheim et une bourse de la Fondation Nationale pour les Arts. Aujourd’hui, ses photographies sont exposées dans des galeries et des musées prestigieux du monde entier. Elles inspirent de nombreux photographes et amoureux de l’art visuel. Alex Webb a également publié de nombreux livres photo, dont certains en collaboration avec sa femme, comme je l’ai mentionné plus haut.

Ses photos

Voici quelques unes de ses meilleures images

Conclusion

Alex Webb est un photographe talentueux et visionnaire dont le travail a captivé le monde avec des images éclatantes et captivantes. Ses photographies, empreintes de couleurs vibrantes et de compositions complexes, reflètent sa passion pour l’exploration du monde et des cultures qui l’habitent. Son héritage artistique perdurera à travers ses œuvres, qui continueront d’inspirer et d’émerveiller les générations futures de photographes et d’amoureux de l’art visuel.

Si vous aimez découvrir les grands photographes et leur travail photographique, n’hésitez pas à jeter un œil sur mon compte Pinterest, vous y trouverez une sélection de photographes d’hier et d’aujourd’hui et quelques unes de leurs photos. Bien que ça ne remplace pas un bon livre photo d’auteur, ça peut vous donner des pistes. Et vous quel est votre photographe préféré ? Dites-le moi en commentaire ci-dessous…

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Et vous allez vite comprendre qu’au-delà de connaître la législation et le matériel nécessaire, la pratique de la photo de rue demande un certain état d’esprit et pas mal de courage…

Comment gérer la peur

« Il faut avoir une obsession, être déterminé et avoir des couilles. 
Faites ce que vous avez à faire avant qu’il ne soit trop tard. »

Martin Parr                

Martin Parr n’est pas n’importe quel photographe et même s’il n’est pas nécessairement celui que j’admire le plus, je trouve que sa vision est intéressante et son message pertinent. Nous avons un rôle à jouer en tant que photographe de manière générale. Il est de notre devoir de témoigner de notre époque et pour cela, nous devons capturer les moments, les lieux, les habitudes à travers nos images. Le problème que j’entends le plus et que j’ai rencontré aussi avant de m’y mettre, c’est la peur.

En effet, la peur est le blocage le plus courant en photographie de rue. La peur la plus courante est la peut de la réaction des personnes photographiées. Rassurez-vous, c’est humain et tout le monde passe par là. La bonne nouvelle, c’est que ça peut se travailler et évoluer. Bien sûr, on ne peut pas être invisible et l’appareil n’est pas silencieux. Pour être honnête, il n’y vraiment pas de solution miracle, il faut juste se lancer et prendre confiance.

Comment s’y prendre

Selon votre personnalité, il y a deux méthodes pour aborder la photo de rue et affronter sa peur :

• La discrétion, tel un détective, soyez toujours prêt à courir (très) vite. Bien évidemment, si vous êtes discret et que vous faites en sorte de ne pas être pris sur le fait, vous n’aurez pas besoin de courir.
• Le contact visuel, associé à un sourire au moment de déclencher. Certains préfèrent toujours garder le contact, montrer qu’il ont pris une photo et faire passer ça avec sympathie.

La pire attitude est d’être mal à l’aise, maladroit et anxieux… Surtout, quoi qu’il arrive, ne vous sentez pas coupable ou si c’est possible tentez de la cacher. Si ça se voit et que la personne comprend que vous n’êtes pas sûr de vous, que vous donnez l’impression d’avoir fait quelque chose de mal, vous êtes grillé et bonjour les soucis et les discussions pour vous justifier.

Les atouts du photographe de rue

« La photographie de rue c’est 80% de culot et 20% de talent. »

Eric Kim

Vous l’avez compris, il faut prendre son courage à deux mains et gagner en confiance pour se sentir plus à l’aise et réussir ses photos de rue. Bien sûr, même si beaucoup de photographes de rue mettent en avant cet aspect, il n’y a pas que ça ! Il y a de nombreux autres atouts à avoir et à développer en street photography. Voyons plutôt.

Observateur

Tout passe par le regard en photographie de rue, il faut voir les choses avant de pouvoir les photographier. Toujours être à l’affût pour voir ce qui se passe et anticiper ce qui va se passer. Observer l’environnement et les scènes potentielles, puis composer de manière virtuelle avant de déclencher.

Patient

Les évènements apparaissent là où on les attend le moins et il est difficile de savoir où et surtout quand quelque chose va se passer. Le photographe de rue erre en observant et en espérant une situation qui lui donne envie de déclencher. Même lorsqu’il a trouvé le bon endroit, il doit attendre le bon moment. Et oui, la patience est bel et bien une vertu… qui se vérifie avec la photo de rue.

Discret

Un des principes de la street photography est de ne pas interférer avec les évènements et les personnes de la scène. L’idéal est de capturer ce qui se passe tel que ça se passe, comme un témoin des instants éphémères. Il faut donc se fondre dans le décor, photographier sans qu’on s’en aperçoive. Si le photographe est déniché, les choses peuvent ne pas se passer naturellement, ce qui nuira au véritable but de la photo de rue.

Culoté

Comme le dit Eric Kim un peu plus haut, le culot est une grande part de la réussite d’une photo de rue. Il n’y a pas que les portraits spontanés et pris sur le vif, cependant c’est ce qu’il y a de plus fort (en photo de rue). Les possibilités de trouver des personnages intéressants sont nombreuses mais le plus difficile est de les capturer. Le culot ou disons plutôt le courage permet d’y arriver.

Obsessionnel

L’obsession est une condition nécessaire à cette pratique. La photo de rue s’apprend mais l’apprentissage peut durer toute une vie. Seule l’obsession permet de garder la motivation sur le long terme pour atteindre le succès « personnel ». Alors pratiquez dès que possible et si vraiment vous aimez ça, faites-en une priorité.

Techniques d’approche

Il existe des techniques pour réussir ses photos de rue mais il existe surtout des approches de la photo de rue. Celles-ci sont multiples et souvent très différentes d’un photographe à l’autre. Bien sûr, rien de tel que d’expérimenter et créer ou développer la vôtre (ou les vôtres). Cherchez et surtout trouvez ce que vous souhaitez montrer du monde et de tout ce qui vous entoure.

