Dans cet article, je partage avec vous huit des principes de composition photographique les plus courantes. Toutes liées à des méthodes éprouvées pour améliorer la disposition de vos images. Alors lisez l’article. Mémorisez ces principes. Et regardez ensuite vos photos se transformer !

1. La règle des tiers

La règle des tiers est le principe de composition le plus célèbre qui soit, un des premiers rencontrés par les débutants et pour cause : c’est vraiment un excellent moyen de produire des compositions équilibrées et dynamiques, et elle est assez facile à maîtriser. Mais comment fonctionne-t-elle ?

La règle des tiers stipule que vous devez placer les éléments clés de votre composition à un tiers du cadre. Elle s’accompagne même d’un ensemble pratique de lignes de quadrillage pour vous aider :

Ainsi, si vous photographiez un coucher de soleil sur une plage, au lieu de placer la ligne d’horizon en plein milieu du cadre, il est préférable de la placer le long du tiers supérieur ou inférieur de la grille. Ces lignes de tiers sont appelées lignes de force.

Et si vous photographiez un groupe d’arbres dans un champ, au lieu de placer les arbres au centre de la photo, vous voudrez les positionner à un tiers du bord droit ou gauche. À propos, si vous pouvez placer votre sujet principal à l’intersection de deux lignes de la grille, appelé point fort (en rouge sur la première image), vous obtiendrez un résultat encore plus puissant.

En général, les compositions fondées sur la règle des tiers sont équilibrées. Elles sont dynamiques, et non statiques, ce qui aide le spectateur à mieux s’impliquer dans la photo. Pas mal, non ?

2. Le principe de l’espace

Le principe de l’espace est une technique de composition couramment utilisée par les photographes de portraits, les photographes d’événements, les photographes animaliers, les photographes d’oiseaux et même les photographes automobiles. En fait, tout groupe de photographes qui s’occupe d’humains, d’animaux ou de sujets en mouvement.

Pourquoi ? Parce que le principe de l’espace stipule que vous devez laisser de l’espace à votre sujet :

• dans la direction de son regard
• devant lui lorsqu’il se déplace (en marchant ou en courant)

Imaginons que vous photographiez un oiseau perché. Si vous suivez la règle des tiers, vue plus haut, vous devez placer l’oiseau à un tiers du cadre. Mais doit-il regarder vers le vide ou vers le bord du cadre ? Selon le principe de l’espace, l’oiseau doit regarder vers l’espace vide, et non vers le bord du cadre. De cette façon, l’image semble plus ouverte et moins exiguë.

De même, si vous photographiez un avion en mouvement, le principe de l’espace vous encourage à inclure beaucoup de ciel vide devant l’avion (et très peu de ciel derrière lui), afin que votre sujet principal ait de la place pour « bouger ».

Maintenant, comme les autres principes de composition de cet article, vous n’avez pas toujours besoin de suivre le principe de l’espace. L’ajout d’un espace négatif derrière le sujet (plutôt que devant) peut créer une sensation de tension intéressante. Mais en général, ce principe fonctionne bien, alors je vous encourage à l’essayer !

3. Les lignes directrices

Les lignes directrices sont des éléments qui guident l’œil dans la scène. Elles constituent un moyen efficace de créer un flux, d’ajouter de la profondeur et de mettre en valeur le sujet principal.

Les lignes directrices sont fréquemment utilisées par les photographes paysagistes pour diriger le spectateur du premier plan vers l’arrière-plan. Le photographe dispose la scène avec un sujet en arrière-plan (comme une montagne, un arbre ou un coucher de soleil), puis trouve une sorte de ligne de premier plan qui guide le regard de l’observateur. L’image qui en résulte présente une grande profondeur et un flux important de l’avant-plan vers l’arrière-plan. Et le sujet de l’arrière-plan est mis en valeur comme il se doit.

Parmi les lignes directrices les plus courantes, citons

• Le routes
• Les troncs d’arbres tombés
• Les rivières
• Les lignes dans le sable
• Les fissures dans la glace
• Les roches déchiquetées
• …

Cela dit, les lignes directrices peuvent également être utilisées dans la photographie de portrait, la photographie de rue, la photographie d’architecture, et bien plus encore. Un bras tendu peut guider l’œil dans une scène de rue vers une interaction entre des sujets, tandis qu’une main subtilement pliée peut conduire le spectateur vers le visage d’un sujet de portrait.

Lorsque vous commencez à utiliser les lignes directrices, vous pouvez avoir du mal à les trouver, mais n’abandonnez pas. Entraînez votre esprit à rechercher les lignes pertinentes, réelles ou imaginaires, et bientôt, vous les verrez partout.

4. Le principe des impairs

Selon le principe des impairs, les compositions les plus agréables comprennent un nombre impair d’éléments. Ainsi, si vous photographiez un groupe d’oiseaux de rivage, vous voudrez inclure trois, cinq ou sept bécasseaux. Si vous photographiez un paysage rural, vous voudrez inclure un, trois ou cinq fils téléphoniques, silos à grains ou granges. Et si vous photographiez un plat de nourriture, vous voudrez inclure trois, cinq, sept ou neuf raisins, myrtilles ou oranges.

Les photographes ne s’entendent pas sur ce qui fait du principe des impairs une technique de composition aussi efficace. Mais cela pourrait être lié à notre capacité à regrouper des éléments. Le cerveau regroupe par paires, de sorte que si un nombre pair d’éléments est facilement mis en groupe, un nombre impair d’éléments laissera toujours de côté l’élément final, ce qui incitera le spectateur à s’engager davantage.

Le principe des impairs est le plus souvent utilisée par les photographes de natures mortes, de nourriture et de produits. Il est facile d’ajuster un arrangement de nature morte pour inclure trois, cinq ou sept vases, et les compositions qui en résultent sont étonnantes.

Bien entendu, vous pouvez également utiliser ce principe pour améliorer vos images de paysages, de portraits de groupe et même d’architecture. Il suffit de compter vos éléments, d’exclure ou d’inclure certains d’entre eux si nécessaire, puis de capturer l’image finale.

5. Les diagonales

Les diagonales sont comme des lignes directrices, sauf qu’elles traversent le cadre en diagonale et ne conduisent pas nécessairement l’œil vers quoi que ce soit. Les diagonales sont plutôt utilisées pour créer une impression de mouvement, de flux ou d’énergie, avec des résultats souvent magnifiques.

Ainsi, lorsque vous êtes à l’extérieur avec votre appareil photo, essayez de rechercher des objets inclinés, tels que des arbres penchés, des toits de maisons et des rampes d’immeubles. Changez ensuite d’angle, zoomez, prenez du recul et faites tout ce que vous pouvez pour les inclure dans vos photos. Il peut être utile de s’approcher et de remplir le cadre avec la diagonale, bien que cela ne soit pas toujours nécessaire.

Et si vous ne trouvez pas de bonnes diagonales, vous pouvez toujours en créer une vous-même en inclinant votre appareil photo. Cette technique n’est peut-être pas très conventionnelle, mais elle insufflera beaucoup d’énergie à vos photos ! C’est une technique très utilisée en photographie sportive.

6. La symétrie

La symétrie fait référence aux zones de réflexion dans le cadre. C’est un excellent moyen de produire des images puissantes et directes, le genre qui présente beaucoup de tension. Tout en faisant attention à ne pas créer des photos trop statiques, comme je l’ai mentionné dans le point précédent sur la règle des tiers, ci-dessus !

Vous pouvez créer une symétrie verticale en incluant des sujets qui se reflètent sur l’axe horizontal. Vous pouvez aussi créer une symétrie horizontale en incluant des sujets qui se reflètent sur l’axe vertical. Et vous pouvez éventuellement créer une symétrie diagonale en incluant des sujets qui se reflètent sur une diagonale. Toutes ces options peuvent fonctionner, bien que chaque effet vous donne un résultat différent. Je vous encourage donc à expérimenter et à voir ce que vous en pensez.

Le plus difficile dans l’utilisation de la symétrie est de trouver des sujets symétriques. N’oubliez pas, cependant, que vous pouvez toujours créer un effet symétrique en mettant en scène des éléments qui sont « presque » symétriques (comme la photo ci-dessous). Les arbres, par exemple, sont des sujets à peu près symétriques. Vous pouvez donc en placer un au centre du cadre pour qu’il divise la composition en deux.

Conseil de pro : pour obtenir les meilleurs résultats, essayez de remplir le cadre avec vos éléments symétriques. Rapprochez-vous physiquement ou utilisez un téléobjectif pour bien cadrer.

7. Les espaces négatifs

L’espace négatif désigne les zones de vide dans une image, telles que :

• un ciel blanc
• une étendue de mer
• le côté d’un bâtiment métallique

Notez que l’espace négatif peut également être constitué de zones si fortement texturées qu’elles semblent vides, comme :

• un mur de briques
• un peuplement d’arbres feuillus
• une pelouse

Quel est donc ce principe de composition ? Il est simple : les meilleures images ont tendance à comporter beaucoup d’espace négatif, car cela aide le spectateur à respirer et aller directement à l’essentiel, le sujet. En d’autres termes, ne composez pas vos photos avec trop d’espace actif (ou d’espace positif), le résultat sera écrasant. Proposez plutôt un mélange d’espaces positifs et négatifs, comme les notes et les silences d’une partition musicale.

Une technique intéressante consiste à trouver un sujet principal, un point central dans votre composition, puis à l’entourer d’espaces négatifs. L’espace négatif orientera le spectateur vers le sujet principal, et la composition sera beaucoup plus puissante.

Et si vous cherchez à créer une composition très respirante et paisible, essayez de choisir un sujet principal isolé, puis remplissez le reste de l’image d’espaces négatifs. La composition finale sera magnifiquement minimaliste !

8. Le nombre d’or

Le nombre d’or est de 1,618, un chiffre que l’on retrouve constamment dans la nature et qui a tendance à être très agréable lorsqu’il est intégré à des compositions. Il fait référence à la suite de Fibonacci.

Qu’entend-t-on par là ? Eh bien, retenez seulement qu’il est possible de créer un guide visuel en utilisant le nombre d’or, que l’on appelle la grille de Phi. Cela fonctionne plus ou moins comme la règle des tiers. Le but est de positionner les éléments clés le long des lignes de la grille, bien que celle liée au nombre d’or soit légèrement plus comprimée au centre.

Vous pouvez également utiliser le nombre d’or pour produire une superposition en « spirale dorée », qui ressemble à la spirale d’une coquille de nautile. Ensuite, en alignant les éléments de composition clés sur la spirale, vous pouvez prendre des photos exceptionnellement dynamiques.

La plupart des photographes trouvent la grille du nombre d’or beaucoup plus facile à utiliser, mais si vous voulez vraiment faire passer vos compositions au niveau supérieur, mémorisez la spirale dorée, puis recherchez les compositions qui semblent s’y adapter. Notez cependant qu’il est difficile de trouver une disposition d’éléments qui reflète parfaitement la spirale dorée. Recherchez plutôt des éléments qui suivent approximativement la spirale, vous obtiendrez toujours un effet puissant, mais avec un peu moins de frustration.

Conclusion sur ces 8 principes de composition essentiels en photographie

Voilà, vous avez compris les huit principes de composition les plus utiles en photographie. Je n’ai évidemment pas abordé tous les principes, il y en a tellement, mais ceux-ci font partie des plus importants. Et si vous pouvez juste les mémoriser et appliquer quelques uns d’entre-eux, vos compositions s’amélioreront à pas de géant.

Alors bonne chance et amusez-vous à composer !

Dans cette série, quelle est votre principe de composition préféré ? Laquelle comptez-vous utiliser dès demain ? Lequel appliquez-vous déjà et en êtes-vous satisfait ? N’hésitez pas à partager vos idées avec moi en commentaire ci-dessous.

A bientôt

L’article 8 principes de composition que tout photographe devrait connaitre est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Et si je ne peux évidemment pas vous forcer à pratiquer, je peux vous proposer quelques conseils essentiels sur la photographie de portrait pour les débutants qui amélioreront instantanément vos images. Plongeons dans le vif du sujet !

1. Procurez-vous un objectif 50mm

L’objectif à focale fixe de 50mm, parfois appelé « nifty fifty » en anglais, est peu coûteux, polyvalent et constitue un excellent choix pour les débutants en photographie de portrait. Ce n’est probablement pas le meilleur objectif pour les séances de portrait, mais il sera performant et ne fera pas fondre votre compte en banque en cours de route. Surtout si finalement ce n’est pas ce type de photos que vous souhaitez réaliser ou que vous aimez.

De plus, une fois que vous aurez pris en main un objectif de 50mm, vous aurez une meilleure idée des autres objectifs dans lesquels vous devriez investir. Même si vous élargissez votre équipement, vous ne regretterez jamais d’avoir un bel objectif de 50mm dans votre sac.

Les grandes ouvertures

Vous vous demandez peut-être : Ne puis-je pas simplement utiliser l’objectif fourni avec mon appareil photo de débutant ? Quel est le problème de ce modèle ? Bien que ces objectifs « de kit » ne soient pas nécessairement mauvais, ils ne vous permettent pas d’ouvrir le diaphragme aussi grand que la plupart des focales fixes, ce qui limite votre capacité à créer de beaux flous d’arrière-plan. Vous avez probablement admiré des portraits avec un arrière-plan doux et crémeux (bokeh) comme celui-ci :

Vous voyez comment le sujet ressort de l’image ? C’est grâce à une très grande ouverture (entre f/1.2 et f/2.8). Et si vous pouvez obtenir une ouverture suffisamment large sur un objectif primaire de 50mm, vous ne la trouverez généralement pas sur votre objectif de kit. Il ne peut en général pas descendre sous f/3.5, et si vous zoomez l’objectif jusqu’à sa plus longue focale, la plus grande ouverture passera souvent à f/5 ou f/5.6, ce qui est encore pire.

Alors, n’hésitez pas à vous renseigner sur les objectifs de 50mm dans la marque de votre appareil. Je vous recommande d’acheter un 50mm f/1.8, c’est l’un des objectifs les moins chers (rapport qualité/prix) que vous pourrez trouver. Et il vous en donnera toujours beaucoup pour votre argent. Faites-moi confiance ! Pour tout dire, si je ne devais choisir qu’un seul objectif à avoir dans mon sac photo pour le reste de ma vie, ce serait un 50mm.

2. Concentrez-vous sur les yeux

En photographie de portrait, il est essentiel que vous fassiez la mise au point sur les yeux du sujet. Si les yeux sont nets, l’ensemble de l’image a tendance à être superbe, mais si les yeux sont flous, la photo est souvent gâchée.

Pour cela, je vous recommande de régler votre appareil photo sur le mode autofocus statique : AF-S (ou One-Shot chez Canon). Ensuite, changez le mode de la zone AF jusqu’à ce que vous puissiez sélectionner un seul collimateur (sélectif). Ajustez le point AF jusqu’à ce qu’il se trouve sur l’œil, puis enfoncez le bouton du déclencheur à mi-course pour verrouiller la mise au point.