La magie de certains instants décisifs dans les scènes « banales » du quotidien. Ou plutôt, des ambiances ou des atmosphères provoquant une certaine émotion dans des lieux communs (publics).  Ensuite, voyez comment vous voulez les exprimer à travers vos images. C’est en pratiquant et en développant votre propre regard que vous trouverez vos sujets de prédilection et votre propre style. En général, la meilleure technique est de se fondre dans le décor, y aller en douceur et avec discrétion.

Quelques excuses

Comme je le disais plus haut, le mieux pour éviter le pire est d’être toujours prêt à répondre quelque chose sans se sentir coupable. Normalement, vous ne faites rien de mal, vos intentions sont bonnes et votre but est de documenter ou illustrer la vie et les habitudes de notre époque dans les espaces publiques. Donc, vous ne devriez rien n’avoir à vous reprocher lorsque vous prenez une photo de rue. Pour éviter toute discussion stérile et stressante avec une personne potentiellement agressive, répondez simplement et calmement et passez à autre chose.

Les excuses de Thomas Leuthard

Je suis tombé sur un excellent ebook de Thomas Leuthard dans lequel il propose une liste d’excuses. De quoi répondre aux éventuelles personnes qui vous abordent (ou vous agressent). Certaines sont judicieuses et logiques, d’autres sont humoristiques voir provocatrices. Il y en a pour tous les goûts mais surtout choisissez ce qui vous correspond.

• « J’étais en train de prendre ce bâtiment derrière et vous êtes passé devant l’appareil… ! »
• « Je suis un touriste et je prends des souvenirs de la vie dans la ville »
• « Je teste mon nouvel appareil photo… »
• « Je participe à un concours sur la photo de rue… »
• « J’aime beaucoup vos yeux magnifiques… »
• « Votre visage est intéressant… »
• « J’adore votre style… »
• « Vous ressemblez à ma grand-mère… »
• « Je suis un dénicheur de talent. Voulez-vous être célèbre ? »
• « Je suis un photographe (célèbre) et je cherche des nouveaux modèles… »
• « J’ai cru que vous étiez une célébrité… »
• « J’ai pris votre photo, maintenant vous me devez 10 € … »
• « Ne me regardez pas comme ça, ce n’est pas moi qui ai pris la photo… »
• « Mon appareil est bloqué, il se déclenche tout seul… »
• « Certains se droguent ; je fais des portraits sur le vif d’inconnus… »
• « Vous allez passer à la télé demain… »
• « Nous faisons un film, merci de vous écarter… »
• « Je vais vendre votre portrait au profit d’une œuvre caritative pour enseigner la photographie à des enfants handicapés… »
• « Un jour vous serez fier que je vous aie pris(e) en photo… »
• « Non, je ne peux pas supprimer la photo, elle est sur pellicule…

Et plein autres dans son livre…

Pour conclure sur la street photography

Pour en finir avec les conseils sur la photo de rue et quel que soient votre intérêt pour la street photography ou les peurs que vous pouvez éprouver, essayez ! Sortez, expérimentez et faites-vous votre propre impression. Il y a autant de méthodes et de manière de procéder qu’il y a de photographes de rue. Certaines idées peuvent vous aider ou vous donner des pistes mais rien ne remplacera le terrain et l’adaptation.

Sur ce, je vous souhaite de belles aventures en photographie de rue et je vous dis à bientôt pour d’autres articles et partages photo.

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Comme je le fais en général, je commence avec un petite présentation de l’homme. Avant d’enchaîner sur son œuvre et une sélection des photos qui me parlent le plus. Allez c’est parti .

Biographie

Luigi Ghirri (1943-1992) était un photographe italien. Géomètre de formation, il a commencé à prendre des photos au début des années 70. Il a produit les premières photos couleur de paysage et d’architecture dans le milieu de l’art conceptuel. Les photographies de Ghirri sont présentées comme étant dans une impasse, un esprit souvent ironique et considérant toujours une forme d’équilibre entre les gens et leur environnement. Il travaillait en séries, photographiant parcs, plages et scènes urbaines de son Italie d’origine. Et produisant des tirages de tailles modestes mais réalisés de manière méticuleuse.

La couleur

Son utilisation de la couleur a été saluée pour sa capacité à exprimer «à la fois la prescience et la nostalgie» dans son encapsulation distincte de la première vague de photographie couleur. La curiosité de Ghirri avec l’utilisation de l’échelle et l’illusion a souvent donné à ses images une atmosphère de rêve. Francesco Zanot, grand critique de photographie a écrit à son sujet : « Il modifie la perception que nous avons du monde sans proposer un seul chemin à suivre. Il nous fournit plutôt les outils dont nous avons besoin pour trouver celui que nous recherchons« .

Carrière et réussite

Il a passé toute sa carrière dans la région d’Emilia-Romagna en Italie, où il a produit l’un des projets photographiques les plus ouverts et stratifiés de l’histoire. Bien qu’il ait exposé abondamment au cours de sa vie et qu’il était à l’apogée de sa production à sa mort en 1992, ce n’est qu’après sa mort prématurée que sa véritable réussite a commencé à être appréciée.

En 2008, la Fondation Aperture a produit le premier livre sur Ghirri en anglais. Et en 2010, Thomas Demand a organisé l’exposition acclamée « La Carte d’Après Nature » autour des photographies de Ghirri. Son travail a été présenté à la Biennale de Venise 2011. Et en 2012 l’exposition « Luigi Ghirri – Project Prints » s’est tenue au Castello di Rivoli à Turin. La plus grande exposition de l’œuvre de Ghirri a ouvert ses portes en avril 2013 au musée MAXXI de Rome. Les photographies de Ghirri ont été exposées à la Biennale de Venise en 2013.

Son travail

Essentiellement intéressé par l’analyse de l’environnement, et de ses multiples articulations (naturelles, humaines, urbaines), ses travaux sont structurés de manière ouverte, évoluant constamment du fait de leurs liens et imbrications.  Il se focalise sur les rapports entre l’homme et son environnement. Pas au sens strictement sociologique, mais surtout comme une recherche identitaire dans une réalité souvent tragiquement absurde. Dans ses cruels et brutaux faux-semblants et succédanés qui apparaissent dans le présent, mais qui n’oublient pas le passé.

C’est ainsi qu’il alimente différentes séries dont celles ci-dessous.

– Paysages de carton (Paesaggi di cartone)

L’image mythe, archétype d’aujourd’hui, et la fascination substitutive pour une réalité qui a délégué à la représentation d’elle-même la manière de se faire connaître à l’homme.