Remarque : si l’un des yeux est plus proche de l’appareil photo que l’autre, assurez-vous de faire la mise au point sur cet œil. Surtout si vous utilisez une très faible profondeur de champ. Il est plus important que l’œil le plus proche soit net !

Soyez toujours plus fort que la technologie

Aujourd’hui, de nombreux appareils photo hybrides (sans miroir) proposent la mise au point automatique avec suivi de l’œil. Elle est conçue pour verrouiller la mise au point sur les yeux, même lorsque votre sujet se déplace dans le cadre. Son efficacité varie toutefois d’un modèle à l’autre et c’est l’appareil qui aura le dernier mot. Si vous avez cette option, je vous recommande de l’essayer dans une situation sans pression. Si vous aimez ce réglage et qu’il est efficace, utilisez-le. Mais s’il ne fonctionne pas parfaitement ou, si comme moi, vous voulez garder le contrôle, fiez-vous à la méthode de mise au point que j’ai exposée un peu plus haut.

Un autre petit conseil : si possible, essayez de placer votre sujet de manière à ce qu’il ait des reflets (ou des étincelles) dans les yeux. Après tout, les yeux sont la fenêtre de l’âme ! Plus ils sont mis en valeur, mieux c’est.

3. Expérimentez différentes distances et orientations

En tant que débutant en photographie de portrait, il est facile de prendre l’habitude de faire les choses de la même manière. Par exemple, vous pouvez toujours prendre des photos à distance pour vous assurer que le corps entier du sujet apparaît dans le portrait, vous pouvez toujours prendre des photos à la verticale ou à l’horizontale, ou vous pouvez toujours essayer de remplir le cadre avec le visage du sujet. Bien qu’aucune de ces approches ne soit mauvaise, il est bon de varier vos images au fil du temps. Je vous encourage donc à expérimenter différentes options, même lorsque vous débutez.

Si vous aimez toujours photographier de près, essayez de prendre un peu de recul pour inclure l’environnement. Si vous aimez toujours prendre des photos à la verticale, tournez votre appareil et prenez des photos à l’horizontale. Et si vous aimez toujours photographier de loin, approchez-vous et voyez ce que vous pouvez capturer. C’est cette mentalité expérimentale qui peut faire une énorme différence !

Quoi que vous fassiez, évitez de tomber dans la routine. Passez régulièrement en revue vos images, et si vous remarquez des similitudes constantes, faites un effort pour changer les choses !

4. Essayez de créer un « vrai » portrait

Vous pouvez coller n’importe qui devant une belle toile de fond, l’asseoir sur un tabouret, lui dire de sourire et appeler cela un portrait. Mais si vous voulez vraiment impressionner les spectateurs ou vos clients avec vos talents de photographe portraitiste, il est important d’utiliser vos talents pour montrer réellement qui est votre sujet et ce qu’il représente. J’aime les portraits qui racontent une histoire vraie sur mon sujet, car c’est ainsi que je peux capturer quelque chose qui vaut la peine d’être conservé.

Faites connaissance avec votre modèle

Avant d’installer votre matériel et d’appuyer sur le déclencheur, apprenez à connaître votre sujet. Découvrez ses passe-temps favoris, observez son comportement et apprenez comment il se comporte. Utilisez ensuite ces connaissances pour créer un portrait authentique, qui donne au spectateur une idée de qui est réellement le sujet.

Comment créer un portrait qui révèle la vérité ? Vous pouvez le faire avec des accessoires, des expressions ou des poses ! Par exemple, si votre sujet est passionné par la pratique d’un instrument de musique, vous pouvez simplement inclure l’instrument dans la photo avec lui. Et si votre sujet est tout le temps joyeux et optimiste, vous pouvez mettre en valeur son sourire dans vos compositions.

N’oubliez pas que votre travail consiste à créer un portrait qui sera valorisé par tous ceux qui connaissent votre sujet. Mais votre travail consiste également à créer un portrait qui pourra être apprécié par ceux qui ne connaissent pas votre sujet. Les meilleurs portraits aident le spectateur à comprendre un peu le sujet, même s’ils ne se sont jamais rencontrés.

5. Pensez à l’éclairage

Si vous voulez capturer un beau portrait, il vous faut une bonne lumière sur le visage de votre sujet ; c’est essentiel. En fait, en général, je cherche un bon éclairage avant de chercher un bon arrière-plan ! Si l’arrière-plan est mauvais, vous pouvez toujours ajuster votre angle ou utiliser une grande ouverture pour obtenir de meilleurs résultats. Mais si l’éclairage est mauvais, ça devient très compliqué, vous êtes fichu.

La lumière par temps fortement couvert est probablement le plus facile à gérer pour les débutants, mais une lumière plus forte avec des ombres peut également être agréable. Faites en sorte que votre sujet soit tourné vers la source de lumière, ce qui permettra de créer des accroches dans les yeux et d’éviter les ombres désagréables. Si vous n’êtes pas sûr de l’emplacement de la source de lumière principale, faites simplement pivoter votre sujet jusqu’à ce que la lumière soit parfaite.

Si le soleil est fort et que la lumière est dure, il est souvent préférable d’attendre plus tard dans la journée, mais vous pouvez essayer de déplacer votre sujet dans une zone ombragée. Veillez simplement à éviter d’inclure une lumière rasante ou une demi-ombre sur le visage de votre sujet. Et faites attention aux grimaces ou aux yeux plissés qui peuvent se produire si votre sujet finit par regarder vers la lumière vive du soleil.

Enfin, veillez à exposer pour le visage, même si cela donne à votre arrière-plan un aspect trop clair ou trop sombre. En photographie de portrait, le sujet est le plus important !

6. Ne vous préoccupez pas des règles

La photographie de portrait s’accompagne de nombreuses règles : la règle des tiers, utilisation de l’espace négatif, la règle des impairs,… Et c’est vrai : les règles sont très utiles, surtout pour les débutants. Je vous encourage à les apprendre, à les pratiquer et à les utiliser. Mais ensuite…

Soyez créatif et amusez-vous sans trop vous soucier des règles. Votre composition n’a pas toujours besoin d’être divisée en tiers, et votre sujet n’a pas toujours besoin de regarder en direction d’un espace vide. Vous pouvez prendre plaisir à enfreindre les règles ; en fait, cela peut créer des photos d’une beauté unique !

Et ne vous inquiétez pas de ce que font les autres photographes. Ne vous sentez pas obligé de copier les styles de mise en scène, les poses, les distances focales ou les accessoires les plus populaires. Il n’y a rien de mal à essayer des effets qui vous plaisent, mais ne les laissez pas vous limiter. En d’autres termes, lorsque vous réalisez le portrait d’une personne, vous pouvez prendre des photos comme vous le souhaitez sans suivre la tendance du jour. Assurez-vous que chaque image représente ce que vous voulez être en tant que photographe !

Photographie de portrait pour débutants : derniers mots

Ça y est, vous voilà en possession de six conseils pratiques pour vous permettre de commencer à réaliser de magnifiques portraits. J’espère que vous vous sentez maintenant prêt à sortir votre appareil photo et à capturer des résultats étonnants.

A votre tour… faites-vous du portrait ? Quels types de portraits aimez-vous ou aimeriez-vous réaliser ? Lequel de ces conseils utiliserez-vous en premier ? Partagez vos idées dans les commentaires ci-dessous !

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Cependant, il existe aujourd’hui énormément de marques et de modèles de trépieds, sans parler des tailles, des matériaux ou encore des prix qui vont parfois du simple au quintuple (si si !). C’est là que le choix devient un véritable calvaire pour le non-initié. Et que le risque de se tromper nous fait longuement hésiter, voire nous arracher les cheveux (quand on en a encore)… Bref, l’objectif de cet article est de vous donner les bonnes pistes pour faire le meilleur choix. Celui qui vous conviendra le mieux et que vous ne devriez pas regretter de sitôt. Alors, allons-y !

Quelle est l’utilité du trépied ?

Tout d’abord, il faut savoir que le trépied n’est pas nécessaire dans une grande majorité de domaines de la photographie. Ce n’est donc pas un accessoire à acheter absolument pour faire de bonnes photos. Il existe pourtant des domaines où sans trépied vous risquez de purement et simplement rater vos images ou encore de ne pas pouvoir les réaliser.

La pose longue, par exemple, est un type de photo qui nécessite un trépied. En effet, lorsqu’on pratique la photo en pose longue, comme son nom l’indique, on utilise des temps de pose (ou vitesses d’obturation) plus longs, ce qui peut entraîner du flou si l’appareil n’est pas stabilisé.

Le trépied est également indispensable en photographie immobilière ou d’architecture. Dans ces cas, le photographe souhaite obtenir du détail dans toutes les zones de l’image. Il arrive que le contraste de la scène soit très important et qu’il faille prendre plusieurs photos qui seront fusionnées par la suite en post-traitement. Le trépied permet d’avoir exactement le même cadrage pour toutes les images et de pouvoir les superposer facilement.

Un trépied peut également aider le photographe animalier qui pourra poser son lourd objectif plutôt que de le porter longuement et se fatiguer. Le trépied peut encore être très utile en macro photographie ou en photo de produit pour obtenir des cadrages précis. Enfin, le trépied est une solution intéressante pour réaliser des autoportraits différents et plus originaux qu’en mode selfie. Il est également utilisé en vidéo.

Pourquoi faut-il bien choisir son trépied ?

Comme vous allez le voir, il existe une multitude de marques, de modèles, de tailles, en aluminium ou en carbone, différents types de têtes… tout cela fait que tous les trépieds ne se valent pas et que selon votre pratique, un modèle peut vous convenir mais ne pas convenir à un autre photographe. Quoi qu’il en soit, certains trépieds sont plus résistants, plus légers ou plus pratiques que d’autres. Il faut donc déterminer vos besoins avant de vous lancer.

Imaginez que vous soyez photographe paysagiste et que vous marchiez des journées entières avec tout votre matériel. Est-ce que le poids de votre trépied aura de l’importance ? Évidemment que oui. Entre un trépied de 1,5 Kg et un autre de 5 Kg, au bout de quelques kilomètres, le choix est vite fait. De même, vous êtes fana de macro photo, vous préférerez un trépied dont la colonne centrale peut s’inverser pour pouvoir se rapprocher le plus possible du sol. Et non, tous ne le font pas !

Gardez en mémoire qu’un trépied est un investissement, un peu comme un bon objectif. S’il est de qualité et qu’il correspond à vos besoins vous l’utiliserez longtemps et avec plaisir. Alors, ne lésinez pas sur le prix et la qualité.

Comment faire son choix ?

J’imagine que vous ne voulez pas que votre appareil et son objectif à plusieurs milliers d’euros se retrouvent au sol, cassés et inutilisables parce que votre trépied n’a pas résisté au poids ou parce que le vent l’a déséquilibré ? Vous ne voulez pas qu’ils soient noyés ou perdus alors que vous êtes les pieds dans l’eau dans une rivière en train de réaliser une magnifique pose longue ? Vous ne voulez pas râler et être épuisé d’avoir emmené un trépied trop lourd et encombrant sur une randonnée pour ne faire que deux photos ?

Bref, il y a autant de critères de choix qu’il y a de photographes… ou presque. Selon votre expérience, le type de photos que vous faites, le poids de votre matériel, la fréquence d’utilisation du trépied, les conditions météo dans lesquelles vous l’utilisez… et bien sûr votre budget, vous ne choisirez pas le même trépied que quelqu’un d’autre. Cependant, heureusement, pour vous aider à y voir plus clair, j’ai rassemblé les principaux critères en 5 points.

1. Les dimensions, les angles, l’encombrement

Les dimensions du trépied sont également un énorme critère de choix. Que ce soit sa taille
lorsqu’il est replié pour le ranger, mais également ses hauteurs minimale et maximale
auront de l’importance pour plusieurs raisons.

En premier lieu pour votre confort. En effet, si comme moi, vous êtes très grand (1m91), trouver un répied qui vous permette de faire des photos sans vous croquer en deux peut être un plus. Ces hauteurs maximale et minimale sont également à considérer pour vous aider dans votre créativité. Grâce entre autres aux angles d’ouverture des jambes de votre trépied, il pourra parfois descendre très bas. Très utile si vous voulez prendre des photos au raz du sol par exemple.

Vous pouvez éventuellement opter pour une colonne centrale réversible, ce qui vous ouvrira la porte vers d’autres possibilités. Enfin, la taille une fois replié vous servira à considérer l’encombrement pour le rangement et le transport.

2. La charge maximale

Selon le matériau, la conception et la qualité de fabrication, le trépied est prévu pour supporter une certaine charge maximale. Avant de vous lancer, vérifiez le poids de votre appareil photo et du plus lourd de vos objectifs. En général, vous pouvez trouver ces informations dans le manuel utilisateur de l’équipement. Si pas, regardez sur internet, soit sur le site du constructeur ou en faisant une recherche sur Google.

Exemple de spécifications pour un trépied, dont la charge maximale

Une fois que vous avez le poids total de l’équipement qui sera installé sur le trépied, multipliez-le par 1,5 pour le cas où vous achèteriez un énorme téléobjectif dans le futur. Cela évitera que vous soyez limité ou obligé de changer de trépied. Enfin, contrôlez que le trépied que vous envisagez d’acquérir supporte au minimum ce poids total avant de l’acheter. Évidemment, qui dit trépied plus costaud et plus résistant, dit souvent encombrement et poids plus important. Comme souvent en photographie, il vous faudra faire des choix et/ou des compromis.

3. La stabilité et le système de blocage

Comme je l’ai dit plus haut, l’intérêt premier du trépied est de stabiliser votre appareil. Il est donc logique que la stabilité soit un critère de choix. Certains diront « les trépieds sont tous stables, non ? » Eh bien malheureusement pas toujours ! Si les jambes ne s’écartent pas suffisamment ou si le trépied ne peut pas être mis de manière à ce que la colonne centrale soit verticale, il y a de grandes chances qu’il soit facilement déstabilisé.

Le système de blocage des pieds a également une grande importance. Il en existe essentiellement de deux types, du moins ce sont les plus efficaces. Le premier c’est le système de blocage par levier qui à mon sens est le plus efficace, le plus sûr et le plus résistant dans le temps. Le second, le système de blocage par rotation est également efficace et rapide mais il faut bien vérifier qu’il est bien serré, sans quoi, le trépied risque de se replier et tomber à tout moment.

4. La matière et le poids

Il fut un temps (lointain) où les seuls trépieds disponibles étaient en bois. Heureusement les choses ont bien évoluées depuis. Aujourd’hui, on trouve essentiellement des trépieds en plastique, en aluminium et en carbone. Parfois un mix des trois. Il y a aussi des trépieds premiers prix en acier ou autres métaux plus lourds. Je dirais que ceux-là sont plutôt à éviter.

D’apparence identique le trépied en carbone est plus léger et plus stable que le trépied en aluminium

Vous vous en doutez, l’idéal est de s’orienter vers des matériaux plus légers comme l’alu ou mieux encore le carbone. Le plastique est en général utilisé pour les petits trépieds ou autres Gorillapods. On serait tenté par un trépied en plastique comme il est peu coûteux, mais il est aussi moins solide et moins stable. Au-delà de la résistance, l’intérêt premier de choisir l’aluminium, ou le carbone, c’est le poids. C’est un critère important si vous envisagez de trimbaler votre trépied partout avec vous.

L’aluminium est un matériau robuste et durable qui vous permettra de garder votre trépied de longues années tout en l’ayant payé un prix raisonnable. C’est le matériau le plus répandu pour les trépieds. Le carbone est également durable et solide tout en étant généralement plus léger. Souvent plus stable que l’aluminium, il résiste mieux aux vibrations. C’est donc le matériau à privilégier. Par contre, la plupart du temps, il est aussi (beaucoup) plus coûteux.

5. La rotule et le plateau de fixation

Sur un trépied, la rotule, aussi appelée tête de trépied, est la partie sur laquelle on va fixer l’appareil photo au moyen du plateau de fixation et qui peut être orientée pour choisir l’angle de prise de vue. La rotule peut être incluse avec le trépied mais il est également possible d’en acheter séparément et donc de la changer au besoin. Les plateaux de fixation modernes sont de type attache rapide.

Il existe différents types de rotule pour trépied. Les trois plus courantes sont les rotules 3D,
les rotules ball et les rotules à crémaillères.

La rotule 3D

Ce type de tête est conçu de manière à pouvoir être orienté sur les trois axes indépendamment. Chaque axe pouvant être bloqué ou débloqué grâce à une poignée dédiée. Ce n’est pas la solution la plus rapide, par contre, elle permet un ajustement de la position très précise. A recommander pour les situations où besoin de précision est plus important que la rapidité. Concrètement pour les photos dont la composition doit être précise ou dont les verticales doivent être respectée et impeccables comme en photographie immobilière et de paysage. Ce système est un peu plus encombrant que les deux suivants.

La rotule ball

La rotule ball est sans conteste la solution la plus rapide. L’appareil étant positionné sur une sphère, il peut bouger sur les trois axes d’un seul mouvement. Il suffit de desserrer la vis de blocage, positionner l’appareil exactement comme on le souhaite et resserrer la vis de blocage. Certains modèles possèdent une poignée plutôt qu’une vis, ce qui rend l’opération encore plus rapide. Vous pouvez opter pour ce système si vous débutez. Moins coûteux et polyvalent, il devrait combler vos besoins. Cependant, restez vigilant à bien serrer le blocage quand vous avez la bonne position. Dans le cas contraire, la tête bougera et vous devrez recommencer… frustration assurée.

La rotule à crémaillères

Le summum de la précision c’est la rotule à crémaillères. En effet, du même principe que la tête 3D, chaque axe peut être ajusté séparément. Mais cette fois, au lieu de déserrer une vis avec une poignée qui rend l’élément totalement libre puis devoir le resserer, ce système permet d’ajuster la position sur chaque axe en vissant ou dévissant. Évidemment, le processus est plus lent mais on ne peut pas tout avoir .

Le système d’attache rapide

Comme son nom l’indique ce système vous permet de fixer et enlever rapidement votre appareil du trépied. Cette plaque étant attachée sous l’appareil, il suffit de venir la placer dans le support et de la sécuriser. La plupart des trépieds sont aujourd’hui fournis avec ce type de système. Si vous optez pour un modèle plus ancien ou bas de gamme, il se peut que vous n’ayez pas d’attache rapide. Mais plutôt une simple vis de fixation… et là, je vous dis bon amusement .

Y a-t-il une meilleure marque ?

Manfrotto a clairement une excellente réputation et fait de très bons produits mais est souvent très cher. Il y a quelques années, pour mon premier trépied, j’ai opté pour du Vanguard qui est également une très bonne marque avec une excellente qualité de fabrication et en général un bon rapport qualité/prix. Rollei est revenu sur le marché il y a quelque temps avec des trépieds solides et plutôt sympas. Pour parler des marques que je connais, K&F Concept fait également de produits très corrects. Il existe plein d’autres
marques telles que Velbon, Gitzo, Leofoto, Sirui, Neewer, Hama, Novoflex et beaucoup d’autres mais qui sont à mon sens en dessous voir à éviter pour certaines (sans rentrer dans les détails).

Pour vous parler de mon expérience, j’ai débuté avec le Vangaurd Alta+ 233AP, en aluminium, costaud et pas trop lourd, il a tenu plus de dix ans avec un usage régulier dans toutes les conditions. J’ai ensuite cherché quelque chose de plus léger avec un excellent rapport qualité/prix et j’ai choisi le K&F Concept T255A4, légèrement plus petit, plus léger avec une rotule ball que j’utilise toujours et dont je suis content. Et dernièrement, j’ai jeté mon dévolu sur deux trépieds. Un Compact Traveller Mini M1 pour emporter partout et toujours avoir de quoi stabiliser mon appareil sans m’encombrer. Et un carbone (équivalent du C6I) pour allier légèreté et robustesse pour les longues balades photo paysage.

Quelques suggestions

Je ne pouvais pas écrire un article sur la manière de bien choisir un trépied sans vous proposer quelques suggestions. Alors je vous mets ceux que j’ai pu tester ou que j’utilise actuellement et l’une ou l’autre références dans le domaine.

Choix de trépieds orientés voyage

• Le Rollei Compact Traveler Mini M1 – Un trépied de qualité, léger avec rotule ball
• Le Vangard Vesta TB 204ABS – Un trépied ultra compact, très stable avec rotule ball
• Le JOBY GorillaPod 3K – Un trépied léger, polyvalent avec rotu

Sélection de trépieds orientés rapport qualité/prix

• Le K&F Concept K234A0+BH – Un excellent rapport qualité/prix avec rotule ball
• Le Manfrotto MKCOMPACTADV-BK – Une référence, compact avec rotule 3D
• Le Rollei C5I – Un trépied en alu, solide, stable, inversible et durable

Les trépieds orientés pro

• Le K&F Concept T255A4 – Un modèle pro en alu avec rotule ball
• Le Vanguard Alta Pro 263AB100 – Un modèle pro en alu, solide et durable
• Le Manfrotto MKBFRC4GTXP-BH – Un modèle pro en carbone avec rotule ball

En conclusion

Vous l’aurez compris, il n’y a pas de réponse idéale ou universelle. En effet, chacun aura des besoins différents et des utilisations particulières. Il est donc important de savoir quelle sera votre propre utilité d’un trépied. De là, repassez les 5 points de cet article en revue et validez chacun d’eux pour votre pratique.

J’espère que cet article détaillé vous aura éclairé et vous permettra de faire le meilleur choix de trépied (pour vous et en fonction de vos besoins).

Et vous, avez-vous déjà un trépied ? Quel modèle possédez-vous et en êtes-vous satisfait ? Dites-moi tout en commentaire !

L’article Comment bien choisir son trépied en 5 points sans se tromper est apparu en premier sur initiationphoto.com.

Mais n’ayez crainte ! Dans cet article, je partage mes meilleurs conseils pour des photos d’automne époustouflantes.
J’explique en autre, comment :

• utiliser un simple filtre pour faire ressortir les belles couleurs d’automne.
• ajuster votre balance des blancs pour obtenir de superbes images chaudes.
• créer des photos étonnantes en recherchant la bonne lumière.
• et bien plus encore !

Prêt à devenir un maître de la photographie d’automne ?
Alors allons-y !

1. Utiliser un filtre polarisant pour renforcer les couleurs

Commençons par le commencement. Si vous voulez capturer des couleurs d’automne riches et vives, vous devez commencer par acheter un filtre polarisant. Les filtres polarisants se placent à l’avant de l’objectif et réduisent la lumière réfléchie. Les reflets sur les feuilles humides et/ou cireuses réduisent l’intensité des couleurs. En empêchant cette lumière indésirable d’atteindre le capteur de votre appareil photo, vos photos d’automne gagneront en saturation.

Veillez toutefois à acheter un filtre de bonne qualité, un polarisant bon marché ne fera pas son travail efficacement et peut introduire des dominantes de couleur gênantes. Ne lésinez pas sur le prix et optez pour une option de bonne facture, comme le filtre polarisant circulaire proposé par Gobe.

Remarque : le diamètre du filtre polarisant doit correspondre au diamètre de la lentille de votre objectif. Choisissez l’objectif que vous prévoyez d’utiliser le plus souvent pendant l’automne, vérifiez son diamètre, puis achetez un filtre polarisant correspondant.

N’oubliez pas non plus que les filtres polarisants réduisent la quantité totale de lumière qui atteint le capteur de l’appareil photo. Pour compenser, votre appareil photo sera obligé de réduire la vitesse d’obturation, ce qui peut provoquer des tremblements et du flou de bougé. Pour éviter cela, je vous recommande de photographier avec un bon trépied !

2. Photographier pendant les Golden Hours

L’heure qui suit le lever du soleil et l’heure qui précède le coucher du soleil sont connues sous le nom de Golden Hours ou heures dorées. Si vous avez déjà passé du temps à observer la lumière du soir, vous savez pourquoi. Lorsque le soleil est bas dans le ciel, il projette une magnifique lumière dorée et douce sur la terre, une lumière qui est superbe lorsqu’elle illumine des sujets d’automne.

La lumière des heures dorées présente plusieurs avantages majeurs. Elle est douce, ce qui vous permet de prendre des photos avec beaucoup de détails. Et comme elle est chaude, vos images auront une superbe couleur dorée. Personnellement, je suis un grand fan de la façon dont le soleil accentue les couleurs rouge et or quand il est bas. Vous pouvez capturer des paysages d’automne à couper le souffle, des détails en gros plan, des portraits d’automne, et bien plus encore.

Si vous pouvez vous lever assez tôt, le matin peut être encore mieux que le soir. D’une part, il y a moins de monde, ce qui vous permet d’avoir des chemins forestiers pour vous tout seul. Et le matin, il y a généralement moins de vent, ce qui est idéal si vous voulez combiner les couleurs d’automne époustouflantes avec les reflets d’un étang.

3. Ne boudez pas les journées couvertes

Si vous recherchez des couleurs riches et chaudes, l’éclairage de l’heure dorée est idéal… Mais vous pouvez aussi capturer des images uniques par temps couvert. Les nuages agissent comme des diffuseurs géants, créant une lumière douce et uniforme qui fait ressortir les détails, ajoute une atmosphère particulière et sature même les couleurs.

Par exemple, les scènes de forêt d’automne sont étonnantes sous un éclairage couvert. Les petits détails tels que les feuilles mortes, les fleurs de septembre et les plantes fanées sont également superbes.

Un autre conseil : si le ciel est nuageux, assurez-vous de sortir pour prendre des photos en milieu de journée. À mesure que le soleil descend dans le ciel (derrière les nuages), la lumière disparaît progressivement. En fin d’après-midi, vous risquez d’avoir du mal à obtenir des images nettes à la main. Bien sûr, vous avez toujours la possibilité d’utiliser un trépied !

4. Cherchez les contrastes de couleurs

L’automne regorge de toutes sortes de magnifiques contrastes de couleurs : feuilles rouges sur fond vert (herbe), feuilles orange sur fond bleu (ciel), feuille jaune sur fond bordeaux (feuilles). Et si vous parvenez à intégrer ces nombreux contrastes dans vos images, vous obtiendrez des résultats à couper le souffle.

Vous voyez, le contraste des couleurs ajoute de la tridimensionnalité en créant une séparation nette entre le sujet et le fond. De plus, les couleurs contrastées sont tout simplement frappantes ! Si vous avez du mal à voir les contrastes de couleurs, pensez à imprimer et à emporter une roue des couleurs. Les couleurs opposées contrastent magnifiquement, bien que les couleurs voisines se mélangent également très bien.

Une fois que vous commencez à voir rapidement et régulièrement le contraste des couleurs, essayez d’expérimenter différents équilibres de couleurs. Vous pouvez inclure beaucoup de rouge et un peu de vert pour un look plus sobre – ou une quantité égale des deux pour un résultat intense.

5. Considérez la position du soleil

Certains photographes d’automne préfèrent éviter d’inclure le soleil dans le cadre. Pourquoi ? Parce que quand le soleil frappe le capteur de l’appareil photo, il peut créer un reflet d’objectif, ce qui délave quelque peu la scène et réduit l’impact des couleurs d’automne.

En revanche, en incorporant le soleil dans le cadre, vous pouvez créer d’intéressants effets d’étoile solaire qui mettent en valeur vos paysages et portraits d’automne au lieu de leur nuire. Pour cela, réduisez l’ouverture de votre diaphragme à f/8 (ou au-dessus) pour obtenir un bel effet d’étoile solaire.

Je vous encourage donc à expérimenter les deux méthodes. Passez un peu de temps à photographier à l’opposé du soleil afin de capturer de beaux sujets éclairés de face et de côté. Ensuite, faites demi-tour et photographiez face au soleil. Voyez si vous pouvez délibérément créer un reflet de lentille (ou flare).

6. Jouez avec la balance des blancs

Le réglage de la balance des blancs est le processus qui consiste à gérer les dominantes de couleur dans vos images. Certaines sources de lumière, comme un soleil bas, produisent une lumière très chaude et orangée, tandis que d’autres sources de lumière, comme le flash artificiel, produisent une lumière très froide et bleutée. Mais lorsque vous réglez la bonne balance des blancs, vous neutralisez ce résultat chaud ou froid en supprimant la dominante. Une neutralisation réussie fait ressortir les couleurs sous-jacentes et permet à la photo de représenter plus fidèlement son sujet.

En règle générale, il est bon de neutraliser les dominantes de couleur. Il peut donc être utile de travailler avec les préréglages de balance des blancs de votre appareil photo, voire de régler la balance des blancs à l’aide d’une charte de gris. Si vous prenez vos photos au format RAW, vous pouvez toujours ajuster la balance des blancs en post-traitement sans problème. Mais vous pouvez gagner du temps en la réglant dès le départ.

Notez également que vous n’avez pas toujours besoin d’utiliser la balance des blancs pour corriger la couleur de l’image. Vous pouvez en fait utiliser un réglage de balance des blancs chaud ou froid pour ajouter de l’ambiance à vos images d’automne. Par exemple, si vous voulez rehausser les rouges et les oranges, vous pouvez utiliser un préréglage de la balance des blancs à haute température pour réchauffer l’image !

7. Cherchez à représenter le chaos

Les scènes d’automne ont tendance à être assez chaotiques. Elles présentent souvent des branches ondulantes, des feuilles mortes, des arbustes colorés… et la liste est longue.