– Déjeuner sur l’herbe (Collazione sull’erba)

Le paysage naturel à la périphérie de la ville, revisité de manière ironique et anxiogène, mais profondément participative, dans laquelle il est possible de lire l’écho d’une relation qui n’est plus renouvelable.

– ∞ (infinito)

En 1975, il développe une série sur le ciel, ciel qu’il photographie durant 365 jours, une année entière. Certaines images produites sont visibles dans le livre Kodachrome.

– Expositions

Après avoir exposé une première fois en 1973 à Modène, il exposera un peu partout dans le monde, Milan, Paris, Rome, Tokyo, New York de manière individuelle ou collective. Son œuvre continue d’être exposée plusieurs années après sa mort.

Il crée en 1977 à Modène sa propre maison d’édition « Punto e Virgola« . Elle prétend documenter les travaux d’auteurs singuliers, les recherches, les études, les perspectives les plus diverses, tant sur le plan formel que thématique, produites aujourd’hui par la photographie. Son intention est de pourvoir une documentation, de manière à créer les imbrications uniques nécessaires à élaboration d’un cadre général utile à la compréhension du rôle dévolu de la photographie à notre époque.

Sa vision

Son travail naît de la nécessité et du désir d’interpréter et de traduire le signe et le sens de cette somme de hiéroglyphes. En ce sens, non seulement la réalité facilement identifiable lourdement symbolique, mais aussi la pensée, la mémoire, l’imagination, le contenu fantastique ou étrange. La photographie est extrêmement importante pour l’objectif qu’il s’est fixé, du fait de caractéristiques particulières qu’il tente d’expliquer ici (ci-dessous).

– L’espace autour du cadre

L’effacement de l’espace autour de la partie encadrée est pour lui aussi importante que la partie représenté et la photographie assume un sens devenant mesurable du fait même de cet effacement. Dans le même temps, l’image continue dans le visible de cet effacement. Et nous invite à voir le reste du réel non représenté. Ce double aspect de représentation et d’effacement ne tente non seulement pas d’évoquer l’absence de limites, excluant toute idée de complétude ou de finitude, mais il indique quelque chose qui ne peut être délimité, c’est-à-dire le réel.

– Le rapport à la réalité

Il ajoute que la possibilité de voir et de pénétrer l’univers de la réalité passe au contraire par toutes les représentations et les modèles culturels connus. Et qui nous sont donnés comme définitifs et décisif, et notre rapport à la réalité et à la vie est la même que celui de l’image du satellite à la Terre elle-même. La photographie, dans son indétermination, devient ainsi un moyen privilégié pour parvenir à s’extraire de la symbolique des représentations définies. Et à laquelle est attribué une valeur de vérité.

– Le non délimitable

Il dit également que la possibilité d’analyse dans le temps et dans l’espace des signes formant la réalité, dont la totalité nous a toujours échappé, autorise alors la photographie, grâce à son caractère fragmentaire, à être plus proche du non délimitable, c’est-à-dire l’existence physique. C’est pour cela que les images et les moments décisifs, l’étude ou l’analyse de leur langage comme une fin en soi, l’esthétique, le concept ou l’idée totale, l’émotion du poète, la citation éclairée, la recherche d’un nouveau credo esthétique, l’usage d’un style, ne l’intéressent pas.

– Toutes les fonctions possibles

Son engagement est de voir avec clarté, c’est pourquoi il s’intéresse à toutes les fonctions possibles. Sans en écarter aucune, mais en les assumant d’une manière totale pour être en mesure, tour à tour, de voir et de rendre reconnaissable les hiéroglyphes rencontrés.

Ses clichés

Il est toujours difficile de sélectionner un nombre limité de photos d’un grand photographe. J’ai donc choisi une dizaine d’images qui me plaisent et qui, à mon sens, représentent bien son travail ou plutôt une partie de son œuvre. Quelques-unes de ces photos sont prises en bord de mer, d’autres mettent en évidence des jeux de miroirs. Toutes sont graphiques ou d’une étonnante simplicité. Je vous laisse découvrir ces quelques images.

Si vous voulez voir plus de photos de Luigi Ghirri, je vous renvoie vers ma galerie Pinterest dédiée au photographe qui propose une autre partie de son travail.

Son livre Kodachrome

Je me suis basé sur son excellent livre imagé Kodachrome (1978) pour vous présenter au mieux Luigi Ghirri dans cet article. Ce livre résume bien le personnage, sa vie et une grosse partie de son œuvre. Il comprend un texte de l’artiste concernant à la fois le médium et sa variété de sources d’inspiration: « Le sens que j’essaie de donner à travers mon travail est une vérification de la façon dont il est encore possible de désirer et de faire face à un chemin de connaissance, pour pouvoir enfin distinguer l’identité précise de l’homme, de l’image de l’homme, des choses et de la vie.« 

J’espère que cet article vous a plu et vous a donné envie de découvrir ce photographe. N’hésitez pas à me dire si vous appréciez ce genre d’article inspiration.

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Cette semaine, je partage avec vous les 7 aptitudes qui, à mon sens, peuvent vous permettre d’évoluer plus vite, ou disons plus efficacement, dans votre cheminement photographique. Certaines sont logiques ou simples à mettre en action, d’autres peuvent sembler insurmontables. C’est du cas par cas. Mais je vous assure qu’elles sont toutes réalisables et qu’elles vous apporteront indéniablement quelque chose. Que ce soit à court ou à long terme. Voyons donc ces aptitudes du photographe qui évolue.

1. Il pratique le plus souvent possible

Il n’y a pas de secret, l’apprentissage, l’évolution, c’est avant tout de la pratique. Plus vous pratiquerez, plus vous serez à l’aise et plus vous serez à même d’anticiper, de prévoir et de capturer ce que vous voulez, comme vous le voulez. En pratiquant, vous faites des erreurs et inévitablement, vous les corrigez au fil du temps et par conséquent, vous ne pouvez que devenir meilleur. C’est de cette manière qu’on évolue aussi en photographie. Vous expérimentez, et c’est cela qui vous fait évoluer.

En pratiquant régulièrement, vous développer votre regard, vos réflexes et vous devenez de plus en plus habile dans votre manière de faire de la photo. N’hésitez donc jamais à prendre votre appareil avec vous, où que vous alliez. Même si au final vous ne faites que deux ou trois photos…si si . Même si vous ne ramenez pas LA photo la première fois, persévérez !!! Toute occasion est bonne à prendre. Parce qu’une chose est sûre, si vous n’avez pas votre appareil ou que vous ne l’utilisez jamais, vous ne risquez pas de faire une bonne photo.

2. Il apprend et se forme continuellement

Sortir prendre des photos est excellent et indispensable pour évoluer mais ça ne suffit pas ! Il faut également découvrir de nouvelles choses, d’autres techniques. Là aussi, comme dans de nombreux autres domaines, il faut se former tout au long de sa vie ou de sa pratique tout au moins. J’aime me rappeler régulièrement la maxime de Socrate : « Tout ce que je sais c’est que je ne sais pas… ». Ça me rend curieux et ça booste mon envie d’apprendre, avec le temps, j’évolue. Dès lors que vous êtes conscient que vous ne savez pas tout, vous développez une envie de savoir plus, de découvrir, d’apprendre, d’essayer, tout le temps.

Les technologies évoluent continuellement, les techniques aussi. Sans parler des styles et des modes. Alors, surtout ne lésinez pas sur la formation. En lisant et en suivant des cours ou des ateliers le plus régulièrement possible. Ce peut être en programmant un cours chaque année (au minimum), par exemple. Avec internet, il aussi est possible de trouver toutes sortes de contenus pertinents qui peuvent vous aider à développer vos connaissances et votre expérience dans votre domaine de prédilection.

3. Il développe et édite ses photos

Le photographe qui évolue aime prendre le contrôle complet de son process photographique. Développer lui-même ses photos fait donc partie de ses aptitudes. Cela lui permet de corriger les éventuels défauts mais aussi d’y apporter sa touche personnelle. En gros, il peut sublimer son travail. Bien sûr, le monde ne s’est pas fait en un jour et comme pour la prise de vues, le post-traitement demande une période de prise en main et d’adaptation. La pratique, la répétition et l’auto-analyse de son travail lui permet d’évoluer vers son style personnel.

L’étape de l’editing est indispensable pour tout photographe qui souhaite évoluer. Nous faisons tous de bonnes et de moins bonnes photos. Être honnête avec soi-même et objectif permet de se limiter uniquement aux (très) bonnes photos. Soyez strictes dans votre sélection, ne gardez et ne publiez que celles-là. Ce sont ces photos qui représenteront votre travail. Une fois encore, cette démarche évolue avec le temps et l’expérience. Donc, soyez tolérant avec vous-mêmes au début.

4. Il expérimente de nouvelles choses

Vous venez de découvrir une nouvelle technique à travers un article ou en suivant un photographe que vous aimez ? Super ! Et pourquoi ne pas expérimenter et tenter de la reproduire. Essayez et adaptez votre pratique. En pratiquant quelque chose de nouveau, vous trouverez peut-être une nouvelle manière de faire vos photos. Progressivement, votre pratique évolue en intégrant cette nouvelle technique.

De même, le nouveau matériel ne cesse de fleurir d’année en année. Un nouvel objectif, le dernier modèle d’appareil. Ne restez pas figé dans ce que vous connaissez. Un ami ou un membre de votre club s’est acheté du matériel que vous ne connaissez pas. Profitez-en, posez-lui des questions et s’il est d’accord, demandez-lui pour essayer. Toute découverte élargira votre vision de la photographie et par conséquent votre pratique.

5. Il lit sur la photographie

Lisez… toujours ! Il y a régulièrement de nouveaux livres qui sortent et qui parlent de toutes sortes de sujets liés à la photographie. Attention, je ne dis pas d’acheter tous les livres qui paraissent. Renseignez-vous avant d’acheter. Mais n’arrêtez jamais d’ouvrir des livres, des magazines sur le thème. Ou simplement des articles de blog sur internet.

Pensez également aux livres d’auteurs. Les grands photographes publient des livres photos sur des sujets divers et variés pour montrer leur travail. C’est l’occasion de les découvrir, de voir ce qu’ils font et comment ils le font. On se sent parfois perdu lorsque l’on pratique la photographie seul. Mais en lisant et en découvrant le travail ou les conseils des autres, on grandit.

6. Il partage avec les autres

Partager votre travail n’a jamais été aussi simple qu’aujourd’hui. Que ce soit sur les divers médias sociaux ou sur les sites dédiés au partages de photos tels que Flickr, 500px ou même simplement Google Photo. N’hésitez pas à demander des avis sur votre travail. C’est une excellente façon d’avoir un retour et de pouvoir ajuster votre objectif. Ne prenez pas tout pour argent comptant. Tout le monde n’a pas la capacité de juger objectivement. Et puis, il y a toujours des personnes qui critiqueront pour critiquer. Alors, restez détaché.

Quoi que vous fassiez, quel que soit votre style ou votre niveau, partagez ! Vous aurez probablement des commentaires, voir des conseils. Cependant, ne le faites pas uniquement pour recevoir des like et surtout n’espérez pas plaire à tout le monde. Faites-le pour vous, pour votre évolution et pour montrer ce que vous faites au monde entier.

7. Il s’inspire des grands

J’entends et je lis souvent des photographes qui disent manquer d’inspiration. Je vais donc terminer cette série d’aptitudes par celle qui pour moi peut redonner des pistes d’inspirations : regarder ce que font les autres et surtout ce qu’ont fait les grands photographes de l’histoire. Il y a des choses à prendre et à apprendre chez la plupart d’entre eux. Quand je dis « grands » photographes ce n’est pas seulement les plus connus ou ceux qui sont morts et ont laissé leur trace.

Il y a énormément d’expositions, de vidéos, d’albums photo permettant de découvrir les œuvres de tellement de photographes que vous n’auriez pas le temps d’une vie pour tous les découvrir. Là encore, je n’ai pas dit que tout était bon ou que tout valait le coup. Mais, c’est à vous de chercher et de trouver ce qui vous plaît, vous parle, vous inspire… et continuer à prendre des photos et à créer votre univers à partir de tout cela.

Conclusion

Comme nous l’avons vu, avec quelques aptitudes et un peu de pratique, vous pouvez faire un bon en avant dans votre pratique. Vous êtes tous un photographe qui évolue potentiel, vous pouvez tous gagner en connaissance et en expérience. Pas besoin de mettre ces 7 aptitudes en action en même temps, commencez avec celle qui vous semble la plus abordable pour vous et lancez-vous…

Et vous, quelle aptitude développez vous régulièrement pour faire évoluer votre pratique de la photographie ? Dites-le moi en commentaires, plus bas sous cet article.