Et en photographie, le chaos est généralement une mauvaise chose. De nombreux photographes passent de longues minutes à travailler chaque scène afin de réduire le chaos. Après tout, le chaos distrait le spectateur et l’empêche de regarder le sujet principal, n’est-ce pas ?

Eh bien pas toujours ! Si vous pouvez embrasser le chaos, vous pouvez capturer des images uniques qui vont au-delà des photos d’automne standard. Essayez de composer soigneusement vos photos pour que tous les éléments s’assemblent comme un puzzle. Et voyez si vous pouvez intercaler différentes couleurs dans le cadre, quelques zones rouges ici, quelques zones vertes là.

Dans les photos de « chaos », l’objectif est de penser en termes de géométrie abstraite. Veillez à équilibrer soigneusement les différentes couleurs et textures de la scène. Et testez différentes ouvertures pour voir si les images sont bonnes en tant que photos à grande profondeur de champ ou en tant que clichés à faible profondeur de champ.

8. Mettez les couleurs de l’automne en évidence en post-traitement

La plupart des meilleurs effets de photos d’automne sont réalisés à la prise de vue, et vous ne devriez pas considérer les logiciels de post-traitement comme un moyen de « réparer » ou de « créer » des images étonnantes. Cependant, vous pouvez améliorer vos photos d’automne en faisant ressortir les couleurs, en renforçant la profondeur et en augmentant les détails. Cela ne nécessite pas non plus de connaissances particulières, vous pouvez gérer toutes vos retouches de photos d’automne dans un logiciel intuitif tel que Lightroom.

Je vous recommande d’ajuster d’abord l’exposition pour être sûr de capturer le niveau de détail que vous recherchez. Si vous remarquez des ombres ou des hautes lumières sans détail, utilisez les curseurs de tonalité. Ces curseurs sont ceux des hautes lumières, des ombres, des noirs et des blancs, et permettent de récupérer les données manquantes. Apportez ensuite quelques modifications au contraste. Ces modifications sont souvent agréables et donnent du punch, mais n’en faites pas trop. Un contraste trop important commencera à créer des effets irréalistes, ce qui n’est certainement pas ce que vous souhaitez.

Enfin, expérimentez avec différents curseurs d’intensité de couleur. Le curseur « saturation », par exemple, permet d’augmenter l’intensité globale des couleurs. Le curseur « vibrance », quant à lui, accentue les couleurs plus froides. Et si vous vous sentez particulièrement audacieux, vous pouvez même essayer de modifier certaines couleurs en utilisant le panneau TSL (Teinte/Saturation/Luminance) de Lightroom.

9. Sortez quand la météo est mauvaise

Je sais, je sais, les jours de mauvais temps vous donnent envie de rester à l’intérieur et de ne pas vous aventurer dehors avec votre appareil photo. Mais si vous vous lancez, vous verrez rapidement que les couleurs d’automne combinées à des après-midi brumeux, pluvieux ou même (si vous avez un peu de chance) enneigés, peuvent être vraiment incroyables.

Tout d’abord, le mauvais temps peut ajouter beaucoup d’atmosphère. La pluie est un excellent moyen d’ajouter une ambiance mélancolique, tandis que la neige peut créer des vibrations édifiantes ou un aspect plus triste et solitaire, selon la façon dont vous abordez et éditez vos photos. Et le brouillard est presque toujours superbe, bien que si vous voulez des images vraiment puissantes, essayez de combiner le brouillard avec la répétition. Par exemple des lignes d’arbres dans une forêt.

Vous devez cependant faire attention. Il est facile de se perdre dans un brouillard épais ou dans la neige, il faut donc toujours avoir un téléphone sur soi et dire à l’avance à quelqu’un où l’on va. Et comme le mauvais temps peut endommager votre appareil photo, n’oubliez pas d’emporter un imperméable avec vous. Je vous encourage également à emporter une deuxième housse qui s’enroule autour de votre sac photo et le garde au sec.

Derniers conseils pour la photographie d’automne

Maintenant que vous avez terminé cet article, vous êtes prêt à capturer de magnifiques images d’automne. Amusez-vous bien à photographier les couleurs de l’automne. Et assurez-vous de prendre des photos dès que vous le pouvez. Dans de nombreuses régions, le pic des scènes d’automne ne dure que quelques semaines. Et vous ne voulez pas les manquer !

Lequel de ces conseils comptez-vous essayer en premier ? Quel type de photographie d’automne envisagez-vous de créer ? Partagez vos idées avec moi en commentaire ci-dessous !

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Vous l’avez certainement déjà remarqué en photographie, on crée des images en deux dimensions à partir de scènes de notre environnement qui elles sont en trois dimensions. On perd donc la sensation de volume et de profondeur. Grâce à différentes techniques graphiques, on peut reproduire une impression de volume dans nos images (plates), ce qui permettra de créer plus de réalisme et donner de la force à vos photos.

Perspectives et lignes de fuite

Une des manières d’intégrer de la perspective dans une image, c’est d’utiliser les lignes de fuite. C’est souvent la technique la plus simple à mettre en œuvre. En effet, comme le montre les deux exemples ci-dessous, il suffit d’intégrer une route ou une rampe d’escalier pour rapidement percevoir de la profondeur dans l’image. Et cela fonctionne également avec des lignes imaginaires (ou induites).

Attention cependant, intégrer une ou plusieurs lignes de fuite peut vous jouer de mauvais tours. Car ces lignes guident naturellement le regard à travers l’image. Ce qui signifie que si le sujet n’est pas placé sur une de ces lignes ou à une de leur intersection, le lecteur risque de passer à côté du sujet principal. Dans ce cas, le résultat est souvent très moyen et parfois même mauvais.

Utilisez donc les lignes de fuite avec soin et anticipez la façon dont le lecteur aura tendance à les regarder et à les suivre. Notez aussi que même si le fait d’inclure les perspectives fonctionne plutôt bien en général, toutes les bonnes photos n’utilisent pas systématiquement ce principe de composition. Et on peut même dire que toutes les photos qui l’utilisent ne sont pas nécessairement bonnes ! Il ne faut donc pas chercher à mettre de la perspective à tout prix, mais il peut être intéressant de l’inclure si elle est présente dans la scène.

Influence de la distance au sujet

Il existe un second facteur qui intervient sur la perception des distances et donc qui influence la perspective, c’est la distance par rapport au sujet. Utilisons différentes longueurs focales pour photographier deux sujets à une certaine distance l’un de l’autre et observer ce qui se passe. Mais d’abord, je vous présente mes modèles du jour pour l’exercice. Mis côte à côte, le chien tirelire est plus grand que la figurine Mickey, comme le montre la photo suivante.

Ensuite, je les ai décalés l’un de l’autre de manière à ce qu’ils aient approximativement la même taille dans le cadre et j’ai pris trois photos (d’une distance d’environ 50 centimètres de Mickey), une à 35mm, une à 23mm et la dernière à 18mm (capteur APS-C). Et j’ai recadré les trois photos dans Photoshop pour que les sujets prennent la même place dans le cadre.

Après recadrage, pour obtenir un cadrage similaire pour ces trois photos, on constate qu’il n’y a pas de variation de distance visible entre ces deux sujets malgré les différentes longueurs focales utilisées. Par contre, avec la longueur focale la plus courte, si on veut conserver la taille du sujet le plus éloigné (le chien), sans recadrer, on doit se rapprocher physiquement. On s’aperçoit alors qu’il y a une modification des perspectives lorsque l’on s’approche vraiment très fort. Le sujet le plus proche devient beaucoup plus grand et paraît même plus grand que le sujet de l’arrière-plan. Cette fois, j’étais à environ 20 centimètres de Mickey.

Conclusion

Comme vous avez pu le constater avec cet exemple, les perspectives sont fortement influencées par l’utilisation de focales plus courtes. Il faut donc être prudent lorsque vous photographiez au grand-angle ou à l’ultra grand-angle. En effet, au-delà des déformations possibles, l’effet des perspectives est renforcé.

J’espère que vous comprenez un peu mieux la notion de perspectives, comment elles fonctionnent et leurs effets en fonction de l’angle de vue et de la distance par rapport au sujet. Elles ont une grande influence sur la composition des images et elles sont partout (ou presque) tout autour de nous.

Et vous ? Utilisez-vous les perspectives dans vos images ? Comment les utilisez-vous et aimez-vous les intégrer dans vos compositions ? Dites-moi tout en commentaire ci-desous.

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Ci-dessous, je vais partager tout ce que vous avez besoin de savoir à propos des Golden Hours en photographie. Je réponds à toutes les questions que vous pouvez vous poser sur le sujet. Et je vous explique comment améliorer vous images prises à l’heure dorée avec des astuces et des techniques approuvées. Allons-y !

Que sont les Golden Hours en photographie ?

Les Golden Hours (ou heures dorées) font référence, à peu près, aux premières heures après le levé du soleil et aux dernières heures avant son couché. C’est une période qui est très propice à la réalisation de magnifiques photos.

Pendant les Golden Hours, le soleil rencontre notre planète avec un angle beaucoup plus petit. Du coup, la lumière doit parcourir une plus grande distance pour atteindre la terre. Elle est alors plus douce, plus flatteuse et plus rouge. (Comparez-la à la lumière de midi en plein été ensoleillé, qui est plus dure, plus directe et qui produit généralement beaucoup de contraste et des ombres disgracieuses.

Voici une photo typique des heures dorées

Vous remarquez les lumières aux jolies teintes jaunes et incroyablement flatteuses ? C’est ce que les Golden Hours offrent aux photographes.

À quel moment voir les Golden Hours ?

Je vous ai donné la définition standard des Golden Hours plus haut, qui souligne l’heure ou les deux heures avant le couché et après le levé du soleil. En fait, les heures dorées fluctuent tout au long de l’année et leur durée dépend de votre position géographique. Si vous vivez proche de l’équateur, les Golden Hours ont tendance à durer une heure ou deux, sans trop varier entre l’hiver et l’été. Mais si vous vivez prés des pôles Nord ou Sud, vous constaterez une énorme différence de timing. Et ces heures dorées durent souvent beaucoup plus longtemps.

En réalité, si vous souhaitez sérieusement profiter des jolies lumières des Golden Hours, je vous recommande de surveiller le soleil quelques jours. Demandez-vous quand il se lève et quand il se couche. Vous pouvez aussi vous poser la question de savoir quand la lumière chaude et douce en fin de journée. Ou quand elle devient dure en journée. Alors qu’il est assez aisé de calculer la durée exacte de la golden Hour en utilisant une charte d’astronomie, il est souvent mieux de simplement observer la lumière. Rapidement, vous serez plus sensible aux changements et vous saurez quand vous pouvez vous attendre (ou pas) aux lumières magiques des Golden Hours.

Pourquoi les Golden Hours sont-elles si spéciales ?

J’ai déjà mis l’accent sur le côté bas, chaud et doux des lumières produites par un soleil des heures magiques. Mais pourquoi sont-elles si exceptionnelles ? Eh bien, de manière générale, la lumière douce est la meilleure amie du photographe. Elle ne crée pas d’ombres trop dures et elle a tendance à réduire la gamme dynamique d’une scène. Donc, les images qui en résultent ne présentent pas d’ombres sombres ou bouchées, ni de zones très claires ou surexposées.

En plus, les températures de couleur chaudes, produites par les heures dorées, sont souvent jolies et flatteuses comme le montre la photo suivante.

Et un soleil bas atteint plus directement le sujet, il y a donc moins d’ombres produites sous les yeux, le nez et le menton des sujets.

Cela dit, les Golden Hours ne sont pas super pour tous les types de photographie. La lumière des heures magiques est très appréciée des photographes de portrait, de paysage et de photo animalière. Les photographes de rue, eux, préfèrent généralement photographier autour de midi, lorsque la lumière dure du soleil produit de nombreux contrastes et ombres. Les photographes macro sortent plutôt quand le ciel est couvert, de cette manière, ils peuvent capturer des couleurs saturées et un maximum de détails.

Donc, ne croyez pas que vous devez absolument prendre vos photos aux heures dorées. Sachez seulement que c’est une excellente façon d’améliorer plusieurs types de photos. Vous voyez ?

Les heures dorées face aux heures bleues

Si vous découvrez juste la notion de lumière en photographie, vous avez peut-être vu passer le terme « heure bleue » en même temps que « l’heure dorée ». Mais alors quelle est la différence ? L’heure dorée est celle visible après le levé et avant le couché du soleil. Alors que l’heure bleue c’est celle visible avant le levé et après le coucher.

En d’autres mots, l’heure bleue renvoie à la période où le soleil est encore juste sous l’horizon. Pendant cette période, le ciel passe par des belles couleurs allant des bleus aux pourpres. Ce qui est extra en photo de paysage et de portrait. Malheureusement, le manque de lumière franche pendant l’heure bleue peut poser des problèmes techniques. Mais si vous choisissez le bon matériel, réglez votre sensibilité ISO prudemment et/ou utilisez un trépied, vos photos seront spectaculaires.

5 techniques clés pour gérer la lumière pendant les Golden Hours

Les Golden Hours offrent cinq techniques puissantes pour bien utiliser ce type de lumière

La lumière frontale

Vous rencontrez la lumière frontale lorsque votre sujet est positionné directement face au soleil.

Pendant les Golden Hours, les lumières frontales offrent un effet chaud et flatteur parfait pour la photographie de personnes, d’animaux et d’oiseaux. (Et parce que le soleil n’est pas trop fort, les sujets n’ont pas besoin de plisser les yeux !).

Le contre-jour

Vous êtes en situation de contre-jour lorsque le soleil est derrière votre sujet. Et pendant les Golden Hours, un contre-jour crée un effet doux, chaud, brumeux et lumineux comme sur la photo ci-dessous.

Les contre-jours à l’heure dorée fonctionnent extrêmement bien mais il faut être prudent. Il est assez facile de sous-exposer accidentellement votre sujet et se retrouver avec une silhouette partielle. Pour éviter ce problème, assurez-vous de faire la mesure de lumière sur le sujet, et pas sur l’arrière-plan.

Le contour lumineux ou Rim Light

Le Rim Lighting, c’est cet effet lumineux qui apparaît lorsque le soleil crée un halo lumineux entourant votre sujet et créant une sorte de silhouette de lumière.

Ce halo sera particulièrement fréquent lorsque votre sujet se trouve devant un arrière-plan sombre. Vous pouvez bien sûr créer du Rim Lighting avec une lumière de contre-jour, mais le soleil n’a pas besoin d’être directement derrière le sujet. Le fond a juste besoin d’être (relativement) sombre et le soleil de venir (à peu près) d’un angle arrière au sujet.

Le Flare

Lorsque de la lumière parasite entre dans votre objectif, elle produit souvent un effet de flare lumineux tel que celui visible sur l’image ci-dessous.