Cet article vous a plu ? Il peut aider un ami ou un proche à faire de meilleures photos, alors partagez-le autour de vous sans modération

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Bon, je vais arrêter de parler de moi et en venir au sujet de cet article, un bon livre photo ! Parmi les nombreux livres que j’ai lu ces derniers mois, il y en a un qui m’a particulièrement interpellé. Positivement bien sûr ! Ce livre n’est pas juste un livre sur la photographie, il a le don de nous mettre face à la réalité et à la façon dont nous, les êtres humains, nous fonctionnons. Et ce sont ces aspects qui nous permettent de comprendre comment composer une bonne photo, ce qui fonctionne et pourquoi. Alors, je vous le dis, ce livre photo c’est POURQUOI J’AIME CETTE PHOTO – LA SCIENCE DE LA PERCEPTION de Brian Dilg. Pour moi, c’est le livre qu’il faut avoir lu en 2019 si vous voulez faire évoluer votre vision photographique.

Présentation

Le livre « Pourquoi j’aime cette photo » est divisé en trois grandes parties et une conclusion suivie de références incontournables. Je vous en fait une petite présentation sans vous dévoiler tout ce qu’il contient… mais je peux vous dire que c’est plus que constructif pour une évolution de votre pratique et de votre vision photographiques.

1. Voir

Dans la première partie du livre « Pourquoi j’aime cette photo », l’auteur explique en détail notre vision humaine, le fonctionnement de notre cerveau et la façon que nous avons de prendre des raccourcis, le chemin de la facilité en nous référant à ce que l’on connaît déjà plutôt que de chercher le nouveau et l’inattendu. Il compare aussi longuement cette vision humaine à celle de l’appareil photo qui est tellement plus limitée mais pas limitative.

Les angles, le cadrage, la dynamique sont entre autres des éléments très différents que le photographe doit apprivoiser pour réussir à faire passer son message à travers ses images. Les plans, la profondeur de champ et les vitesses sont d’autres aspects qui permettent de nous exprimer de manière unique à propos d’un même sujet. Par exemple, prenez 10 photographes, mettez les au même endroit et vous pourrez vous rendre compte à quel point ils sont uniques. Chacun apportera sa vison et son approche personnelle. Certains sujets de ce livre photo sont également appuyés par des interviews d’experts et de nombreuses photos.

2. Attirer le regard

La deuxième partie du livre « Pourquoi j’aime cette photo » aborde les éléments liés à la composition et ce qui fait qu’une photo aura un plus grand intérêt visuel. Tous ces principes peuvent guider le lecteur, attirer volontairement son regard et l’aider à voir le sens de l’image. L’auteur nous explique le placement du sujet dans le cadre, sa taille, l’échelle avec des cas concrets et des exemples. Mais également, la mise au point, les lignes qu’elles soient réelles ou implicites et bien d’autres. On y apprend que la notion de couleurs et la répétitions de motifs sont des composantes auxquelles notre cerveau répond naturellement pour ne pas dire instinctivement. Pouvoir créer des photos dans lesquelles il y a la surprise ou un effet de retardement est un atout majeur à la réussite d’une bonne image. C’est ce que tout bon photographe doit pouvoir faire. Et tout ce que ce livre vous fait découvrir.

3. Penser

Enfin la troisième partie du livre « Pourquoi j’aime cette photo » regorge de photos décodées. L’auteur y développe de façon détaillée les sensations ou les instincts que nous avons face à certaines photos plus viscérales. Ou même la puissance de l’omission du sujet dans certaines autres images. Et surtout ce que nous devons tous faire lorsque nous photographions, réussir à représenter un monde en 3 dimensions à partir de nos images en 2 dimensions. Bref cette partie d’exemples plus inspirants les uns que les autres ! Vous êtes à un virage de votre pratique photographique ? Vous souhaitez découvrir une autre facette de la discipline… tout en ayant les cartes en main pour améliorer considérablement vos prises de vue ? Alors ce livre est fait pour vous.

4. Pour finir…

Il y a une petite dernière partie qui regroupe les remerciements et les crédits photos bien évidemment mais aussi une page de références pour aller plus loin. Celle-ci compte une liste de très bons livres qui vous permettrons d’approfondir l’une ou l’autre notion abordées dans le livre. Et pour finir en beauté, une très belle conclusion que j’aime beaucoup : Tout le monde s’améliore avec de la pratique. Il n’y a pas de raccourcis

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Si vous aimez les avis sur les livres photo, n’hésitez pas à me le faire savoir ou à lire les mes autres articles sur le sujet. Et vous, connaissez-vous ce livre ? L’avez-vous aimé ou pas et pourquoi ? Donnez-moi votre avis en commentaire ci-dessous.

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Parfois ce qui nous freine dans notre évolution, et en rapport avec un ou plusieurs points mentionnés cet article, et plus particulièrement dans notre évolution photographique. Souvent, ce n’est pas le manque de connaissances ou le besoin de nouveau matériel, mais simplement de ne plus évoluer en tant que personne. Avant d’essayer d’améliorer votre pratique avec un nouvel appareil ou d’autres objectifs, essayer d’abord de développer certains aspects de votre personnalité. Une fois que vous aurez évolué en tant que personne, vous ferez un bien meilleur usage de ce nouvel appareil et de tous ses accessoires ! Que vous soyez amateur ou professionnel, voici 20 aspects de la personnalité à développer pour vous aider à grandir en tant que photographe. Imaginez si les adultes grandissaient au même rythme que les tout-petits. Un jour, ils regardent les grands jouer ou faire quelque chose qu’ils ne connaissent pas. Puis, tout à coup, ils s’en rendent compte en le faisant par eux-mêmes.

1. Arrêtez d’être paresseux – accomplissez quelque chose de grand

Si vous avez toujours le sentiment persistant que vous devriez accomplir davantage, le moment est venu de le faire. Au lieu de laisser les idées à moitié concrétisées et les projets presque terminés s’accumuler, faites quelque chose de fini. C’est tellement facile d’être paresseux. Nous avons tous des moments où on a envie de traîner dans le canapé. C’est le danger. Faire de grandes choses demande du travail, mais être paresseux ne nous aide pas à atteindre nos objectifs. Vous pouvez passer des heures à faire défiler les photos prises par d’autres photographes, toujours avides de projets. Mais vous pouvez également vous améliorer. Vous pouvez vous lever du canapé pour terminer l’un de vos propres projets. Ou sortir prendre de nouvelles photos. Dans peu de temps, vous regarderez en arrière et verrez tout le travail réalisé.