Pendant la Golden Hour, le soleil est la hauteur idéale pour créer de jolis flares.

Comment ça fonctionne ? Orientez simplement votre appareil et son objectif de manière à ce que le sujet couvre partiellement le soleil. Bougez alors autour de celui-ci (parfois quelques centimètres vers la gauche ou la droite suffiront), jusqu’à ce qui vous puissiez voir le flare apparaître à travers votre sujet.

Une autre méthode pour obtenir du flare est de positionner votre objectif (et l’appareil) de manière à ce que le soleil soit en dehors du cadre.

Les silhouettes

La silhouette est créée lorsque le sujet apparaît noire (ou sombre) sur un fond lumineux.

C’est assez facile d’obtenir des silhouettes pendant les heures dorées. Abaissez-vous et photographiez votre sujet directement face à la lumière. Veillez à exposer l’arrière-plan et non le sujet et n’hésitez pas à ajouter du contraste supplémentaire au moment du post-traitement !

10 astuces pour photographier pendant les Golden Hours

Il y a plusieurs manières de profiter des heures dorées et de toujours obtenir des images époustouflantes. Voici mes meilleurs trucs pour vous aider à y parvenir :

1. Observer le ciel la veille du shooting

Comme je l’ai mentionné dans la section précédente, la meilleure manière de déterminer le moment où l’heure dorée sera optimale, c’est à travers de simples observations.

Donc la veille de votre séance photo, jetez un œil par la fenêtre. Regardez comment le soleil se déplace et comment les lumières changes. La position du soleil en fonction des heures change très peu d’un jour à l’autre. Vous pouvez donc présumer que les caractéristiques de la lumière seront très similaires deux jours (ensoleillés) consécutifs.

Veillez alors à être sur place et prêt à déclencher lorsque la lumière est à son apogée.

2. Planifier votre séance photo à l’avance

Personne ne veut se sentir stressé, anxieux ou pressé durant une séance photo? Alors, assurez-vous de planifier votre séance aux Golden Hours suffisamment à l’avance.

Si vous le pouvez, commencez à vous mettre en place pour la séance au moins 60 minutes avant que les Golden Hours débutent. De cette manière, vous avez assez de temps pour faire en sorte que votre sujet se sente détendu et pour que votre équipement est prêt pour ce moment « parfait ».

3. Faire attention aux nuages !

En fonction du niveau de couverture nuageuse dans le ciel, les heures dorées peuvent changer ou même ne pas se présenter. Les nuages peuvent améliorer l’effet du levé et couché du soleil, ou ils peuvent entièrement bloquer la lumière.

Par conséquent, avant de sortir, vérifiez les précisions météo. Et lorsque vous photographiez, assurez-vous de régulièrement analyser la lumière. Prenez des décisions en considérant la couverture nuageuse. (Truc de pro : si vous photographiez rapidement et que le soleil passe rapidement derrière les nuages, pensez à utiliser un mode de prise de vue semi-automatique tel que la priorité ouverture ou la priorité vitesse. Cela vous aidera à garder une bonne exposition même si la lumière change).

4. Régler la balance des blancs sur nuageux ou ombre

Le réglage de Balance des Blancs de votre appareil est conçu pour corriger les dominantes de couleur, mais saviez-vous que vous pouvez aussi l’utiliser pour créer des effets artistiques ? En modifiant vos réglages, vous pouvez par exemple accentuer les tons chauds des Golden Hours.

Les réglages de Balance des Blancs nuageux et ombre ajoutent de la chaleur dans vos photos. N’ayez pas peur de les utiliser pour renforcer le superbe rendu de cette heure « magique ». (Et si vous oubliez d’appliquer ces réglages à la prise de vue, vous pouvez toujours les ajouter en post-traitement).

5. Photographier à grande ouverture

Les lumières des Golden Hours peuvent créer d’incroyables flous d’arrière-plan (bokeh). Mais il vous faut utiliser de grandes ouvertures, telles que f/1.8, f/2.8 ou f/4 (qui nécessite un objectif plus lumineux, là, l’utilisation d’une focale fixe peut être un meilleur choix).

Une grande ouverture de diaphragme, combinée aux tons jaunes, rouges et oranges éblouissants de l’heure dorée, produira une toile de fond exceptionnelle.

6. Ne pas arrêter de photographier

Pendant la Golden Hour, le soleil se couche… et comme le soleil descend sur l’horizon, la lumière change constamment.   

Les lumières au début des Golden Hours peuvent être très différentes de celles de la fin de cette période. Donc, une fois que vous prenez votre appareil photo en main, n’arrêtez pas de déclencher tout au long de cette phase. Observez minutieusement la qualité de la lumière et essayez de savourer chaque nouvel instant.

7. Essayer différents angles et positions

Les flares, les couleurs et l’intensité de la lumières sont tous influencés par la façon dont vous positionnez votre objectif.   

Alors, expérimentez constamment. Essayez autant de positions et d’angles qu’il est humainement possible. Pour exploiter les Golden Hours au maximum, jouer avec la lumière autant que vous le pouvez.

8. Sous-exposer légèrement pour ajouter plus de vibrance

Saviez-vous qu’il est plus difficile d’assombrir une photo surexposée que d’éclaircir une photo sous-exposée ? C’est bien réel. Il est assez facile de récupérer les détails perdus dans une image trop sombre. Mais si vous surexposez fortement, vous perdrez beaucoup de détails. De plus, les images plus claires ont tendance à paraître délavées.

Donc, si vous voulez garantir un maximum de détails, et que vous souhaitez apporter une belle vibrance à vos levés et couchés de soleil, n’ayez pas peur de sous-exposer légèrement à la prise de vue.

9. Explorer la photographie HDR

La photographie HDR (High Dynamic Range) implique de capturer plusieurs images d’exposition différentes et de les superposer en post-traitement. L’idée est de préserver les détails dans les ombres et dans les hautes lumières. Les résultats peuvent vraiment être incroyables !

Petite astuce, assurez-vous d’utiliser un trépied et si vous photographiez des personnes, veillez à ce qu’elles restent le plus statiques possible. Sinon, lorsque vous assemblez les images un mouvement excessif peut causer des soucis d’assemblage.

10. Expérimenter en post-traitement

Vous avez eu une série de trucs et astuces pour vous aider à obtenir de bons résultats lors de la prise de vues. Mais une bonne partie de la magie s’opère à l’arrière-plan, lors du post-traitement.

Alors, utilisez votre logiciel de post-traitement préféré pour améliorer les couleurs de vos images. Amusez-vous à faire ressortir les teintes et ajouter des nuances de couleurs élaborées.

Pour résumer

Qu’est-ce qui est si spécial à propos des heures dorées ?
Les Golden Hours se caractérisent par un soleil bas qui produit des lumières douces, chaudes et flatteuses. Les heures dorées sont une excellente façon de capturer de superbes silhouettes, de jolis effets de flare, de magnifiques paysages, d’étonnants portraits et encore plus !

A quel moment capter les Golden Hours ?
Les Golden Hours changent tout au long de l’année. En général, elle se présente à l’heure qui suit le levé du soleil et l’heure qui précède son couché. Mais en fonction de votre emplacement sur la planète, ce peut être à midi ou à minuit.

L’heure dorée dure-t-elle vraiment une heure ?
Pas nécessairement. A certains endroits, en général plus proche de l’Équateur, la Golden Hour dure une heure. Mais dans d’autres zones géographiques, telles que l’Alaska, les Golden Hours durent beaucoup plus longtemps !

Quelle est la différence entre l’heure dorée et l’heure bleue ?
Les Golden Hour font référence aux heures juste avant le couché du soleil et juste après le levé, alors que la Blue Hour fait référence à l’heure après le couché du soleil et celle avant son levé.

Les Golden Hours sont remplies de possibilités illimitées et vous n’aurez jamais deux fichiers qui se ressembleront. Alors, sortez lors de ces heures dorées et faites le plein de photos. Comment pensez-vous utiliser les Golden Hours ? Quels sujets allez-vous photographier ? Partagez vos avis et vos images en commentaire ci-dessous.

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Ci-dessous, je partage tout ce que vous avez besoin de savoir à propos des filés, dont des trucs et astuces et pas mal d’exemples en images. Une fois votre lecture terminée, tout ce qu’il vous restera à faire, c’est de pratiquer. Et avec un peu de persévérance, vous créerez des photos surprenantes.
Allons-y !

Qu’est-ce que le filé en photographie ?

Le filé est une technique où vous déplacez l’appareil photo au moment où vous poussez sur le déclencheur. Les photos qui en résultent ont comme caractéristique principale d’avoir un flou strié ou longitudinal

Le filé horizontal est le technique la plus commune, mais vous pouvez aussi opter pour des mouvements vers le haut ou le bas, et même en diagonal. Notez que les images de filé concernent généralement les sujets en mouvement, tels qu’une voiture, un cycliste, un coureur ou un animal en action. De cette manière, le photographe peut suivre le mouvement du sujet avec son appareil, et alors que l’environnement deviendra flou, le sujet lui, restera net.

Maintenant, il faut savoir que tous les mouvements d’appareil photo ne produiront pas nécessairement un effet de filé créatif. Et même si vous réussissez à capturer un flou intéressant, votre sujet peut ne pas être net. Pour un résultat optimal, vous devez combiner une technique soignée avec des réglages spécifiques de l’appareil, dont je vous parle plus loin dans cet article.

Quand devriez-vous utiliser le filé ?

Le filé est une super technique pour capturer des images artistiques de sujets en mouvement. C’est aussi un excellent moyen de transmettre le mouvement. En plus, c’est juste vraiment, vraiment cool ! Donc, je vous encourage à l’essayer lorsque vous êtes face à un sujet raisonnablement rapide et se déplaçant dans des directions prévisibles, tels que :

• Une voiture descendant une route
• Des oiseaux volant dans le ciel
• Un joggeur courant sur un trottoir
• Des animaux sauvages dans leur course effrénée
• …

Le filé est particulièrement pratique quand la lumière diminue et vous galérez pour capturer des images nettes de la manière conventionnelle. Si vous photographiez des oiseaux en vols au crépuscule, vous pouvez être limité à une vitesse d’obturation de 1/80s (voir 1/60s), ce qui donnera une image floue « classique » mais qui est la vitesse parfaite pour créer une photo de filé exceptionnelle. Ça a du sens pour vous ?

Maintenant, la photographie de filé implique beaucoup de déchet (photos loupées), même si vous gagnez en expérience. Donc, si vous n’avez qu’une chance de prendre votre sujet en photo (par exemple un oiseau rare qui s’envole), c’est souvent préférable de réaliser une image normale et laisser les filés pour un autre jour. Et parce que le filé produit des images intensément artistiques, ce n’est pas toujours idéal pour plus d’efforts journalistiques (par exemple si vous photographiez un match de basket ou une remise de récompenses pour un journal).

Encore une petite chose, pour capturer une superbe photo de filé, le sujet doit se déplacer devant vous, de manière adjacente. Pas directement en s’approchant ou en s’éloignant de vous. Dans ce cas, vous n’aurez pas l’occasion de faire bouger votre appareil, ce qui est la clé de la technique du filé. Et dans ce cas, votre sujet sera simplement flou.

Comment faire des photos de filé : réglages et technique

Le filé, ça commence avec un sujet en mouvement. Pour la partie apprentissage de la technique, je recommande de photographier des voitures. Elles sont faciles à trouver, leur mouvement est prévisible et elles bouge plutôt vite (vous aurez donc de quoi bien vous exercer). Avec le temps, vous pourrez passer à des sujet plus difficiles tels que les sportifs, la vie sauvage et les oiseaux.

Trouvez un lieu avec plein de sujets potentiels et entrer vos réglages dans l’appareil. Chaque situation est différente et les résultats dépendront de la vitesse de votre sujet. Mais voici mes recommandations de base :

• Mode de prise de vues : Priorité Vitesse ou Manuel
• Vitesse d’obturation : 1/60 de seconde
• Ouverture du diaphragme : f/8 ou plus
  (assez flexible, dépendant des conditions de lumière)
• Sensibilité : 100 ISO
• Mode Autofocus : AF-C/AI-Servo ou Manuel

Une fois que votre sujet est à quelques dizaines de mètres de distance, regardez dans le viseur et suivez son mouvement avec votre objectif. N’attendez pas qu’il soit juste devant vous, commencez à le suivre dès que possible. Plus vous commencez le filé tôt, plus vous serez à même de juger la vitesse de votre sujet pour vous adapter à celle-ci.

Lorsque le sujet s’approche de votre position, déclenchez plusieurs fois. (Plus vous avez d’images, plus vous augmentez vos chances d’en avoir une excellente !). Et continuez à suivre le sujet avec votre objectif même s’il s’éloigne. Même si ça n’en a pas l’air, ce suivi est important. Enfin, jetez un œil à vos images sur l’écran de votre appareil photo. Faites les ajustements de vitesse d’obturation et d’exposition nécessaires et recommencez !

Trucs pour les photos de filés

Maintenant que vous connaissez les bases du filé photographique, vous êtes prêts pour quelques astuces et techniques plus avancées :

1. Pour plus de succès, utilisez le mode rafale

Le mode rafale vous permet de capturer plusieurs photos en une fraction de seconde. Et c’est incroyablement pratique pour la photographie de filé. Comme je m’ai mis en évidence plus haut, plus vous avez de clichés, il est plus probable que vous ayez quelque chose de réussi. Donc, avant de commencer vos filés, passez votre appareil photo en mode rafale. (Si vous n’est pas sûr de la manière de changer ce réglage, allez voir dans le manuel utilisateur).

Alors, quand arrive le moment de déclencher, maintenez le déclencheur enfoncé tout le temps que vous suivez votre sujet et jusqu’à ce qu’il soit trop loin. Votre appareil fera plusieurs photos. Et vous finirez avec un paquet de fichiers à trier. Certains d’entre eux seront excellents (avec un peu de chance).

En plus, pour augmenter le nombre de chances d’avoir un bon résultat, le mode rafale vous évite de devoir appuyer plusieurs fois sur le déclencheur, ce qui réduit le « bougé » de l’appareil au minimum.

2. Expérimentez différentes vitesses d’obturation

Le filé dépend essentiellement de votre vitesse d’obturation. Utilisez une vitesse trop rapide, vous obtiendrez une photo bien nette avec aucun effet de flou. Dans l’autre sens, une vitesse trop lente, votre photo aura un sujet flou et méconnaissable.

Malheureusement, il n’y a pas de solution unique et miracle pour choisir sa vitesse d’obturation. Alors qu’1/60s est une bonne base de démarrage, des sujets plus rapides auront besoin de vitesse d’obturation plus rapides également. De même, pour des sujets plus lents, une vitesse plus lente fonctionnera. Pour un joli filé d’une voiture de course, vous pourriez choisir une vitesse de 1/125s. Pour le même effet avec un coureur, 1/30s est un meilleur choix.

Il est donc important d’expérimenter constamment. Et après chaque série de photos, analysez les résultats sur l’écran de votre appareil. Si le sujet semble trop net, réduisez la vitesse. A l’inverse, si le sujet est trop flou, augmenter la vitesse d’obturation.

Et lorsque vous avez une photo réussie, mémorisez vos réglages sujet-vitesse. De cette manière la prochaine fois que vous aurez ce type de sujet, vous saurez quoi faire.

3. Réglez votre appareil sur le mode Priorité Vitesse

Dans une section précédente, je mentionnait que vous deviez utiliser le mode de prise de vues Manuel ou Priorité Vitesse pour faire des filés. Personnellement, je suis un grand fan des modes Priorité, ici Priorité Vitesse. Voici pourquoi :

Le mode Priorité Vitesse vous permet de sélectionner le vitesse d’obturation pendant que l’appareil choisi l’ouverture adéquate. En d’autres mots, il vous laisse vous concentrer sur le réglage le plus important (la vitesse d’obturation), laissant le reste géré par l’appareil. (Vous pouvez aussi régler la sensibilité, même si je recommande généralement de la mettre à 100 ou 200 ISO et l’oublier sauf s’il fait très sombre).

La Priorité Vitesse est particulièrement utile quand on photographie en conditions de lumière variables. Si vous photographiez des voitures ou des motards entrant et sortant de l’ombre, le mode Priorité Vitesse gardera une exposition correcte tout en maintenant la vitesse d’obturation constante. Mais si vous étiez en mode Manuel, vous devriez constamment adapter l’ouverture pour obtenir une bonne exposition et vous manqueriez pas mal d’opportunités dans le processus.

4. Utilisez un trépied

C’est tout à fait possible de réaliser des filés à main levée et cela vous donnera parfois de bons résultats. Mais il y a une chose à savoir :

Photographier à main levée avec une vitesse d’obturation lente peu engendrer un léger mouvement de l’appareil qui entrainera un flou de bougé (indésiré). Sans parler du mouvement induit de l’appareil vers le haut ou vers le bas. Donc pour s’assurer de capturer régulièrement des bons filés, je vous encourage à installer votre appareil sur un trépied (ou monopode).

Vous devez choisir votre tête de trépied avec attention, certaines têtes sont spécifiquement étudiées pour les filés « réguliers » alors que d’autres têtes feront aller votre appareil dans tous les sens. (A ce propos, pensez à l’objectif que vous utilisez. Certains objectifs sont équipés d’une stabilisation d’image pour les filés. Si vous avez ce genre d’option, je vous recommande vivement de la tester !)

5. Faites la mise au point avec précision

Lorsque vous faite du filé, votre sujet bougera rapidement à travers la scène. Il est donc essentiel de bloquer la mise au point rapidement et de façon précise.

Il y a deux manières pour faire apparaître le sujet net tout en ayant l’arrière-plan en mouvement :

1. La technique de l’autofocus : si vous débutez avec la photographie de filé ou si vous ne pouvez pas anticiper la distance du sujet par rapport à l’appareil, utilisez l’autofocus. Pour être sûr de la précision de mise au point sur votre sujet, basculez votre appareil en mode d’autofocus continu (AF-C ou AI-Servo). Cela indique à votre appareil d’adapter continuellement la mise au point sur le sujet tant qu’il se déplace dans le cadre. Commencez la mise au point sur votre sujet lorsqu’il est loin et garder le collimateur placé sur le sujet tout en déplaçant l’appareil pour suivre votre sujet.
   
2. La technique de la mise au point manuelle : Si vous êtes certain de la distance à laquelle votre sujet va passer (par exemple qu’une voiture va passer sur une certaine bande de la route), alors je vous recommande la mise au point manuelle. Identifiez où passe votre sujet et faites ma mise au point à cet endroit à l’avance. Vous ne devez plus vous préoccuper de bloquer ou maintenir une mise au point. Lorsque votre sujet passera, vous n’avez plus qu’à le suivre et déclencher pour une série de photos en rafale.

Et rappelez-vous, peu importe le mode de mise au point que vous choisissez, réglez votre appareil sur le mode rafale et maintenez le déclencheur enfoncé en suivant le sujet.

6. Placez-vous correctement

Pour donner à votre objectif assez d’espace pour faire la mise au point, assurez-vous de garder suffisamment de distance entre votre appareil photo et le sujet en mouvement. Si vous vous placez trop près du sujet, votre objectif peut galérer (ou foirer) pour faire la mise au point, même si vous utilisez la mise au point manuelle décrite plus haut. (Pourquoi ? Tous les objectifs ont une distance de mise au point minimum. Une fois qu’un sujet se déplace sous cette distance, la mise au point devient impossible).

De plus, c’est très difficile de garder le sujet dans le cadre lorsqu’il est grand et proche. Alors, faites un pas ou deux en arrière et assurez-vous que vous avez assez de recul pour capturer une belle photo. Aussi, quand vous sélectionnez votre emplacement, choisissez un chouette arrière-plan. Ne vous mettez pas n’importe où. A la place, bougez jusqu’à trouver un fond qui mette votre sujet en valeur.

Personnellement, je pense que les photos de filé sont plus attrayantes quand il y a un super contraste sujet/arrière-plan et qu’il y a un fond avec au moins deux couleurs (ou plus). Alors l’arrière-plan donne un contexte et aide à planter le décor.

Cela dit, vous pouvez aussi créer de jolis clichés de filé avec un fond uni (par exemple de arbres verts). Évitez juste les arrière-plan trop chargés, vous voulez un fond qui renforce ou mette en valeur le sujet, pas qui le remplace ou le face disparaître.

Pour aller plus loin… le filé artistique

Il existe d’autres applications pour la photo de filé : la photo de filé artistique ou abstraite. Dans cette catégorie, il y a entre autre les filés d’arbres dont je vous ai déjà parlé. Mais également les filés abstraits dont voici deux exemples.

Comment maîtriser la photographie de filé : Conclusion

Maintenant que vous avez fini de lire cet article, vous devriez être bien préparé pour capturer de superbes photos de filé. Alors, sortez avec votre appareil photo. Pratiquez cette technique. Et amusez-vous !

Maintenant à vous
Avez-vous essayé la technique du filé avant ? Avez-vous des photos dont vous êtes particulièrement fier ? Si oui, partagez-les sur le groupe Facebook avec le #filé_initiationphoto

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Être photographe, que ce soit en tant qu’amateur, en tant que professionnel ou en tant qu’artiste, c’est bien plus que simplement appuyer sur le déclencheur face à un beau paysage ou pour capturer le regard amoureux d’un couple… dans cet article, je vais donc vous parler du processus photographique .

Analogie à l’argentique

Tout d’abord, je voudrais faire une petite analogie avec la photographie argentique. A cette époque, qui commence à être assez lointaine, il y avait aussi des personnes qui se contentaient d’utiliser un appareil photo Polaroïd et ils avaient leurs photos dans la seconde… mais que pouvait-on faire avec ces photos ? Pas grand-chose, si ce n’est la donner au premier venu, la coller sur son frigo ou l’épingler sur un mur. Par contre, si on voulait aller plus loin, produire des images de qualité pouvant servir pour un tirage papier, un livre, voire une exposition, il devenait nécessaire d’utiliser un appareil photo équiper d’un « vrai » film et de développer (ou faire développer) ses pellicules.

Il en va de même avec le numérique. Il est possible de se contenter des photos au format JPG générées par l’appareil. Ou alors, d’aller plus loin en développant ses photos (fichiers RAW). Souvent, seuls certains initiés savent qu’il existe un format RAW et l’utilisent. L’utilisation d’une photo JPG produite par l’appareil reste limitée. Elle peut être de qualité bien sûr et utilisée pour garder de beaux souvenirs, les partager avec les amis ou la famille. Mais si le photographe veut faire un beau et grand tirage papier, une impression sur tableau en alu Dibond ou sur verre acrylique ou encore s’il veut exposer ses photos, il devra obligatoirement passer par la case de l’editing. C’est-à-dire, trier ses photos, en supprimer, les classer, les post-traiter et inévitablement faire une sélection de ses meilleurs clichés.

Nous verrons toutes les étapes en détails par la suite, mais voyons déjà la liste des étapes du processus photographique pour vous faire une idée.

Le processus complet (ou workflow) en général

Chacune de ces étapes est une compétence qui s’acquiert et se développe avec le temps. Certaines sont plus simples ou plus instinctives, d’autres doivent être apprises ou travaillées. L’ensemble de ces compétences vous permettra de devenir un meilleur photographe tout au long de votre cheminement photographique. Voyons maintenant chaque étape en détail.

1. Choix du sujet

Cette étape de préparation est optionnelle si vous n’envisagez pas de faire des séries ou si vous préférez le côté improvisé de la photo de rue par exemple. Cependant, elle peut-être un plus car le fait de se pencher sur le type et la nature du (ou des) sujet (s) que vous souhaitez mettre en valeur ou traiter dans votre projet vous amènera plus rapidement et plus efficacement vers votre but : avoir des bonnes photos de ce sujet. Pour les séries, c’est une étape inévitable afin de déterminer les paramètres récurrents qui constitueront la série. Le sujet en lui-même bien sûr, mais également les conditions de prise de vues (les longueurs focales, les lieux, les moments spécifiques, les ambiances lumineuses, les compositions,…), ainsi que le style et le rendu (couleur, N&B, traitement personnalisé,…).

Selon ce que le photographe souhaite faire avec ses photos, le choix du sujet, mais aussi de tous les paramètres de prises de vues et de post-traitement, peuvent être réfléchis et définis au préalable. En effet, comme pour une série ou un projet de livre photo, la manière dont les images vont être utilisées peut fortement influencer toutes les étapes intermédiaires. Il est donc bon de se poser pour réfléchir à ce à quoi vos photos sont destinées. Surtout si vous ne voulez pas qu’elles finissent leur vie dans les méandres de votre ordinateur.

2. L’intention

Une fois que le sujet est défini, vient alors l’intention. L’intention, c’est ce que vous voulez montrer, la manière dont vous voulez mettre votre sujet en valeur. Pour le dire de manière encore plus clair (je pense), l’intention c’est de se poser la question de savoir pourquoi vous prenez une photo. Cette étape peut être facilitée par la préparation de votre sortie et après avoir déterminé ce que vous voulez photographier comme je l’ai expliqué dans la première étape. Une bonne façon de connaître son intention avant de prendre une photo est de se demander quel message on veut transmettre et de savoir si ce message est clair et précis lorsqu’on regarde son image.

Voyons quelques exemples qui peuvent illustrer l’intention :

Premier exemple – Transmettre une émotion

Deuxième exemple – Transmettre une sensation ou une impression

Troisième exemple – Transmettre une ambiance ou une atmosphère

3. La composition

Vous en avez certainement déjà tous entendu parler, la composition est la manière dont le photographe agence les éléments dans l’image pour les mettre en valeur. Il y a évidemment le cadrage (horizontal ou vertical) mais également la taille du sujet dans le cadre et surtout sa place, c’est-à-dire l’endroit où il apparaît dans l’image. Selon le sujet, le message à transmettre ou l’importance que l’on veut donner à tel ou tel élément, la manière de composer ne sera pas la même.

L’exemple du passage clouté

Dans l’exemple suivant, on peut voir un sujet commun, un groupe de personnes traversant un passage pour piétons. Le choix du cadrage est totalement différent, ce qui donne des impressions différentes et transmet deux atmosphères particulières.

L’exemple du pêcheur

De même, avec ces trois photos de pêcheur. Les cadrages, l’agencement, la distance et donc la taille du sujet sont très différents, ce qui ne donne pas les mêmes impressions ou ne transmet pas les mêmes messages.

4. La technique

Vient ensuite la technique. En effet, on peut savoir ce qu’on veut photographier et comment on veut le mettre en valeur. Même quel ressenti on veut faire passer au lecteur lorsqu’il regardera notre image. Mais le mettre réellement en image n’est réalisable que si on maîtrise son appareil photo. Savoir quels effets seront générés lorsque l’on ouvre plus ou moins le diaphragme. Lorsque l’on augmente ou réduit la vitesse d’obturation ou lorsque l’on utilise telle ou telle longueur focale, par exemple. Avoir une connaissance de ces aspects permet non seulement d’anticiper les résultats mais également de pouvoir utiliser l’appareil photo de manière créative. Une fois bien maîtrisé, l’outil permet au photographe de retranscrire de la manière la plus fidèle ses idées et ce qu’il a imaginé avant de déclencher.

Premier exemple – Ouverture du diaphragme et profondeur de champ

Deuxième exemple – Vitesses d’obturation (net et flou) 

Troisième exemple – Longueurs focales et angles champ

5. L’instant (du déclenchement)

Avec les appareils numériques on peut déclencher à tout va, ce qui peut être un avantage dans certaines situations. Mais ce qui fait une photo réussie, originale, voir remarquable et inoubliable c’est le moment où elle a été prise. L’instant capturé peut faire toute la différence. Alors, pensez toujours à ce que vous voulez montrer. Imaginez votre image avant de déclencher. Et réunissez toutes les conditions qui vous permettront d’obtenir cette image avant d’appuyer sur le déclencheur.

6. Le transfert des fichiers (organisation)

Ça y est, vous avez fait vos photos, vous êtes satisfait. Vous avez déjà regardé plusieurs fois l’écran de votre appareil tellement vous êtes fier de vos clichés. Mais ce n’est pas fini ! Vous seul pouvez en profiter pour l’instant. Et puis, ce petit écran est-il fiable ? Vos photos sont-elles vraiment nettes, n‘y a-t-il pas des choses à corriger, des photos à supprimer ? Bref, pour faire une sélection efficace et choisir les meilleures images, le meilleur moyen c’est l’écran d’ordinateur. Et un grand de préférence ! Donc, pour cela, il vous faut transférer vos fichiers photo, les copier sur votre ordinateur.

Pour éviter de perdre vos photos, la chose la plus importante est de bien les organiser. De les classer de façon logique et soignée. Ma recommandation est de créer un dossier « Photo(s) » sur le disque dur de votre ordinateur. Ensuite, dans ce dossier vous créez un nouveau dossier pour chacune des sorties ou séances photo que vous faites. Pour retrouver facilement la série de photo que vous cherchez, il y a deux critères indispensables pour nommer ces dossiers. D’un côté la date de la prise de vue et de l’autre le titre ou une courte description de ce que vous avez photographié.