2. Ne travaillez pas si dur

Peut-être que vous êtes tout le contraire de paresseux. Peut-être que vous ne pouvez pas vous arrêter de travailler. Supposons que vous dirigiez une entreprise de photographie et que vous sentiez beaucoup de culpabilité d’avoir manqué tous ces moments en famille. Vous devez arrêter de travailler un peu et faire attention aux autres choses importantes de votre vie. Lorsque vous passez plus de temps avec vos amis et votre famille ou prenez un peu de temps pour souffler, vous constaterez que votre créativité grandira et vous ferez de plus grandes choses lorsque vous retournerez au travail. Développez vos relations et vos expériences de vie et vous découvrirez une version beaucoup plus profonde de vous-même dans le travail. Réduisez vos heures de travail en éliminant les tâches qui ne sont pas essentielles à vos projets ou à votre entreprise. Les bourreaux de travail pourraient prévoir du temps dans leur semaine pour se détendre en lisant. Développez votre personnalité avec un roman passionnant ou un bon livre « comment faire ».

3. Organisez-vous

Commencez à désencombrer et simplifier votre vie. Par exemple, mettez-vous toutes vos photos sur un disque dur ou vous les laissez vivre dans le Cloud ? Vous devez organiser ces photos. Transférez toutes vos photos à un endroit sûr et trier les. Si vous êtes un photographe de projets, triez-les par année et par projet. Si vous prenez beaucoup de photos tous les jours ou toutes les semaines, je vous recommande fortement de les trier par date. Voici le système que j’utilise, il est simple et efficace.

• Toutes mes photos sont mises dans un dossier par date et nommé pour les identifier sans devoir l’ouvrir
• Tous les dossiers par date sont dans un dossier par année
• Les dossiers par année sont dans un dossier photo général « Mes Photos »

Les dossiers par date se crée avec la date à l’envers du type AnnéeMoisJour – Le nom de la série de photos permettant un classement chronologique. Lorsque vos photos sont organisées, vous pouvez commencer à les parcourir, les imprimer et les apprécier. Lorsque vos photos se trouvent au même endroit, il est facile de les sauvegarder et de savoir qu’elles sont en sécurité.

4. Embrassez un peu le chaos

Peut-être êtes-vous si ordonné dans la vie que vous ne supporterez aucun chaos. Vous êtes peut-être un photographe qui ne supporte pas les bambins ou les personnalités fortes. Vous devez sortir de votre zone de confort et embrasser un peu le chaos. Laissez les tout-petits se déchaîner un peu, peut-être remarquerez-vous d’excellents moments où vous n’exercez pas autant de contrôle. Au lieu de planifier méticuleusement chaque détail de votre vie, laissez certaines choses au hasard. Tout est une opportunité de s’améliorer. Permettez une spontanéité surprenante et voyez où cela vous mènera et les photos qui en sortiront.

5. Soyez plus sympathique

Vos manquez de filtre lorsque vous parlez aux gens ? Vous vantez-vous de ne pas vous soucier des sentiments des gens ? Êtes-vous toujours ennuyé par vos clients et ça ne vous dérange pas de le leur dire ? Je vous recommande de travailler pour être plus poli et plus agréable. Ce sera difficile, mais essayez de vous mordre la langue de temps en temps. Ne soyez pas un troll, laissant des commentaires négatifs ou trop critiques sur les sites de photographie. Lorsque vous dites des choses positives ou tout au moins constructives, vos mots peuvent aider quelqu’un à s’améliorer. Entraînez-vous à dire une chose à chaque client ou photographe de votre vie qui les aiderait à progresser. Améliorer sa personnalité est un chemin. Lorsque vous apprenez à aider les autres à grandir, vous grandissez aussi profondément.

6. Ne laissez pas les gens vous marcher dessus

Ne vous méprenez pas sur la nature de la gentillesse en laissant les gens profiter de vous. Si vous êtes un photographe professionnel, vous devez faire en sorte que les gens respectent votre talent, votre temps et vos prix. Votre travail vaut quelque chose (peut-être plus que vous ne le pensez). Bien sûr, vous avez un cœur en or. Mais réveillez-vous et voyez que laisser les gens profiter de vous ne les aide pas. Lorsque nos enfants tombent malades, nos plans sont toujours durement touchés. Mais parfois, ces jours de maladie ouvrent la porte à quelque chose de nouveau. Nous découvrons quelque chose de plus de leur personnalité ou passons la journée à lire des livres ou à écouter des histoires ensemble. Parfois, quand quelque chose ruine nos plans, il en résulte quelque chose de mieux.

7. Bénévolat

Si vous savez que la compassion est un point faible pour vous, vous devriez alors proposer vos compétences en photographie. Sortez et travaillez gratuitement en bénissant une famille ou une œuvre de bienfaisance qui serait ravie de votre offre d’aide. Vous pourriez même profiter de l’expérience ! Il y a de nombreuses occasions de réaliser et partager des photos bénévolement. Un évènement dans votre village, une compétition sportive ou simplement une réunion de famille. C’est l’occasion de pratiquer, de tester de nouvelles choses et qui sait de vous faire connaître. Il se peut même que vous receviez des compliments sur votre travail. Ce qui mènerait à améliorer vos compétences et renforcerait votre confiance en votre travail.

8. La compassion a des limites

De nombreux photographes souffrent d’épuisement professionnel dans leur secteur de la photographie. L’une des principales raisons est qu’ils facturent trop peu pour leurs services. Lorsque vous facturez trop peu, vous devez travailler trop pour gagner votre vie décemment. Alors vous vous épuisez… lentement mais sûrement. Demandez un prix juste pour vous et vos clients, pas uniquement à leur avantage. Ne vous sentez pas obligé d’accorder des réductions à tout le monde. Et n’écoutez pas ces quelques personnes qui vous diront que vos prix sont trop élevés. Équilibrez bonnes affaires et vos propres activités photographiques avec une certaine compassion pour ceux qui sont vraiment dans le besoin.