Par exemple, « 220923 – Photos du jour ». Notez que la date commence par l’année, suivie du moi et du jour. La raison de cela est simple, les dossiers sont classés de manière chronologique, par année, puis par mois et enfin par jour. Si vous faites d’une autre manière, tout sera mélangé et vous vous y perdez. Donc, pensez à les nommer de cette manière « AAMMJJ »(Année/Mois/Jour). Voici un exemple…

7. Le tri

Dès que vos photos sont sauvegardées dans un dossier sur votre disque dur, vous pouvez les importer dans votre logiciel de développement (post-traitement) préféré. C’est à ce moment-là que vous devriez commencer à les trier. Personnellement, je commence toujours par faire une première passe pour supprimer toutes les photos ratées ou comportant un défaut trop important. Celles que je suis sûr de ne pas garder. J’en profite pour faire un premier prétraitement pour avoir une idée du résultat final. Mais à cette étape, le but est principalement de réduire le nombre d’images et de ne garder que celles qui pourront être utilisées par la suite. La plupart des logiciels de traitement d’images offrent la possibilité de classer les images (étoiles, couleurs, drapeaux,…). Cela vous permet de rapidement donner plus d’importance à celles que vous allez travailler et sublimer par la suite.

8. Le développement (ou post-traitement)

Vient alors l’étape du développement. Cette étape est également très importante car c’est celle qui va amener le rendu final. Et plus particulièrement votre style à vos images. A ce stade, vous jouer sur les différents paramètres de post-traitement tels que la luminosité, le contraste, la netteté, la saturation, la balance des blancs,… Vous pouvez également recadrer, redresser et jouer sur les perspectives. Le tout pour obtenir des images qui vous ressemblent ou qui correspondent au mieux à ce que vous avez vu ou à ce que vous voulez transmettre.

9. La sélection

Voilà, vos images sont traitées et exportées dans le dossier final sur votre disque dur. Pensez à utiliser le même nom de dossier que pour les fichiers RAW. Il sera d’autant plus simple de retrouver les photos lors du processus photographique et de faire le lien entre les deux dossiers dans le futur. Il faut maintenant penser à sélectionner les photos que vous voulez utiliser. En fonction de l’utilisation que vous voulez en faire, vous pourriez faire des choix différents.

Par exemple, si c’est pour un tirage unique ou un cadre, la sélection ne sera pas nécessairement la même que si vous souhaitez faire une exposition ou un livre photo. Déterminez donc à l’avance, l’utilisation de cette (ou ces) photo(s) avant de commencer la sélection finale. Il arrive parfois que la sélection change ou évolue au cours d’un projet. Raison pour laquelle, il vaut mieux créer un nouveau dossier pour y mettre les images sélectionnées plutôt que de supprimer les photos potentiellement inutilisées.

10. La publication, l’impression, l’exposition

L’étape finale du processus photographique, c’est celle pour laquelle on a le plus de satisfaction au final. La photo imprimée ! La photo « physique » on peut vraiment l’admirer, l’apprécier, la commenter, l’acheter, la publier,… Par expérience, j’ai pu constater qu’une photo imprimée sur papier et posée sur un meuble dans la maison, on la regarde beaucoup plus que si elle reste sur l’ordinateur. J’ai donc décidé il y a quelques temps d’imprimer chaque année une sélection de photos qui me plaisent ou dont je suis particulièrement fier. Ce peut être de simples tirages papier en 10×15 ou 13×18 et parfois des tirages plus grands. A simplement encadrer, ou même sur des cadres en alu Dibond ou en verre acrylique.

Si on a le désir d’aller plus loin, de montrer ses photos au plus grand nombre, on peut opter pour la mise en place d’une exposition qui est également une excellente option de diffusion. Une sélection de 20, 30 ou 50 photos imprimées en 30×45 ou 40×50 et encadrées, exposées dans un lieu qui s’y prête, dans une ambiance cosy, sera du plus bel effet. Une autre option pour toucher plus de monde et garder une trace de votre travail photographique, ce sont les livres photo ou livres d’auteurs. Là aussi, une sélection de vos plus belles photos organisées et imprimées en pleine page dans un beau livre ne laissera personne indifférent.

Conclusion

Quel que soit votre ambition ou vos sujets de prédilection, que vous soyez photographe amateur, professionnel ou artiste, gardez à l’esprit que si vous souhaitez évoluer en photographie et un jour publier vos photos, il est important de considérer le processus photographique dans son ensemble… alors pourquoi ne pas commencer maintenant ?

Chaque étape a son importance et a une influence sur le résultat final et la qualité de ce que vous montrez et diffusez. Même sur le net ! Et vous où en êtes-vous ? Considérez-vous toutes ces étapes ou préférez-vous vous contenter de ce que votre appareil vous donne ? Et pourquoi ?
Dites-moi tout en commentaire ci-dessous.

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Dans cet article, je partage plusieurs astuces clé pour choisir les bons vêtements pour des séances photo. Je vous donne également une série d’idées et d’exemples. De cette façon, si vous bloquer sur le choix de la tenue idéale, vous pouvez toujours revenir à ma liste d’inspiration.

NOTE : Le client joue le rôle le plus important dans chaque shooting, raison pour laquelle je propose mes conseils vestimentaires. Mais je m’assure que leur choix de tenue s’accorde avec leurs préférences. Je demande toujours à mes clients de m’envoyer quelques tenues qu’ils ont choisi avant le jour du shooting. Et je leur donne mon avis et mes suggestions. Mais je ne les oblige jamais à s’habiller avec une tenue dans laquelle ils ne se sentent pas à l’aise !

Comment choisir une tenue pour une séance photo : astuces rapides

Dans cette section je partage mes meilleurs astuces pour conseiller les clients sur leur choix de vêtements.

1. Adaptez la tenue au type de shooting

Chaque type de séance photo est différent. Et différents shooting demandent des tenues différentes ! Un shooting corporate peut exiger une tenue plus formelle, alors qu’une séance couple est souvent moins formelle. Une séance famille, quant à elle, se fait plutôt dans un style assez décontracté. Donc, veillez à toujours garder à l’esprit le type de séance que vous envisagez lorsque vous conseillez vos clients sur les tenues à porter. Si vous n’êtes pas familier avec les différents types de séances, voici une liste relativement compréhensible :

• Famille (famille proche, peut-être avec un couple de grand-parents en plus)
• Enfants (juste les enfants, parfois avec les cousins-cousines en plus)
• Frères et Sœurs
• Couple et Engagement (avant mariage)
• Naissance ou bébé
• Anniversaire, Saint-Valentin, Noël,…
• Clan (plus grande famille, incluant plus de membres ou plusieurs familles ensemble)
• Lifstyle (en général moins formelle)
• Portrait (souvent plus formelle)
• Corporate

Une fois que vous validez une séance et déterminez le type de shooting que votre client souhaite, il peut être bon de faire une petite recherche. De regarder des images prises par d’autres photographes. Et vous demander comment les tenues affectent l’ambiance générale de l’image et comment elles s’alignent avec la demande du client.

Si vous n’êtes pas totalement sûr de ce que vos clients attendent, demander leur, ou au moins ayez une petite discussion avec eux à ce propos. Sont-ils intéressés par une séance formelle ? Ou préfèrent-ils des images plus décontractées ? Par exemple, les clients peuvent avoir des idées assez variées du sérieux d’une séance portrait. Il est donc bon de clarifier la confusion dès le départ.

2. Pensez au type de client

De mon expérience, les clients font en général partie d’une de ces deux catégories : stylé ou décontracté.
Les clients stylés aiment penser à chaque détail de leur séance, incluant :

• Le look et le sentiment qu’il veulent transmettre
• La couleur principale, le lieu et les accessoires qu’ils souhaitent utiliser
• Le maquillage, les coiffures,…
• Le résultat de leur shooting et ce qu’ils feront des images (impression,…)

Les clients décontractés, eux, veulent juste capturer des souvenirs. Généralement, ils espèrent porter leurs vêtements habituels et mettre en valeur leurs interactions familiales. Ils ne sont pas préoccupés par le lieu ou les vêtements. Ils veulent de belles photos d’eux ou de leur famille. Et ils prévoient simplement de garder les fichiers numériques en sécurité sur un disque dur (qu’ils pourront imprimer au besoin).

Cependant, il est important de discuter des tenues de la séance photo avec les deux types de clients. Les clients « stylés » ont tendance à avoir des préférences précises mais à moins qu’ils soient photographe de portrait, ils ne peuvent pas réaliser ce qui fonctionne ou non. Pour capturer les meilleures images, vous devez donc travailler avec eux et les guider dans la bonne direction.

Alors que les clients « décontractés » peuvent souhaiter porter leurs vêtements de tous les jours. Il est donc aussi important que vous les aidiez à décider de la meilleure de ces tenues. Si la séance inclut plusieurs personnes, vous souhaitez qu’elles soient accordées. Et si vous faites une séance photo avec une seule personne, la tenue doit s’accorder avec le sujet et son environnement (et certainement pas distraire le lecteur !).

3. Choisissez un thème spécifique

Certains clients aiment faire des séances photo à thèmes alors que d’autres non.  Mais si vous avez des clients qui espèrent des photos sur un thème particulier alors vous devez vous assurer qu’il est spécifique et choisir des tenues adaptées.

J’encourage toujours mes clients avoir un thème précis. Un thème « glamour » et plutôt vague alors que « forêt enchantée » et beaucoup plus clair et réalisable.  Il est aussi important de garder les choses simples à travers le thème choisi, nous vous éparpillés pas trop avec des maquillages, des vêtements ou des accessoires trop complexes.  Pour moi, un thème donne juste un contexte. L’élément principal de la séance photo et de s’assurer que le client présente bien,  est naturel  et aime ce qu’il dégage sur la photo.

La simplicité est le maître mot !

4. Considérez le lieu

Quand vous choisissez les tenues pour la séance, il est important de penser à l’endroit de la prise de vue, parce que des lieux différents offrent des couleurs différentes textures et des éclairages qui peuvent mettre les tenues en valeur (où les massacrer). Si vos clients ont des préférences vestimentaires strictes, le mieux est de commencer par le choix vestimentaire, et décider de l’endroit en second lieu. Si les tenues choisis sont plus complexes, un endroit qui propose un arrière-plan simple sera le mieux. Cependant si vos clients son moins intéressé par le choix des tenues, commencer par le choix du lieu peut avoir du sens et déterminé le chant vestimentaire par la suite.

Si vous photographier dans un lieu  chargé (par exemple une ville ou un marché),  où vous ne pouvez pas éviter d’être entouré par des gens,  je vous suggère de choisir des tenues uni et sans motif. Cela aide vos clients à être bien visible malgré l’environnement charger. (quand je photographie dans ce genre d’endroit, je favorise l’utilisation d’une grande ouverture ou une faible vitesse pour rendre l’arrière-plan flou tout en gardant le sujet net).

Par contre, si l’endroit est un parc, vous pouvez trouver des coins calmes avec des arbres, des feuillages, ou un ciel uni en arrière-plan, alors vos clients peuvent porter des tenues fleuries ou plus bariolées.

Pour un look encore plus raffiné, augmentez l’ouverture du diaphragme de manière à obtenir une profondeur de champ réduite et un joli flou d’arrière-plan (bokeh !).  Si vous photographier dans une zone vide ou unie, vous pouvez aussi créer des silhouettes avec vos modèles. Cela fonctionne bien si vos clients portent des vêtements similaires (par exemple des vestes simples).

Voici quelques autres endroits qui peuvent bien fonctionner comme arrière-plan :

• un mur de brique (ou n’importe quelle surface texturée)
• de larges peinture murale
• des arches, des coins
• un vieux bâtiment
• une rangée de pilier

Et rappelez-vous qu’il est important de maximiser le contraste entre les tenues et  l’environnement.  En d’autres mots, favorisez les vêtements unis dans les endroits chargés et des vêtements « bariolés » dans des lieux plus calmes et plus vides. Est-ce que cela a du sens ?

5. N’oubliez pas la période de l’année ou la saison

Ce truc-ci est plutôt évident :  veillez à ce que la tenue de la séance photo soit en accord avec la saison !  Vous ne voulez pas que vos clients passent la session entière à grelotter ou à transpirer. J’encourage mes clients à apporter une tenue de rechange dans le cas où il voudrait changer de style pendant la séance.  Certains le font, d’autres pas. Selon l’endroit, la météo peut changer très rapidement et de façon conséquente. En automne et au printemps,  vous pouvez parfois avoir les quatre saisons sur une seule journée, il peut donc être utile d’avoir plusieurs autres tenues sous la main.

J’encourage aussi mes clients à mettre plusieurs couches. Si le soleil pointe le bout de son nez, ils doivent juste enlever une couche. Et si le vent monte, ils peuvent simplement en rajouter une. Vous pouvez aussi apporter quelques accessoires portatifs pour le cas où il y aurait une météo intéressante, tel que de la pluie ou de la neige. Des photos sous un parapluie donnent souvent très bien !

6. Considérez votre propre style

Avez-vous votre propre style, un style cohérent ? Par exemple, capturez-vous des portraits sombres, dramatiques ?  Des photos lumineuses, aérées ?  Des clichés audacieux, glamours ?

Même si je ne pense pas que vous devriez être trop obsédé par le fait de garder un style spécifique, il peut être utile d’encourager vos clients à s’habiller d’une manière qui correspond avec votre style.  Malgré tout n’insistez pas, c’est le choix du client, pas le vôtre… mais si vous avez l’opportunité de capturer des images en accord avec votre vision créative, allez-y !

Si votre client est résistant à vos idées, c’est OK. Laissez-le prendre la décision finale. Vous pouvez toujours refuser de travailler avec lui. Mais même si une personne n’est pas votre client idéal, il aime vos photos et il est prêt à payer pour votre travail. Voulez-vous vraiment refuser ?

Quoi porter : conseil général pour la tenue

Maintenant que vous êtes familiers avec les différents éléments à considérer lorsque vous conseillez vos clients sur les tenues à porter, voici mes conseils généraux :

• Le classique c’est bien. Difficile de se tromper avec des tenues et des couleurs intemporelles : chinos, kakis, beiges et bleus, teintes nature, pastels, chemises et robes simples.
• Les fleurs et les imprimés sont sympas. Si vous travaillez avec un arrière-plan simple, essayez de ne choisir que des fleurs ou même un mélange éclectique d’imprimés et de motifs. Associer des imprimés à des rayures peut aussi parfois fonctionner.
• Utilisez un mélange de couleurs assorties. Gardez les couleurs harmonieuses, mais évitez les correspondances parfaites d’un sujet à l’autre (c’est-à-dire que toute la famille ne s’habille pas en chemises blanches et en jeans). Évitez les contrastes tels que le vert et le rouge ou le jaune et le violet. Au lieu de cela, essayez de combiner des tons chauds (jaunes, oranges, roses, rouges et même des verts chauds) et des tons froids (bleus, violets et verts standard). Une explosion de couleurs vives pourrait également fonctionner, bien que vous deviez la photographier sur un arrière-plan ou un décor uni.
• Gardez les vêtements cohérents. Si vous photographiez des couples ou des portraits de groupe, évitez les différences extrêmes d’un sujet à l’autre. Vous ne voulez pas capturer une personne avec un pull tricoté décontracté et l’autre avec une robe soyeuse. Un contraste aussi important peut être choquant ! Le noir et blanc est une autre combinaison intense à moins qu’elle ne soit intentionnelle.