9. Apprenez à accepter le stress sans craquer

Vous trouvez-vous constamment en colère ou avez-vous envie de pleurer sous l’effet du stress ? Vous devez apprendre à accepter les choses difficiles avec plus de grâce. Cela pourrait ne pas être facile. Lorsque tout en vous veut exploser, la retenue prend le dessus. Commencez par comprendre que tout ne vaut pas la peine de paniquer, même si vous en avez envie. Souvent, vos sentiments initiaux vous disent comment agir, et céder est devenu une habitude. Lorsque vous ressentez des sentiments instables, arrêtez-vous et réfléchissez-y. Est-ce la meilleure réponse ? Éloignez-vous des situations dramatiques et attendez un instant pour réagir lorsque vous êtes en paix. Il sera alors beaucoup plus facile de gérer les critiques de vos photographies, de vos clients difficiles et de vos sujets indisciplinés.

10. Reconnaissez que parfois vos émotions vous trompent

Avez-vous envie de pleurer ou de vomir lorsque vous pensez qu’un client vous a arnaqué ou que quelqu’un dit qu’il déteste vos photos ? C’est difficile d’avoir de mauvaises nouvelles. Mais si vous pouviez recevoir cette nouvelle sans le flot d’émotions négatives accablantes ? Vous pouvez faire la paix avec ces clients plus facilement lorsque vos émotions ne partent pas dans tous les sens. Parfois, la situation est beaucoup moins grave que ce que vos émotions veulent vous laisser croire. Soyez calme avant de parler à des clients ou à des personnes qui vous énervent. Vous pouvez surmonter les émotions accablantes.

11. Sortez et rencontrez des gens

Être introverti n’est pas une mauvaise chose, mais être trop à l’écart l’est. Passer du temps seul est positif, mais détester être avec des gens n’est pas dans la nature humaine. Vous ne pouvez pas tirer le meilleur parti de la vie en restant seul. En tant que photographe, vous vous développerez lorsque vous passerez plus de temps avec les gens. Si vous êtes maladroit avec les gens, essayez de vous comporter comme un extraverti. Imaginez que vous aimez les gens. Engagez des conversations et prenez intérêt pour ceux qui vous entourent. Avant de vous en rendre compte, vous serez plus confiant et moins en retrait. Même si vous êtes un photographe de paysage ou de la vie sauvage, vous bénéficierez d’amitiés et de relations avec d’autres photographes. Cela peut vous faire évoluer très rapidement. Vous pourriez même développer votre pratique photo en incluant des personnes dans vos photos de paysages ou d’animaux sauvages.

12. La plupart des gens ne pensent pas mal

Si vous êtes toujours préoccupé par ce que les gens pensent de vous, vous devriez le savoir. Ils ne pensent pas à vous ! La plupart des gens ne pensent pas en mal à propos des autres et la plupart des gens ne passent pas beaucoup de temps à penser à vous. Résistez à toutes les pensées qui vous effraient au sujet des gens. Si vous aimez la photographie de rue, n’ayez pas peur d’approcher les gens de la rue pour un portrait. Vous serez nerveux, mais en général c’est votre imagination qui vous joue des tours. Sortez de votre zone de confort, c’est encore une fois une manière de s’améliorer.

13. Soyez plus assertif

Si vous avez trop peur pour prendre le contrôle de vos séances de portrait, vous devez développer votre confiance et être plus sûr de vous. Vous aimez peut-être attendre des moments spontanés, mais vous avez peut-être peur d’intervenir et de dire aux gens quoi faire. Les gens aiment sentir une certaine assurance. La plupart des gens ne savent pas trop ce qu’ils doivent faire et préfèrent que vous les guidiez. Commencez doucement, en leur donnant quelques conseils ou de simples instructions. Avec le temps, vous allez améliorer votre manière de procéder et ça deviendra plus naturel.

14. Ne soyez pas un maniaque du contrôle

Être assertif est une grande qualité, sauf si vous en faites trop ! Vous pouvez être si sûr de vous que vous ne laissez pas les autres être eux-mêmes. Vos clients  lors d’une séance portrait aiment savoir que vous êtes confiant et que vous allez les guider. Mais ils n’aiment pas que vous soyez trop directif, ne pas être écoutés et que leurs idées ne soient pas prises en compte. Laissez-vous surprendre par les idées de vos clients, vous verrez certaines personnes proposent de très chouettes idées.

15. Égayez !

Vous passerez par des périodes où vous ne ressentez plus la passion ou l’envie que vous aviez pour la photographie. C’est normal. Mais le meilleur moyen de sortir de cette crise est d’agir comme si la passion était toujours là. Concentrez-vous sur ce qui vous attire le plus et vous donne envie. Ne faites pas comme si votre travail de photographe était une corvée. Pratiquez la joie et avec le temps, votre état d’esprit va s’améliorer. Avec un peu de patience, la passion revient !

16. Ne sautez pas sur toutes les occasions !

Vous pouvez être trop enthousiasmé par la photographie, en sautant sur chaque opportunité qui se présente. Vous pouvez acheter tous les équipements, accepter tous les travaux et prendre en charge tous les projets. Mais s’engager dans tout peut mener à trop s’engager. Ralentissez et n’engagez que ce que vous faites de mieux ou ce que vous voulez apprendre le plus. En vous focalisant sur ce qui vous plaît le plus, vous trouverez votre spécialité et vous le ferez bien. Ce qui vous amènera à vous améliorer encore et encore.

17. Allez explorer

Vous sentez-vous tellement à l’aise et en sécurité à propos d’une pratique ou d’un domaine particulier de la photo que vous évitez toute nouvelle situation ? Si vous n’avez rien connu de nouveau depuis un moment, vous devez aller explorer. Trouvez de nouveaux paysages. Rencontrez de nouvelles personnes. Essayez une forme d’art différente. Cherchez des techniques spéciales et testez-les. Sortir de sa zone de confort amène à reconsidérer sa pratique et à la faire évoluer. La photographie est un art, vous continuerez d’évoluer aussi longtemps que vous prendrez des photos.

18. Réfléchissez sur ce que vous avez exploré

Si vous explorez et découvrez constamment de nouvelles choses, il est peut-être temps d’arrêter et de réfléchir. Qu’avez-vous découvert au travers de toute cette exploration ? Qu’apprenez-vous sur vous-même, sur les autres et sur le monde qui vous entoure ? Comment votre photographie s’est-elle améliorée durant les dernières semaines, mois, années ? Comment pourriez-vous l’améliorer encore ? Se poser et faire un bilan de temps à autre peut vous permettre de voir si vous allez dans la direction qui vous convient et peut vous permettre de vous rendre compte du chemin accompli.