Combinez les sombres et les clairs. Si vous photographiez des adultes et des enfants, assurez-vous que les adultes portent des vêtements sombres tandis que les enfants s’habillent de vêtements clairs ou lumineux. Faites-le dans l’autre sens et les adultes domineront la scène tandis que les enfants disparaîtront.

Vêtements pour une séance photo : le mot de la fin

Nous avons tous nos propres préférences et styles personnels, mais j’espère que cet article vous a été utile ! Déterminer les vêtements parfaits pour une séance photo peut être difficile, mais avec un peu de pratique, vous deviendrez un expert.

Maintenant à vous

Quel type de vêtements comptez-vous utiliser pour votre prochaine séance photo ? Partagez votre opinion dans les commentaires ci-dessous !

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Vous allez surtout découvrir :

• Comment guider le lecteur dans la scène (et lui donner l’envie d’en vouloir plus).
• Comment placer votre horizon pour un maximum d’équilibre et de dynamique.
• Une astuce simple pour des clichés de paysage minimalistes.
• Une technique sympa pour capter le lecteur exactement à l’endroit où vous le souhaitez.
• Et plus encore…

Donc, si vous êtes prêt à amener vos compositions de paysage au niveau supérieur, allons-y, commençons avec ma première technique la plus utile

1. Inclure un sujet principal pour engager le lecteur

Pour instantanément monter de niveau avec vos compositions de paysage, vous devriez commencer par inclure un sujet clair et identifiable dans chacune de vos photos. Le sujet peut être n’importe quoi, un caillou, une montagne, une rivière, un coquillage sur une plage, des vagues qui s’écrasent sur la côte, un éclair dans le ciel.

Le truc est d’inclure au moins un élément sur lequel le lecteur puisse s’accrocher, quelque chose qui les capte, qui les aspire dans le cadre et attise leur intérêt. Sans quoi, votre lecteur sera confus. Ils ne sauront pas où regarder et passeront à une autre image sans revenir à la vôtre… ce qui n’est pas votre but en tant que photographe !

Ici, le sujet principal est la tente, c’est ce qui attire l’attention du lecteur.

Est-ce bien d’inclure plusieurs points d’intérêt ? Absolument ! En fait, de nombreux photographes de paysage actuels se spécialisent dans le fait d’introduire un sujet à l’avant plan et un autre à l’arrière-plan dans une seule image (plus à ce sujet plus loin dans l’article). Mais attention de ne pas incorporer trop de sujets ce qui pourrait perdre le lecteur dans sa lecture de votre photo. Dans le doute, la simplicité reste toujours la meilleure solution.

2. Considérer l’intérêt de l’avant-plan pour créer de la profondeur

La plupart des photos de paysage, même les plus médiocres incluent un point d’intérêt dans l’arrière-plan, tel qu’une montagne distante, un couché de soleil dramatique ou une maison sur une falaise. Mais si vous souhaitez réellement des photos de paysage d’un niveau supérieur, je recommande fortement d’ajouter un point d’intérêt dans l’avant plan. Il devrait se situer quelque part entre votre appareil et l’arrière-plan.

Ceci est un outil puissant, particulièrement utilisé par les photographes de paysage professionnels du moment. Et pourquoi cette technique est-elle si populaire ? Simplement parce qu’elle permet de créer une illusion de profondeur dans la scène. Par exemple, une photo d’une montagne éloignée peut paraître attrayante mais souvent elle apparaît plutôt plate. Mais ajouter un sujet comme une barrière ou un pont proche de l’appareil et ça approfondit immédiatement l’ensemble de la composition. Le lecteur se concentre d’abord sur la barrière de l’avant plan, bouge ensuite vers le plan médian et fini par voir les superbes montagnes du fond (arrière-plan).

Donc la prochaine fois que vous rencontrez un magnifique sujet d’arrière-plan, comme les montagnes que j’ai mentionné plus haut…

… prenez un moment pour observer les points d’intérêt potentiels dans l’avant plan. Combinez ensuite ces deux parties en une seule photo. Notez que le point d’intérêt de l’avant plan peut être un sujet discret, comme un carré d’herbe. Ou simplement quelque chose qui peut guider l’œil dans le cadre, comme nous le verront au point 6 de cet article.

3. Utiliser la règle des tiers pour positionner les éléments principaux

La règle des tiers est un de mes outils de composition favoris en photographie de paysage. C’est une excellente manière de débuter avec la composition qui vous donnera une façon d’organiser facilement les éléments clé dans votre cadre. Dont votre sujet principal, votre horizon et les autres éléments qui permettront de renforcer le tout.

Pour celles et ceux qui ne sont pas familiers avec elle, la règle des tiers vous dit de partager votre composition en tiers verticaux et horizontaux de manière à obtenir une grille de neuf zones rectangulaires. Pour des compositions plus puissantes, vous devriez placer les éléments principaux de votre composition sur ces lignes, ou mieux encore (quand c’est possible) sur les points d’intersection.

Cela entre souvent en jeu lorsqu’on utilise les lignes d’horizon. Plutôt que de placer l’horizon pile poil au centre du cadre, vous pouvez le mettre le long d’une ligne de tiers (ou ligne de force). La ligne de tiers supérieure si vous avez un avant plan particulièrement intéressant. La linge de tiers inférieure si vous avez un ciel coloré ou dramatique. Pour l’image ci-dessous, le ciel était coloré et intéressant mais montrer le contexte et l’environnement si particulier de la Toscane était plus important.

Vous pouvez aussi utiliser la règle des tiers pour positionner votre sujet principal. En le plaçant le long d’une des lignes de tiers verticales, ou mieux encore sur un point fort (intersection de deux lignes de force).

Un petit mot d’avertissement cependant. La règle des tiers est une technique utile mais malgré son nom ce n’est pas une règle de composition « ultime » pour paysage. Plutôt un guide, donc vous ne devez pas l’utiliser systématiquement. Alors, utilisez-la lorsque ça fonctionne et contournez-la quand ce n’est pas le cas. Ça a du sens pour vous ?

4. Utiliser les cadres naturels pour guider le regard du lecteur

Comme nous l’avons vu plus haut dans cet article, les points d’intérêt dans l’avant plan sont une très bonne manière de donner de la profondeur aux compositions de paysage. Cependant, parfois vous rencontrez des éléments de premier plan qui ne peuvent pas tout à fait fonctionner comme un élément de composition discret. Mais il pourrait être utilisé au bord de votre cadre pour créer un cadre dans le cadre.

Cette technique photo de cadrage pour les paysages consiste à inclure des éléments tangents au(x) bord(s) de l’image et de les utiliser pour diriger le regard du lecteur vers les points d’intérêt du plan principal ou de l’arrière-plan. Dans l’exemple ci-dessous, le regard est guidé vers le phare de l’arrière-plan grâce aux rochers de l’avant plan.

Vous pouvez aussi utiliser des branches surplombant la scène majestueuse ou un tunnel de pierres menant vers un coucher de soleil.

Dans les grands espaces, trouver des cadres peut être difficile. Mais si vous photographiez dans un paysage plus chaotique, vous pouvez souvent trouver des arbres ou des rochers pour créer un cadre. En fait, ce sont souvent ces cadres simples qui font passer une bonne composition au niveau supérieur. Ils aident le lecteur à se concentrer sur un endroit de l’image en lui montrant exactement où regarder. Et lorsqu’ils sont positionnés avec soin, ils peuvent également bloquer les éléments gênants.

5. Faire usage (abusif) des espaces négatifs pour créer des paysages minimalistes

De nos jours, le minimalisme fait fureur en photographie de paysage. Mais comment ça fonctionne ? Pour commencer, il faut trouver une scène pleine d’espace négatif. L’espace négatif fait référence à une composition vide, comme une grande zone de ciel bleu, une énorme étendue d’herbe verte, une plage lisse et stérile,…

Ensuite, cherchez un petit sujet isolé et paraissant seul, comme un arbre dans un champ, un rocher sortant d’un paysage plat, ou le plus souvent, une personne. Et pour finir, placez votre sujet isolé de manière à ce qu’il soit petit dans le cadre et entouré de cet énorme espace négatif. Dans ce cas, il est souvent pertinent de briser la règle des tiers. Plutôt que de mettre votre sujet sur un point fort (point d’intersection de la règle des tiers), vous pouvez le placer proche des bords du cadre, ce qui renforcerait l’impression de vide.

Vous obtiendrez une photo accrocheuse, à la fois contemporaine et intemporelle.

6. Utiliser les lignes directrices pour aspirer le lecteur dans la scène

Les lignes directrices sont les lignes qui guident le lecteur à travers la scène. Généralement, elles démarrent dans l’avant plan de la composition et partent loin, loin, loin… jusqu’à atteindre un sujet éloigné de l’arrière-plan. Dans la photo ci-dessous, la route agit comme une ligne directrice, qui nous emmène vers cette grosse montagne volcanique.

La route n’est pas un sujet discret mais peut fournir un intérêt de l’avant plan qui fait voyager le lecteur vers l’arrière-plan.

D’ailleurs, vous pouvez créer des lignes directrices à partir de pratiquement n’importe quoi. Je vous recommande chaudement de jeter un œil à certaines de vos photos de paysage favorites et regarder comment elles intègrent les lignes directrices. Vous trouverez toutes sortes de compositions créatives, avec des lignes créées à partir de routes, rivières, arbres, fougères, petits sentiers,… et plein d’autres.

7. Utiliser les couches pour simplifier la scène

La technique des couches est très appréciée en photographie de paysage car elle rend les scènes plus simples, plus digestes et magnifie tout ce qui les entoure. Lorsque vous sortez avec votre appareil, cherchez simplement une couche inférieure, une couche intermédiaire et une couche supérieure dégagées (même si plus de couches fonctionne aussi !).

Un des grands avantages des compositions en couche c’est quelle fonctionne quels que soient la longueur focale ou le sujet choisis. Vous pouvez créer des images en couche au grand-angle en incorporant trois couches dégagées et distinctes pour les trois plans de la composition (avant plan, plan moyen et arrière-plan).

Comme vous pouvez créer des images en couche au téléobjectif en compressant les différents éléments distants les uns des autres. Dans l’exemple ci-dessous, nous avons des montagnes mais il est aussi possible de travailler en couches avec les arbres, les dunes et bien d’autres.

Il n’est pas toujours possible de travailler en couche pour chaque composition mais lorsqu’on trouve une scène avec des éléments qui se répètent ou se chevauchent, c’est un bon signe que cela est possible. Je vous recommande de tenter cette technique de ces cas-là.

8. Intégrer les lignes diagonales pour ajouter du mouvement

C’est un des outils de composition de paysage plus avancé et l’effet peut être subtile. Mais lorsqu’il est utilisé correctement, il peut élever une bonne photo vers une excellente photo. Les lignes diagonales sont une manière efficace de faire voyager l’œil dans la scène et rendre l’image plus fluide. Elles vont soigneusement guider le lecteur vers le sujet principal. Tout en l’invitant à prendre du plaisir à voyager dans votre photo.

Pour commencer, je vous recommande d’identifier votre sujet principal. C’est lui qui sera le point d’accroche de votre image et l’endroit où vous souhaitez que vos lignes diagonales mènent. Déplacez-vous alors pour chercher pour trouver les diagonales potentielles pointant vers (et non partant de) votre sujet. Vous devrez être créatifs. Toutes les options peuvent être considérées, les chemins, les lignes d’arbres, les rivières, les clôtures, une ombre et même les nuages.

Enfin, composez votre image en incluant au moins une ligne diagonale positionnée vers votre sujet et sentez-vous libre d’utiliser deux, trois ou quatre lignes si vous les trouvez. Notez que les lignes diagonales peuvent être des lignes directrices de l’avant plan, mais ce n’est pas nécessaire. Il est préférable de trouver des lignes diagonales qui prennent leur source de plus loin dès qu’elles s’orientent vers le sujet principal.

9. Oser se rapprocher ou cadrer plus serré

La plupart des photographes font de la photographie de paysage avec des objectifs grand-angle. Et en général, ça fonctionne vraiment bien. Vous pouvez capturer l’immensité d’une scène tout en mettant en évidence des sujets dans l’avant plan et l’arrière-plan. Cela dit, il est parfois plus intéressant de zoomer serré en utilisant un téléobjectif. Un 70-200mm ou un 100-400mm fera très bien le boulot.

Cette technique fonctionne particulièrement bien avec les sujets relativement plats avec des lignes graphiques comme une chute d’eau distante, des fissures dans la paroi d’une falaise ou une succession de montagnes. Zoomer compressera la scène, donc les conseils sur l’ajout de profondeur ont tendance en éclat et ce n’est pas grave .

A la place, concentrez-vous sur les outils de composition de paysage comme la règle des tiers pour créer équilibre et fluidité. Et comme je l’ai dit au début de cet article, faites en sorte d’inclure un point d’intérêt clair !

10. Utiliser la géométrie et plus particulièrement les triangles pour ajouter de la fluidité et de la stabilité

En photographie de paysage, la géométrie est votre amie. Plus précisément, vous pouvez inclure des formes telles que des triangles, des carrés et des cercles dans vos compositions. Cela vous aidera à créer fluidité et stabilité, en plus, elles donnent un rendu très sympa, spécialement lorsque c’est fait avec subtilité.

Par exemple, pensez à considérer le triangle, l’une des formes les plus puissante pour le photographe de paysage. Il inclut des lignes diagonales et par conséquent ajoute une bonne dose de mouvement. Il a aussi tendance à être très stable, merci à ses bords solides et sa large base.

Les cercles sont super aussi ! Des cercles partiels créent de très jolies courbes donnant une belle impression de stabilité. Et les cercles complets sont de très bons points d’intérêt pour attirer le regard. D’ailleurs il n’est pas nécessaire de trouver ou utiliser des formes complètes en paysage. Ça fonctionne très bien en utilisant n’importe caillou circulaire, une montagne vaguement triangulaire,…

L’idée est d’inclure des éléments ressemblant à des formes connues quand vous pouvez, sans trop stresser de savoir si vous avez une forme parfaite ou une forme implicite. De cette manière, vous créez des compositions fortes qui restent naturelles. Vous voyez un peu ?

Pour conclure

Bien, cette fois, vous les avez… 10 techniques pour améliorer considérablement vos compositions en photographie de paysage. Pratiquez-les ! Et avant tout, amusez-vous ! 

Et vous, laquelle de ces astuces de composition pour le paysage utilisez-vous le plus ou préférez-vous ? Laquelle allez-vous essayer en premier ? Dites-le moi en commentaire sous cet article.

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