19. Lisez un livre sur un photographe

Peut-être que vous savez tout sur chaque technique de photographie, mais rien sur le cœur de la photographie. Peut-être que vous en savez peu sur la partie profondément humaine de la photographie. Allez à la bibliothèque et prenez une biographie d’un photographe et lisez-là. Découvrez les expériences de vie qui ont conduit à leur travail et à leurs techniques. Vous pouvez commencer avec les photographes que j’ai présenté sur le site comme Alan Schaller, Steve McCurry, Franco Fontana, Donal Boyd, Robert Doisneau, Peter Lik ou Manolo Chrétien…

20. Donnez corps à vos idées sur une photo

Si vous aimez les idées et que vous lisez constamment, essayez de donner vie à certaines de ces idées au moyen de photos. Un sujet peut avoir une certaine importance à vos yeux. Concentrez-vous sur elle et prenez chaque opportunité pour en faire des images. Lancez-vous, elles ne peuvent que s’améliorer avec le temps et la pratique.

Tout ce que la photographie m’a déjà apporté

Après quelques années de pratique en tant que photographe amateur puis semi-professionnel, je peux dire aujourd’hui tout ce que cela m’a apporté. La connaissance technique bien évidemment que j’approfondis très souvent. Mais je veux évidemment parler de ce que j’ai appris au niveau humain, relationnel sans oublier la confiance en soi. Grâce à la photo, j’ai rencontré un grand nombre de « belles » nouvelles personnes, je me suis ouvert au monde et aux gens… mais la photographie va encore m’apporter énormément et améliorer qui je suis, je sais que je dois encore me secouer par rapport à la peur du regard des autres et celle d’aller à la rencontre d’inconnus dans la rue… du coup, la photo de rue peut être un beau challenge que j’aimerais expérimenter.

En tant que photographe, quel que soit votre niveau, vous devez rester continuellement ouvert et curieux à ce qui vous entoure. Comme le font les enfants. Vous venez de lire 20 façons de vous améliorer qui vous aideront également à vous développer en tant que photographe. Choisissez l’une de ces tâches sur lesquelles travailler au cours des prochaines semaines ou deux ou trois choses sur lesquelles vous pourrez travailler au cours de l’année. En tant que personne, vous deviendrez également un meilleur photographe.

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Face à ses photos au traitement singulier et qui dégagent une émotion sans pareil, on ne peut rester indifférent ! Donal James Boyd est un photographe américain déjà très populaire sur Instagram avec plus de 225 milles followers. Il fait surtout des photos de paysages et de nature en Islande. Mais il a également réalisé plusieurs photos de safari en Afrique. Je trouve que sa façon de présenter les choses est très intéressante et à mon sens « novatrice ». Des clichés dans un style reportage tout en ayant un côté très artistique. La meilleure façon de vous faire une idée, c’est de regarder ses photos. Je vous en présente quelques-unes plus bas dans cet article.

Biographie

La biographie que je vous propose est ma traduction de sa page A PROPOS. Les images et les légendes de Donal poussent son audience à réfléchir plus intensément à notre monde et à considérer les connections que nous partageons tous. D’ailleurs la conservation de la vie sauvage le passionne profondément . Promouvoir les projets impliqués dans la protection des écosystèmes fragiles tout autour du monde constitue une bonne partie de son travail. Donal est né et a grandi à Boston aux USA. Mais depuis 2015, il est installé dans le Sud de l’Islande. Actuellement, il réparti son temps entre le vagabondage à bord de son Land Rover Defender pour profiter des paysages Sub-Arctic de l’Islande et l’exploration d’autres régions arctiques. Il voyage également à travers l’Afrique Sub-saharienne pour contribuer aux initiatives de conservation de la région.

Au début de 2016, Donal quitte son emploi d’Ingénieur chimiste à Boston et déménage en Islande pour poursuivre sa passion de la photographie à plein-temps. Auparavant, il a pratiquer la photographie professionnellement sur le côté mais n’était pas prêt à se lancer à temps-complet jusqu’à sa première visite en Islande en 2015. Lors de ce premier voyage, Donal fût totalement subjugué par l’intensité des paysages et le climat changeant perpétuellement. Il senti un telle connexion avec la nature qu’il se senti dévoré par elle et de cette première aventure décida qu’il ne pouvait vivre ailleurs dans le monde.

Son travail (ou sa passion)

Depuis qu’il est établi en Islande, il a passé de nombreuses heures à explorer le pays dans son Land Rover avec des amis. Il se sent en vie comme jamais quand il traverse les zones rocailleuses de l’intérieur de l’île. Ses activités favorites sont les traversées de rivières à bord de son tout-terrain, l’exploration des glaciers avec son drone et manger de la soupe d’agneau. Aujourd’hui, le travail photographique de Donal a dépassé les frontières de l’Islande. Il se concentre principalement sur la vie sauvage et la conservation de la nature à travers le monde.

Donal travaille aussi en collaboration avec plusieurs compagnies Islandaises, fournissant des médias photo et vidéo utilisés sur divers  plateformes publicitaires. Il a entre autres travaillé avec Geysir Car Rental, Volcano Huts, WOW Air, DJI, Erindi Private Game Reserve, Jeep,… Une des organisations qu’il soutient est Mission Blue, qui a pour but de protéger 20% des océans d’ici 2020. A l’heure actuelle, seulement 4% d’entre eux sont protégés. Supporter ce programme aujourd’hui est plus crucial qu’il ne l’a jamais été ! Pour plus d’info sur Donal, sa façon de travailler, son matériel,… je vous recommande l’interview du site Rucksackmag (en anglais)

Ses clichés

Comme je l’ai dit plus haut, ses photos valent vraiment le détour. Vu le nombre d’images à couper le souffle qu’il a fait, j’ai choisi une sélection de vingt clichés qui me parlent et que je trouve plus représentatif de son travail. J’ai noté que lorsqu’il y a un sujet, un animal dans sa photo, en général il est plutôt centré dans l’image. On a parfois l’impression que ce sont des portraits. Comme si les animaux avaient pris la pause ou regardaient l’objectif. Ce qui revient également dans son travail, ce sont les photos aériennes de paysage, donnant l’aspect d’une peinture abstraite. Les textures uniques dessinées par les reliefs et la multitude de matières. La roche volcanique, l’eau, la glace et la végétation formant une harmonie de formes et de couleurs. Je vous laisse voir par vous-mêmes .

Si vous avez aimé l’article ainsi que la petite sélection de photos et que votre curiosité vous incite à en voir plus… Je vous invite alors à aller voir toutes ses autres magnifiques photos sur son compte Instagram.

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